Le Ouistiti hurleur

Sepultura, Kairos, 2011

2011-08-24T09:51:00.003+02:00

Sepultura clôt un chapitre, mais finit par en ouvrir un nouveau, amusante coïncidence que celle de ce blog aux poils longs qui dut s'interrompre avec comme ultime coup de corne la chronique des Enfers de Dante par les Brésiliens, et qui rentrouvre timidement les persiennes en causant de ces mêmes messieurs, quelques temps plus tard. Le temps passe, tant sur nos vies que sur la Toile, cet espace volatile qui fait se mouvoir nos égo et nos anonymats, le temps passe et s'impose des respirations.

Sepultura en l'an 2011 explore le temps, le sien propre, sa mémoire et son futur, revisite les années et les chansons, les épisodes minables et les glorieux lendemains, une exploration faite de souvenirs mais qui d'un vigoureux revers de la main, balaye la poussière qui s'en va couvrir d'autres fratries.

Kairos a de l'envergure, une puissance sourde, et une palanquée de maîtres en son sein. Si les dernières tentatives du groupe, A-Lex et Dante XXI en tête n'amenaient bien souvent qu'une réaction vive et un oubli latent, Kairos a cette capacité à étreindre l'oreille, donne gout à sa relecture, quotidienne et délicieuse.

Derrick Greene est Sepultura, définitivement, il incarne et insuffle, balayant l'Histoire et les scories cavalaresques. Et puis d'ailleurs, finissons-en avec les pleurnicheries des trve-cons de la première heure, votre singe n'a pas connu les belles heures de Maxounet et de son tam-tam, je n'ai comme référence de lui qu'un sentiment d'abandon devant la difficulté, un déni d'ouverture et d'audace et sa profonde chute dans le blabla grossier de Soulfly, bon débarras.

Au contraire Sepultura offre avec Kairos son plus bel album, celui que l'on osait plus demander au risque de se voir péter la tronche par le grand noir.

Ce dernier disque vous condamne à ressortir votre code de la bienséance, on oublie les insultes, les railleries passées on écoute attentif, anxieux de voir la déception poindre, et la mégère point ne vient, jamais.

Voici Spectrum, un sablier charriant du gravier, vraie belle invitation à rejoindre les rangs. Kisser qui saccade, un rythme lent et une basse qui s'invite dans la danse, le tempo est cérémonial, Greene y est prédicateur, guttural, et quelle conviction... Un essentiel sépulturien à étiqueter fissa comme tel.
Je ne vais pas trop en faire sur le génie tout en cheveux qu'est Andreas Kisser, et laissez-moi saluer Jean Dolabella qui surprend aux baguettes, parfait en concert, impeccable en studio au vu du résultat.

Sepultura ne dévie en rien d'une quelconque ligne, mais le ressenti sur Kairos est spectaculaire, impossible de ne pas voir en cette avalanche de sons un album fondamental de leur carrière. Fondamental par la cohésion de ce groupe qui connut pourtant les heures de gloire et celles de l'oubli, les absences et les heureuses rencontres.

On aimait narguer Sepultura, je n'ai jamais pu m'y résoudre, âprement convaincu que même au plus bas de l'estime d'un public ingrat, ils reviendraient un jour sans tambours ni chants tribaux nous fracasser la tête, comme ça, aisément et simplement.

Autant il fallait des trésors de conviction pour défendre totalement Dante XXI, ou se shooter à la colle pour oser avancer qu' A-Lex fut une concluante expérience, autant Kairos appelle à l’adhésion immédiate.

Kisser a su revenir à plus de sobriété, évite les structures trop complexes et s'en tient à battre les cordes, à composer des pièces majestueuses et puissantes qui faisaient défaut aux vieux sépulturiens de la première heure, aujourd'hui incontinents.

On vous en met plein la tronche (merci Roy-Z aux manettes) mais l'on prend tout son temps, les tempi se révèlent au final pas supersoniques pour un real, tant mieux qu'ils me disent, mais qu'importe la rapidité si l'on a l'offrande d'un grand groupe au plus haut de son inspiration et de son art.

Mask ou No One Will Stand se chargent de passer la troisième, mais le propos n'est réellement pas de gagner la compèt' du plus gros fumeur de pédales, il faut en imposer, sur la durée, un marathonien qui explose d’expérience et de puissance contenue, savamment amenée.

Les soli voyageurs de Kisser, élégants, sont la signature définitive qui nous impose le talent du groupe. Sa prestation sur Kairos est superbe, le solo de Spectrum est à pleurer, m'incliner plus bas encore m'obligerait à me quitter deux paires de cotes.

Monumental mais point massif, les passages d'une aisance bluffante entre le heavy, le thrash, le hardcore sont ici pour entériner cette mixité du son qui est ancrée dans la peau du groupe. L'on reconnaîtrait entre mille ces signes tribaux délicatement posés, signes d'un Sepultura classique et innovant à la fois.
L’expérimentation plus poussée est à chercher sur Structure Violence (Azzes), qui bat le rassemblement du thrash et de l'indus, dans une configuration anarchique jouissive à souhait. Pour un peu, l'on se croirait chez Killing Joke et son album jaune avec clown infernal, c'est brutal, mais c'est réfléchi, et qu'est-ce que c'est bon...

lorsqu'ils veulent réellement faire plaisir, ils sortent de la reprise, de la bien méchante et bien choisie, Just One Fix, si pas spécialement plus brutale que l'originale de Ministry, ajoute encore à cette impression d'avoir retrouvé Sepultura (si tant est qu'ils s’étaient perdus un jour, bref, fin du débat...), et difficile de ne pas se démembrer avec cet énorme bourre-pif revisité, Firestarter de Prodigy by Sepultura, quel panard monumental.

Je regarde en finissant mon texte leur prestation au Wacken Open Air 2011, Greene et sa tronche hallucinée, Dolabella excellent de technique et de feeling, et je vois un groupe qui en veut, qui se bat et qui a encore beaucoup à offrir, un groupe qui avec Kairos fait un bond dans le temps, de son beau passif à son glorieux surlendemain.

Sepultura, Dante XXI, 2006

2010-09-09T00:01:00.000+02:00

On les voyait bien toucher le fond, et on ne s'interdisait ni de le penser ni de le dire. Maxounet qui se tirait sans un pot de départ, Sepultura dut se remettre à bosser en tant que groupe et oublier les décisions hégémoniques de jadis, pas simple à reformater la bestiole. Avec Roorback ou Nation, les Brésiliens tentaient une approche brutale et ils virent poindre la déception des troupeaux de fans inconsables de la séparation. Ca avait beau ne pas être nul, c'était pas Max et donc c'était pas pareil.
Alors Greene et Kisser se sont dit que les fans, finalement, on va les envoyer chier. Et au lieu de pondre des trucs qui puent l'ancien mais sans plus de saveur que cela, on va pousser les limites de la bête, l'amener à de nouvelles expériences, enterrer les compromis dans la tombe. Et les fans inconsolables alors ? Rappelez-vous, on les emmerde.

Et ça fait du bien de temps à autre d'oublier toute masse critique, et de se concentrer sur la seule chose qui nous fait lever le matin à part l'envie de pisser, faire de la musique.
Dante XXI est pêtri de rage, de puissance dévastatrice. Sepultura ne semblait ici rien contenir de ses émotions, de ses sentiments, tout doit être déballé, et c'est Andreas Kisser qui s'en charge.
Sans lui, Sepultura mourra un jour de la pire des manières.
Et il prouvera que le son sepulturien lui est reconnu comme une propriété privée inviolable, qui se risquerait à le lui contester, à part peut-être le frangin cogneur Igor Cavalera qui finira par se barrer peu de temps après Dante XXI.

Sur cet album, Igor n'est cependant pas médiocre et maltraite sévèrement ses fûts, mais c'est bien l'apparition de quelques violons et éléments symphoniques qui surprend. Vu le thème choisi, cet apport se défend et n'est jamais mal amené. Dante valait mieux qu'une mauvaise revisite, et Sepultura voulait innover sans chuter.
Derrick Greene voulait enfin présenter une autre facette du groupe et de sa propre personnalité. Alors plutôt que de rabâcher les mêmes thèmes mondialistes et les sujets du genre "vivre dans une favella, c'est pas glop", Derrick s'est mis en tête de travailler sur une oeuvre classique qui le marqua profondément, la Divine Comédie de Dante. Le poète, écrivain et homme politique Florentin décrivait dans ce poème son imaginaire descente aux Enfers, le Purgatoire et son accession au Paradis, pour enfin détailler son ultime rencontre avec Dieu.

Nombre de groupes se sont inspirés de ce poème et principalement de L'Enfer, qui en est le passage le plus poignant.
L'Enfer comporte 34 "chants" qui décrivent la chute du poète mêlée à quelques considérations politiques de la Renaissance Italienne.
Je me questionnais cependant sur la signification du "XXI" apposé derrière Dante. S'agissait-il d'une référence à un des chants du poème ou à un bête rappel que nous sommes au XXIème siècle ?
Il est plus probable que la seconde option soit la bonne étant donné que Dark wood of Terror qui ouvre l'album fait référence aux premiers vers du chant I (et non XXI).

"Au milieu du chemin de notre vie,
je me trouvai dans une forêt obscure

égaré hors de la voie droite.
Ah, comme est chose dure à dire quelle était

cette forêt sauvage et âpre et forte

qui dans la pensée fait revivre la peur !"

Nos lettrés ne copient pas mot à mot le classique qui est très dense et difficilement assimilable dans son entier au format sepulturien. Il s'agit plus d'une inspiration parfois très évasive, moins fidèle que ne le sera A-Lex et sa relecture de The Clockwork Orange de Burgess.
La somme d'un groupe confiant en ses moyens et une bonne thématique musicale est plus que positive ici. Bien que cognant de partout, Dante XXI n'en oublie pas de plaquer quelques effets à l'aide des violons et du piano, ce qui aide grandement il faut l'avouer pour assimiler les coups de boutoir de Greene, parfois (on le lui reproche souvent) trop linéaire, mais certainement pas désintéressé.
Il est évident que le sujet le passionne et les textes, encore heureux, sont une bonne introduction au poème original.

Musicalement parlant, Sepultura se fait réellement plaisir est c'est communicatif. Kisser et la compagnie ne cessent de surprendre sur ce long album conceptuel, alignant quelques introductions magistrales qui se chargent d'aérer le propos.
Il faut écouter Ostia et son intégration parfaite de quelques cordes qui donnent une ampleur rarement vue à la musique des Brésiliens, la rythmique qui revient par vagues est parfaitement gérée par la paire Cavalera/Paulo Jr, et le break au violon en plein centre est de toute beauté.
L'ultraviolent Crown and Miter se voit précédée d'une cavalcade de violons effrayante tandis que le final Still Flame et ses choeurs clotûre l'oeuvre de la plus belle des manières.

Sepultura venait de proposer avec Dante XXI un travail d'une grande élégance sans jamais manquer de force. Complexe et parfaitement mené, cette relecture courageuse peut sans complexes aucuns en remontrer aux mauvais disques d'un Maxounet Cavalera trop perdu dans ses machins tribaux pour intéresser, voire même passionner le vieux fan du groupe qui le largua à la sortie d'Against.
Un de ces albums qu'il faut sans honte remettre bien haut dans vos préférences, parmi tant d'autres certes, mais Dante XXI a suffisamment de qualités pour vite piquer quelques places dans vos priorités musicales.

Tri Yann, La Découverte ou L'ignorance, 1976

2010-09-07T16:54:00.001+02:00

De Tri Yann, je n’avais que le premier album, Tri Yann an Naoned (les trois Jean de Nantes) qui fut usé en cassette puis dûment échangé par un CD lorsque la bande accusa de graves signes de faiblesse. Les voir en concert aux confins des années 90 à l’Olympia fut un grand moment de couleurs et d’ambiance. Le public semblait reconnaître en cette joyeuse troupe à costumes pittoresques de vieux compagnons de route. Une communion, un partage de valeurs auxquels je ne saisissais pour ma part strictement rien du haut de mes dix et quelques années, mais ça me plaisait.

Cette escapade dans les méandres bretonnants m’amena plus tard à découvrir leurs œuvres des années 70, et notamment La découverte ou l’ignorance.

En 1976, les compères restaient encore dans des reprises de thèmes traditionnels, dont le fameux La jument de Michao, qui sera mis à tous les jus lors des concerts et provoquera un égal engouement. La découverte ou l’ignorance n’est en cela qu’un support pour quelques classiques de plus et je lui préfère pour ma part An heol a zo glaz - Le soleil est vert de 1981, voire le premier.

Mais il y a un titre qui fait que cet album diffère des autres, ce n’est même pas une chanson, c’est un discours, lu par Jean-louis Jossic, et provenant d’un manifeste du journaliste/écrivain Morvan Lebesque. Ce texte conclusif se parait d’un beau manifeste, fondateur et apaisé. Il n’y est pas question de sang impur, pas non plus d’oppression étatique contre le pauvre Nantais, il y est question d’accepter selon son bon vouloir son identité, ou de la refuser, sans heurts et sans démarche obligatoire. "La Bretagne n’a pas de papiers" dit-il.

Une belle lettre, que j’appréciais comme telle, sans y voir autrement plus de malice.

Jusqu’au jour où je pris connaissance du passif de son auteur ou du moins de ses activités dans un temps précis. Je découvre ces faits (pas compliqués c’est dans Wikipédia…) et je voudrais l’ignorer, mais c’est désormais pas bien évident.

Morvan Lebesque écrira durant la guerre pour une feuille de choux bretonne clairement pro-nazie, il s’en expliquera sur le tard en invoquant sa jeunesse et le fait qu’il aurait courageusement déserté le journal au bout de douze jours... Il survivra pourtant à Paris dès 1940 en tant que pigiste dans le torche-cul collabo « Je suis partout » de Robert Brasillach aux cotés d’autres messieurs dont les écrivains Georges Blond et René Barjavel, ou le monarchiste Jean de la Varende ("monarchiste" étant le qualificatif le moins sale que l’on puisse lui apposer...).

Jean-Louis Jossic devra d’ailleurs admettre la gêne occasionnée par les activités passées de Morvan, reconnaissant que le fier défenseur de la culture bretonne présentait quelques aspérités dans son curriculum. Et ma bête chronique d’un petit album de Tri Yann dérive vers l’Histoire. Ce n’était pas prévu, je n’ai fait qu’assouvir ma curiosité concernant l’auteur de ce texte conclusif fort touchant et paf, le scoop… Puis-je alors rabaisser cet album à quelques machins traditionnels et à un texte à l’auteur douteux ?

Non, ce serait irrévérencieux, car Tri Yann a suffisamment roulé sa bosse en tous sens pour faire les frais, au crépuscule de son existence d’un procès en sorcellerie. L’apport du texte de Lebesque, et sa démarche générale concernant la reconnaissance si ce n’est d’une nation, du moins d’un esprit breton, je le garde comme un bel hommage, tentant d’éluder le questionnement.

Mais défendre ce texte, est-ce défendre son auteur ? J’adule Louis-Ferdinand Céline, l’écrivain, tout en connaissant le contenu de son Bagatelles pour un massacre, je reconnais la grandeur d’un Victor Hugo, mais ne peut occulter son cachetonnage insensé et ses retournements de veste d’une rapidité toute olympique. Et puis combien d’auteurs sur lesquels placarder interdits et avertissements, Paul Valéry, Apollinaire, Baudelaire, loin de prudes et saints conteurs d’histoires, ce sont des vies sales et troubles, des aventuriers, des voleurs, aux mœurs dégueulasses et aux opinions trop libres, n’allons pas conter nouvellement Sade ou les escroqueries de Miguel de Cervantès, ces héros de la plume n’occultent pas totalement quelques boulets pesants.

Est-il salubre de juger les auteurs, de juger la littérature, les écrits ? N’est-il pas dangereux d’apposer des stickers sur l’art, de jauger la poésie sur l’échelle de la bienséance ? Si l’on conservait des grands auteurs uniquement les vertueux (et selon des critères drastiques), le seul prétendant convenable ne pourrait être qu’Henri Dès...

Défendre Lebesque, certainement pas, pas mon boulot, pas mon souci non plus, et on ne peut lui attribuer une importance équivalente aux quelques exemples précédents. Mais la question que Tri Yann posait en 1976 prend alors un tout autre sens…

J’aurais ignoré, je garderais toujours pour ce disque une estime émue, quelques envies de se faire mouvoir des petits doigts dans des rondes frénétiques, un petit album sympathique pour un public de connaisseurs et d’adeptes du genre. Mais je découvre et admets alors cette pointe de gêne, ce goût un peu nauséeux dans la gorge, alors non décidément je n’écouterai plus jamais ce petit album comme avant. Comme le dit Lebesque en fin de son manifeste, A chacun, l’âge venu, la découverte, ou l’ignorance...

Miles Davis, Live Evil, 1971

2010-09-04T16:43:00.001+02:00

Live evil nous parle des miroirs, de ceux qui déforment, qui donnent une nouvelle perception de notre univers. Successeur du monument Bitches brew, ce vrai-faux live confronte deux pôles en mêlant perles de concerts et prouesses de studio. Les deux mondes se répondent et rivalisent de puissance, de folles improvisations, à la chaleur du public se cogne la chaleur des sessions interminables. Miles Davis et son omniprésent producteur se moquent bien de perdre l’auditeur, ils voulaient voir sur un unique disque deux faces opposées de leur art. Entre scène et table de mixage, ils désiraient un disque fait de contraires et d’oppositions, Live evil.

La tentative pouvait rendre quelque chose de plutôt bancal. Peu d’artistes tentent le pari du métissage jusque dans la fusion de partitions studio et d’enregistrements publics. En ce cas, on privilégie la séparation claire et nette, une face pour chaque, voire un disque pour chaque dans le cas d’un matériel conséquent et personne ne se plaindra. Miles Davis n’a cure de ses détails, seule importe la qualité des interprétations.

Le jazz jouit selon lui de suffisamment de liberté pour conserver la même chaleur dans les deux espaces. Il compose donc Live evil par un savant assemblage de morceaux studio et de versions publiques.

Les enregistrements publics, atteignant tous plus ou moins les vingt minutes, ont été captés le même jour, au Cellar Door de Washington DC le 19 décembre 1970. Les version studio sont nettement plus courtes et proviennent de diverses sessions au Columbia Studio B de New York. Le son est donc très différent, énergique et chaud au Cellar Door, plus éthéré et produit au Columbia Studio.

Toujours ce jeu des contraires, et Miles Davis en use jusque dans certains titres, s’amusant évidemment avec le patronyme de ce disque, Live Evil, mais aussi affublant les morceaux Sivad et Selim de son propre nom inversé.

Rien n’a changé depuis Bitches brew. La nuance s’écoute dans les improvisations, dans la multitude des instruments, et dans le jeu totalement free de John McLaughlin. Encore lui, me direz-vous.

Miles Davis est décidément conscient du potentiel de son jeune guitariste et lui laisse une totale liberté, le laissant user de sa wah-wah sans compter, embellissant encore un peu plus le premier titre fleuve - Sivad - de ce simili live. A tel point que d’aucuns, fanatiques d’un jazz plus centré sur lui-même, lui reprocheront trop de dérives, tant funk que rock. Ces critiques ne peuvent tenir face aux multiples expériences du guitariste, déployant un panel inventif assommant. Et le public réagit a ces fougueuses lancées, enthousiaste.

Il est cependant permis d’en vouloir à Teo Macero, pour le coup. Son art de la découpe intransigeante scinde en deux parties presque distinctes Sivad. Tout d’abord quelques trois minutes d’un funk bouillant où Miles Davis et ses camarades rivalisent de puissance, lorgnant ouvertement vers une fusion jazz/rock du plus bel effet. L’extase vous prend alors que le rythme ralentit brusquement et le morceau s’étire en longueur, parsemé d’une wah-wah dominatrice et des improvisations d’un Miles Davis chaotique.

Ce découpage violent se retrouve à différents moments et, malgré les savantes retouches et arrangements, l’on peut parfois s’y perdre. La première écoute est de fait plus laborieuse que de coutume, puis l’oreille s’adapte, accepte ces choix si étranges, et les assimile. Le passage de Said à Little church est de fait tout aussi surprenant...

Un Little church qui nous invite dans un western magique. Court, il laisse une impression curieuse, entre fascination et arrière-gout de trop-peu. Isolé, le morceau se tient parfaitement, mais dans le contexte d’un album, il en parait presque incongru.

Miles emmène alors sa troupe dans d’autres mondes, où la guitare distordue semble hurler de douleur, où la sitar électrique de Khalil Balakrishna gémit de concert. Le Medley Gemini/Double image navigue entre une tension parfois insupportable et une somme d’éléments dissonants chargés de nourrir le morceau, de le varier jusqu’à la nausée. Il ne faut cette fois aucunement chercher de logique, de sens de la composition. L’on pourrait presque y voir un simple amas de sons où certains se pâmeront devant telle audace et d’autres s’en éloigneront, arguant que le talent n’occulte pas le faible intérêt de ce titre, bien trop bancal, trop éclaté.

Là encore, c’est par les enregistrements live que le disque reprend de l’intérêt, avec un What I say fleuve faisant montre d’une folle énergie. Jack Dejohnette et Airto Moreira rivalisent de trouvailles pour les percussions, donnant de fortes couleurs à ce titre. Et Keith Jarret fait planer ses doigts sur les touches de son piano électrique, prenant le contrôle.

Le maitre se déchaine soudainement, le rythme s’accélère, effluves de funk qui font suffoquer les premiers rangs du Cellar Door. Mais ce sont les tambours qui soutiennent réellement le morceau, la joute rythmique finale étant aussi grandiloquente que maitrisée.

Nem um talvez nous renvoie en studio, avec un morceau similaire à Little church, relativement court et manœuvré par l’orgue de Keith Jarret.

Hermeto Pascoal revient à ses quelques vocalises fantomatiques, les percussions de Moreira, subtiles, rappellent de lointains voyages asiatiques. Étrangement, Selim qui suit semble en être le prolongement, tant la ressemblance est frappante, mais nous venons bel et bien de passer au second disque.

Funky tonk, furieux, s’avance et la fièvre se fait plus agressive de par cette guitare insolente, de par ce piano espiègle. Ce "jazz" fait parler les instruments qui communiquent autant entre eux qu’avec le public, tout aussi heureux de converser avec ces maitres du son. Inamorata ne parvient pas à faire baisser cette tension constante et conclut brillamment cette petite affaire. McLaughlin est encore aux avant-postes, faisant jouer sa pédale comme jamais. A tel point qu’il parvient à faire sonner ses cordes comme une trompette, la nuance est parfois étrangement ténue.

Live evil, deux faces mêlées, deux façons d’aborder cette époque faste d’un Miles Davis en pleine fièvre créative, entourée des futurs plus grands hérauts de la fusion. Le contraste voulu par Macero, il n’en résulte qu’un pari à moitié gagné, tant ces longues improvisations enragées au Cellar Door enterrent de leur puissance les morceaux studio, plus humbles, moins fous.

Il n’est d’ailleurs pas interdit de retravailler à votre manière l’ordre des plages et vous serez surpris de découvrir un nouvel album, certainement plus cohérent, mais perdant aussi un peu de cette essence si dérangeante. A vous d’apprécier ces deux faces qui à l’image de la superbe pochette d’Abdul Mati (aussi responsable de celle de Bitches brew), dévoilent des aspects si ambivalents mais bien constitutifs de cet âge d’or.

Miles Davis, Bitches Brew, 1970

2010-09-01T16:34:00.000+02:00

Alors que Miles Davis entamait progressivement son chapitre électrique, c’est une véritable armée de percussionnistes qu’il invite autour de lui pour ce nouvel album. Des frappeurs de peaux qui remettent en cause nombre de poncifs souvent accolés au jazz. Car si les cuivres restent les sirènes enchanteresses de jadis, ils ne soutiennent plus à eux seuls le chapiteau délicieux de l’ange noir, bien trop conscient que la musique est affaire de découvertes et d’audace. La stagnation du son est une hérésie. Amplitude et ouverture, voilà les préceptes qu’il faut défendre, et magnifier.

In a silent way fut la borne, la frontière poreuse d’où s’échappaient les nouvelles envies d’un Miles Davis avide de renouveau, jamais satisfait d’une musique pourtant déjà formidablement riche. Le personnage est d’humeur changeante, éternellement, et il amorce cette nouvelle étape en 1969 en suivant ce si peu silencieux chemin, en branchant guitares et pianos, mettant en lumière d’autres jeunes loups tels que le bassiste Dave Holland (23 ans, soit vingt de moins que Miles Davis) ou le guitariste John McLaughlin (27 ans). N’allons pas fatiguer la rétine à appliquer trop de qualificatifs élogieux à Davis, il est avant tout un découvreur, un explorateur.

Il cherche mais jamais à la manière d’un archéologue qui explore le passé pour comprendre notre quotidienneté. Lui, explore le futur pour enrichir notre présent. Cette nuance fait la qualité et la richesse de ses disques, car en refusant tout conformisme d’avec sa contemporaine existence, il survolait intelligemment les risques d’enfermement dans une époque, rendait sa musique atemporelle, spatiale. Il serait même tentant d’oublier d’étiqueter son travail dans le jazz, tant sa musique a pris au fur et à mesure des années une amplitude incroyable.

Lors des sessions d’enregistrement d' In a silent way, Miles Davis s’en tenait à une "petite" équipe de huit musiciens, ce qui était tout de même déjà trois de plus que le quintette parfait de Nefertiti.

Un an plus tard, il a poussé le recrutement de manière exponentielle puisque pas moins de quinze musiciens (lui compris) se tassent dans le studio durant des sessions interminables, des heures d’improvisation dont il se fait toujours le doyen, sachant où commencer et ou arrêter ces luttes de vents et de cordes, avec cette armada de percussions qui frappe en arrière-plan.

Le doyen n’en est pas moins un hôte de qualité, et il laisse un champ de manœuvres idéal à chacun de ses convives. C’est curieusement John McLaughlin qui profite le plus du festin. Pourtant peu visible un an auparavant, son jeu se fait nettement plus impressionnant et l’homme, au-delà de donner son nom à un titre, sait désormais forcer le trait, alors que le virage imposé de l’amplification à la saturation aurait pu le pénaliser. Il n’en est rien, bien au contraire, McLaughlin jouit de cette nouvelle donne en teintant ses notes de mouvements de funk, des notes totalement libres et aériennes.

Comme souvent, c’est moins par ses qualités de musicien que de chef d’orchestre que Miles Davis impressionne. Non pas que sa trompette faiblisse, non pas que son jeu s’évanouisse derrière la somme de talents qui n’en finit de batailler en fond de scène. C’est simplement que maitriser un tel équipage en donnant un espace à chacun, en conservant une mince (mais réelle) ligne directrice tenait de la gageure. Et lui y parvient. Il impose la durée, impose à ses camarades de jouer toujours plus, lui fournissant ainsi un matériel suffisamment dense pour remodeler comme il l’entend les morceaux en studio. Il est ici moins trompettiste que compositeur ou devrais-je plutôt dire arrangeur, monteur, assembleur. Teo Macero, son producteur, appuiera cette technique du copier/coller, permettant une multitude de variations.

Revenons à la peau. A ces peaux qui se font plus présentes que jamais. Pensez que six batteurs-percussionnistes martèlent et cognent ici (seuls Billy Cobham et d’Airto Moreira sont crédités). De divers horizons, ils sont un éloge du rythme, celui des traditions africaines, celui des tambours et des rites initiatiques des Bambara, des Peuls, des Dogons, de ces peuples d’Afrique de l’ouest qui ne vivent qu’avec les palpitations du cœur calquées sur les tambours frappés à intervalles précis.

Bitches brew ne renie rien, il magnifie tant le métissage que cette fierté noire, cet éloge incessant d’un son qui parle au corps, qui le transcende par la magie du rythme. Les improvisations amenant cet inattendu, cette surprise qui maintient éveillé et tendu.

Miles Davis était si intrigué et passionné par ces sessions qu’il laissera les morceaux s’étirer en longueur, laissant ses deux pièces magistrales, Pharaoh’s dance (au crédit du pianiste Joe Zawinul) et Bitches brew consommer la face A d’un vinyle. Cette face A pleine de perditions psychédéliques, une ode obscure et complexe qui tranche cependant d’avec les premières notes de Spanish key, semblant - faussement - plus enjouée.

Lorsque McLaughlin se permet quatre minutes de cordes libres, les frontières du jazz sont définitivement franchies. Le guitariste navigue entre free jazz et free... rock. Toujours cette peur du commun, il faut aller plus loin que quelques joutes entre trompette et saxophone dans une cave, toujours plus loin.

Il y a de la soul et du funk dans ce jazz si diffus, comme le laisse entendre Miles run the voodoo down, où l’on pourrait aisément imaginer Marvin Gaye roucouler quelques belles déclarations amoureuses. Cette dérive funky, aussi commerciale qu’artistique, est aussi une réponse cinglante au blues que Davis juge “vendu aux Blancs”.

Sa trompette est cependant toujours en avant, sans jamais étouffer quiconque, plaquant ses notes dans un semblant de désordre auxquelles répond souvent la guitare divine de McLaughlin. Wayne Shorter, adepte parmi les plus talentueux du maitre se permet avec Sanctuary une mine plus nostalgique, à l’ouverture dépouillée. Une trompette lente, un piano minimaliste, puis quelques frappes de cymbales, quelques mouvements de caisse claire d’une infinie élégance. Le rythme soudainement s’accélère et Sanctuary prend son envol, s’éteint nouvellement, rugit et disparait.

Une réédition de 1999 voit s’ajouter un extra, une partition (parler de partition dans le jazz est osé, je le concède), partagée entre une tension malsaine et des distorsions de guitares, des notes désordonnées de trompette, un piano macabre qui se meurt. A vrai dire, Feio (également composée par Shorter) n’a rien d’un morceau construit, ce serait plutôt une fin de session vers six heures du matin, où plus personne n’est capable de maitriser son instrument, où seul le corps fabrique des sons dans un total automatisme. L’ambiance est funéraire, chaque musicien émet quelques notes incohérentes dont même les percussions décadentes peinent à offrir un code de conduite. Plus rien n’est maitrisé et le disque s’achève, épuisé.

Bitches brew, malgré sa richesse, aurait pu durer des heures entières si les supports de reproduction avaient pu permettre tel monument. Les plus fervents pourront se rattraper en s’arrachant le The complete Bitches brew sessions de 1998 qui se concentre sur les sessions de l’année 1970 (On the corner et Big fun proviendront des mêmes sessions d’enregistrement). Soient quatre heures d’un jazz hors de lui, et hors du temps.

Judas Priest, Rocka Rolla, 1974

2010-08-27T00:01:00.000+02:00

Les germes du Hard Rock sont devenues en moins de cinq ans de belles plantes sauvages, carnivores, envahissant les jardins et réduisant à néant les quelques nains alentours. Cinq ans et déjà fatigués, les vétérans du rock dur laissent peu à peu la place à une nouvelle génération affublée de sobriquets aussi divers que Queen, Thin Lizzy, UFO, Aerosmith et autres Blue Öyster Cult. On pourrait aussi y mettre Judas Priest tiens, qui (très) tranquillement amorcera le passage de gentil groupe de rock à icône du Heavy Metal.

Marrant que nombre de villes pourries furent un jour un terreau fertile à l'éclosion de groupes célébrissimes. Du genre de Seattle, ou de Melun...
Ou de Birmingham tiens. La moche, la noire, la boueuse l'hiver et humide l'été, qui sent derrière les pubs de son centre-ville une forte odeur de pisse alcoolisée. Pas joyeuse en fait, besogneuse la semaine et mère de famille nombreuse le week-end. Rien qui fasse rêver dans les perspectives d'emplois, une ville où il faut soit taffer comme un esclave et mourir à 40 ans ou se flinguer à 50 avec les dettes enfoncées dans la bouche. La troisième option étant de faire de la musique, entre les parents abrutis d'incompréhension au retour des forges et les potes alcoolos à ramasser dans le caniveau chaque vendredi.

En 1970, le bassiste Ian Hill et le guitariste K.K. Downing ont heureusement choisi la troisième voie (les feignasses) et rament pour monter un groupe de rock, tentant diverses combinaisons tout en écumant les petites salles des environs de Birmingham. Un soupçon de succès finissant par poindre, la paire vire son chanteur Al Atkins et fout dans la même valise le batteur Chris Campbell. Il fallait faire place nette pour un certain Rob Halford, le batteur John Hintch (dont on se fout pas mal vu la consommation massive de cogneur de fûts chez Judas Priest...) et Glenn Tipton en second gratteux. Vous l'avez votre combinaison miracle...

...Mais qui tarde à s'imposer vraiment, la bande se sentant proche des songwriters du moment, Joan Baez, Bob Dylan (le nom de "Judas Priest" est extrait de la chanson The ballad of Frankie Lee and Judas Priest de ce même Dylan), et reste encore bien timide sur le plan musical.
Les débuts de Judas Priest sont donc un mélange un poil pataud de groove, de hard naissant et de restes de psychédélisme, loin d'eux la volonté d'aller fracasser le mur du son, on commence pépère.
Tout doux, mais foncièrement funk. A tel point que Deep Purple période Coverdale/Hugues n'est jamais bien loin, voire très présent.
Niveau influences, Judas Priest n'a de toute manière pas encore défini un style propre alors on se retrouve avec les morceaux typés Black Sabbath (Deep Freeze, Caviar and Meths), les bouzins à la Deep Purple (One for the Road, Rocka Rolla), le portnawak de gratteux dans le style Led Zeppelin en pleine montée de coke (Winter Retreat) ou encore de la jolie ballade cru Uriah Heep 1970 (ou Scorpions ère Uli Jon Roth).

C'est pas mauvais d'ailleurs, mais c'est si clairement référencé que l'intérêt s'en voit restreint. Rocka Rolla serait entièrement de cette trempe, il serait bon de l'oublier complètement. Ce qui le sauve hormis son caractère historique, ce sont ces chansons-prémices, ces indicateurs d'un glorieux parcours futur.
Il faut attendre Cheater pour entendre "vraiment" Judas Priest, les duels de guitares, les refrains venimeux, oubliez les quelques touches d'harmonica et il est évident que vous écoutez le créateur du heavy metal dans ses oeuvres seventies. Cheater ouvre un nouvel album dans l'album.
La disposition des chansons est d'ailleurs assez évocatrice de la jeunesse du combo, les pâles copies sont plantées en entrée pour rassurer et se rassurer. Avec du boudin pompé sur les anciens, on rameutera toujours les moins obtus et dans le cas où ils aillent plus loin que la cinquième plage, ils peuvent tenter un son quelque peu différent, celui qui fera de Judas Priest l'icone absolue du heavy Metal, tant musicalement que visuellement (les ceintures cloutées, le cuir repiqué à Elvis, les grosses bécanes, le folklore métallique en somme).

Dans cette seconde partie de l'album se fait donc jour la réelle essence du Priest, maniant mélodies et courtes furies, n'hésitant pas à ralentir le ton pour offrir des titres tels que Run of The Mill. On est d'accord que comparé à au hasard Victim of Changes ou Beyond The Realms of death, ça vole pas haut, mais oubliez un temps le proche futur du groupe car pris à part, c'est plutôt pas mal. Quelques touches floydiennes accolées à de maladroites parties de guitares sur un fond jazzy vieillot, et Halford qui s'emporte sur le final en donnant une belle idée de ce dont il sera capable par la suite.
Si il ne fallait en garder qu'un (facile, ce serait Cheater, ah merde), bon gardons-en deux alors car Dying to meet you est également recommandable. Rythmique lente et guitares à peine présentes, sauf pour ce merveilleux riff de western qui revient lancinant. Il y a quelque chose d'attirant derrière cette musique, une tentation sourde évoquée par les vocaux de crooner d'Halford, quelque chose que l'on ne tâte qu'avec un respect jamais forcé.

Vous survivrez sans Rocka Rolla, c'est un de ces albums de débutants dispensables sans être nuls, dont on se défait aisément le jour du vide grenier dominical. Mais on parle de Judas Priest là, pas de n'importe quel groupe de beaufs.
Sans excuser les maladresses et les errements inhérents à une première oeuvre (dont le titre et la jaquette...), on peut passer un bon moment en compagnie de cette archive, en prenant soin d'oublier un moment que Judas Priest eut un incroyable avenir et (encore...) un présent à des années-lumières de ces agréables balbutiements.

Led Zeppelin, Presence, 1976

2010-08-24T16:24:00.028+02:00

"J’allais un peu partout en boîtillant au milieu de ce super morceau (Achilles last stand, NDLR) lorsque subitement mon enthousiasme prit le dessus : je me suis mis à courir dans la cabine avec cette béquille orthopédique et je suis tombé, le mauvais pied en premier. Il y a eu un terrible craquement, un grand flash de lumière, et je me suis tordu de douleur."

Alors que l’année 1975 semble s’achever pour le mieux, avec un Physical Graffiti au sommet des charts et des concerts-fleuves (atteignant parfois quatre heures...) qui font s’accumuler les biftons, Robert Plant, de vacances en famille sur l’île de Rhodes souffre un grave accident de voiture.

Annulation de la nouvelle tournée mondiale, lente rééducation prévue sans garantie de pouvoir de nouveau marcher correctement et Maureen (la femme de Plant, qui conduisait la voiture) dans un sale état pour de longs mois, l’ambiance n’est pas à la fête.

Mais le business avant tout, péripéties privées que cela, on s’en fout ! Et l’on presse Led Zeppelin de remonter en selle sans attendre. Il ne faudrait pas que quelques drames mineurs aillent entacher la suprématie du groupe, pas maintenant, pas encore...

On se partage le boulot, leur gourou Peter Grant prépare un film sur le dirigeable (le mauvais The song remains the same et son pendant musical) tandis que Page et Plant partent écrire de nouveaux textes - sans envie réelle - à Malibu.

Enregistré à Munich en trois semaines, Presence porte en lui la souffrance insupportable d’un Plant incapable de tenir debout, et qui rejaillit sur l’ambiance du studio. Malgré ces conditions difficiles, Led Zeppelin accouche finalement d’un grand disque, certainement l’album le plus radical de leur carrière.

Plus de temps en studio, c’est plus de douleur pour Robert Plant. Incapable de maitriser son émotion sur les parties de chant d’Achilles last stand, oubliant ses jambes blessées, et qui se rappellent bien vite à lui... Il doit s’arrêter, reprendre, hurle de douleur et ses camarades qui ne peuvent rien, et qui n’ont pas le coeur à poursuivre.

Presence est un disque de la dépression, du doute qui s’installe dans l’histoire de ces jeunes mecs pleins aux as et qui connaissent soudainement une faille dans leur gloire. Il y a le questionnement derrière l’arrogance, le sentiment que rien n’arrive par hasard, que cet accident, tragique, symbolise aussi quelque chose pour eux en tant que groupe.

Dans ce studio Musicland de Munich, on ne rit pas, on parle peu, on avance, simplement. Bien que le ton ne soit pas résolument plus lourd qu’auparavant, le disque s’avère plus pesant, plus métallique que jamais, avec cette cohérence qui faisait un peu défaut à ses prédécesseurs (mais leur donnait aussi plus de folie).

Achilles last stand est le chef-d’oeuvre absolu, qui éclipse de sa grandeur tout ce qui le suit, et une grande partie de ce qui l’a précédé. Les paroles sont curieuses, plus que jamais, avec cette supposée venue d’un messie, d’Atlas, d’Albion... Mais ce qu’il faut en retenir c’est ce solo de guitare de Jimmy Page qui touche au divin. Il montrera la partition à John Paul Jones qui lui assurera de fait que jouer telle chose est impossible, Page persistera, et y parviendra.

Au-delà des prouesses techniques (le groupe est également brillant, encore une fois) Led Zeppelin prend conscience, et sur For your life tente la mise en garde :

"With the fine lines of the crystal pane through your nose,

And when they couldn’t resist you, I said, "Just go with the flow", And now your stage is empty, Pull down the curtain, baby, please, Fold up your show, Hadn’t planned to, could not stand to fry in it, I hadn’t planned it, I overran it, Fry it for your life, for your life."

En effet, la coke c’est de la merde et ça rend accroc, Page aurait mieux fait de relire ces quelques paroles avant d’aller s’en enfoncer des pelles dans les naseaux. Mais parler de manière aussi claire des dépendances, sans le glorifier aucunement, c’est un fait nouveau chez eux, comme un sursaut de conscience chez ces jeunes stars.

Tea for one aborde l’absence de l’autre, et Plant y est dramatique, aux bords des larmes, et fait sien ce conte au manque et à l’oubli. Une délivrance qui poignarde par ses trémolos dans sa voix.

Derrière les durs moments, il y a ceux qui font rire, résultats cocasses de cette vie dédiée à la cause. Comme sur Royal Orleans et les mésaventures de Jones avec un travelo qu’il croyait être une groupie à moustaches...

Il serait faux de considérer Presence comme le meilleur album de hard-rock de la part de Led Zeppelin (celui-là, ils l’ont déjà fait), il est par contre certainement leur meilleur album de blues. Un blues lourd et totalement noir, qui les voit de nouveau reprendre Blind Willie Nelson (Nobody’s fault but mine) ou remettre à l’honneur Elvis Presley (Candy store rock, bonne tentative rockabilly).

Presence qui singe par la maquette graphique de Storm Thorgerson le monolithe de 2001, L’Odyssée de l’espace (sorti en 1968) est donc un objet curieux, qui ne fascine non par sa qualité globale sinon par son ambiance dramatique, comme un crépuscule qui se coucherait trop tôt.

De cette ultime tranche de l’histoire de Led Zeppelin, Presence est la maturité, In through the out door la déchéance et Coda un petit bouquet fané sur la tombe du grand ballon (et encore...). Une puissante baudruche en pleine descente, qui ne remontera jamais plus aussi haut.

Led Zeppelin, In Throught The Out Door, 1979

2010-08-24T16:17:00.002+02:00

Deux années sans présentations publiques, et Led Zeppelin annonce enfin son grand retour sur scène. En 1979, c’est le festival de Knebworth, 300.000 tickets, une publicité dantesque pour deux concerts finalement calamiteux, la légende prend un sévère coup dans l’aile. Non content de se faire incendier par la presse, le groupe dévoile au mois d’août In through the out door, censé représenter un Led Zeppelin collant à son époque, une époque qui ne veut déjà plus d’eux.

Les divinités peuvent aussi mourir, et Led Zeppelin donnait de graves signes de faiblesses depuis 1975. Accident de voiture, alcoolisme, drogues, cordes vocales en bouillie, occultisme devant la cheminée, le folklore zeppelinien s’est transformé en tumeur maligne qui bouffe lentement toute l’énergie du groupe.

Mais l’aura du dirigeable demeure, le public leur voue la même ferveur, la presse les déteste, rien de bien nouveau dans leurs relations publiques. In through the out door n’a donc rien d’un album de reconquête, il en est même très loin. Reconquérir quoi d’ailleurs, les fans, les groupies, le folklore du rock qu’ils ont inventé jusque dans ses extrémités les plus douteuses, nos petits gars ont bien d’autres préoccupations que de soigner leur image.

Les conditions de la naissance, difficiles en vérité. Alors que Page est aux fraises et les narines dans la poudre, Plant tente de surmonter le décès de son gosse (son fils Karac décède en juillet 77 après avoir contracté un virus rare) et une évidente panne d’inspiration due à la déprime, Bonham toujours aussi accroc à l’alcool (si c’est possible...), seul John Paul Jones semble encore suffisamment sobre pour tenir son rang.

Le discret musicien peut ainsi à loisir se fournir en synthétiseurs, dernière innovation de la musique moderne et s’en ira remplir copieusement cet album, vu que personne n’est suffisamment vivant pour le lui interdire. Cette présence massive de ses joujous affadit grandement le son de Led Zeppelin, d’autant que l’enregistrement se déroule cette fois à Stockholm, dans des Polar Studios flambant neufs. Des studios qui accueilleront à la même époque la crème de la pop scandinave dont les fameux Abba. Confronter les déjà dinosaures du hard aux fringants rois de la pop nordique dans un même espace, ça sent le sapin.

Malgré l’état de décrépitude avancé du groupe, le talent demeure et rendons à Jimmy Page l’honneur d’introduire l’album. Il parvient à extraire un miracle de son archet avec In the evening, lancée sépulcrale et distorsion à foison. Inespéré au vu de la bien petite motivation des membres, et finalement titre mémorable. Jones y prend une grande place, plaçant déjà avec conviction des boucles au synthé s’imbriquant parfaitement dans la composition. Le rythme se veut entraînant, mais Plant y dévoile un caractère désabusé loin des fantasmes mythologiques et autres niaiseries passées :

“It’s simple, all the pain that you’ll go through

You can’t turn away from fortune, fortune, fortune ’Cause that’s all that’s left to you Hey, it’s lonely at the bottom, man, it’s dizzy at the top But when you’re standin’ in the middle Ain’t no way you gonna stop, oh, babe”

Restent les thunes, mais quant au reste... Bien évidemment l’argent afflue toujours, et nos jeunes millionaires ne savent plus quoi sniffer pour dépenser leurs montagnes de dollars. Sauf que ces enfants gâtés mûrissent et s’affrontent à des démons dont même leur manager, Peter Grant, ne peut les protéger. Inhabituel, Jimmy Page doit délaisser à plusieurs reprises sa participation pourtant systématique à la composition, trop occupé à se remplir les narines aux cotés du manager de leurs tournées, Richard Cole.

South bound Saurez (normalement “Suarez”, mais le graphiste commettra une erreur de frappe sur le tracklisting de la pochette...) est donc dénué de sa patte ce qui laisse encore à Jones de l’espace, toujours plus. Sans être totalement foiré, le ton est nettement moins dur que par le passé, presque pop et dans un certain sens, avant-gardiste (ça ne veut pas dire que c’est réussi non plus...).

Ce qui choque et choquera probablement encore pendant longtemps, c’est le son des synthétiseurs, sonnant effroyablement désuet. Lorsqu’ils se limitent à servir de mélodie de fond, le crime reste mineur, mais Jones se fait plaisir, encore et encore et tient ici son morceau, Carouselambra, folie synthétique dont on ne sait bien quoi en penser. Le chant de Plant est en retrait, et se déroule cette longue partition, glorieuse et kitsch, moderne en 1979, certainement... Ne jetons pas l’anathème immédiatement, car bien que l’instrument ait vieilli, le claviériste reste un virtuose et sa fougue est communicative. Proche dans l’esprit des expérimentations de Physical graffiti, on ne peut reprocher à Jones qu’une utilisation abusive de ses jouets tout neufs.

Robert Plant passa quelques années douloureuses, on le sait, mais All my love, à lire les paroles, se comprend bizarrement autant comme un hommage à son fils Karac qu’une belle ballade pour son bébé (Logan Romero) fraichement né en 1979... :

“The cup is raised, the toast is made yet again

One voice is clear above the din Proud aryan one word, my will to sustain For me, the cloth once more to spin”

Page ne participe pas non plus à la composition, (ça s’entend...) et avouera n’avoir jamais aimé ce morceau, trop éloigné du style du groupe. Un avis tranché sur l’album se révèle un doux rêve lorsque vous devez vous fader le nullisime - bien qu’entraînant mine de rien - Hot dog (un hommage au rockabilly texan d’une niaiserie abyssale qui sera pourtant joué à chaque concert entre 79 et 80) et le blues brûlant d’I’m gonna crawl où Robert Plant se fend d’une prestation vocale énorme.

In through the out door aurait pu n’être qu’une mauvaise passe si les circonstances et une surconsommation de vodka n’avaient précipité la chute définitive de Led Zeppelin un an plus tard. De par ses conditions d’enregistrement déplorables (quoique les sessions de Presence furent elles aussi assez dramatiques...) et le résultat plutôt... déroutant, il marque bel et bien la fin artistique du dirigeable. Les morceaux inédits qui seront proposés sur le fumeux Coda en 1982 auront beau jeu de montrer l’intérêt du groupe pour le punk rock (Walter’s walk, Wearing and tearing), Led Zeppelin ne pouvait se permettre de devenir suiveur après avoir été précurseur, il fallait donc mieux en terminer ici, finalement.

Isaac Hayes, Shaft, 1971

2010-08-24T16:09:00.013+02:00

"Moi, ce que je voulais, c’était jouer dans le film, pas en écrire la musique. Le réalisateur Melvin Van Peebles avait ouvert la voie à la blaxploitation, ce courant hollywoodien qui rompait avec une tradition où seuls les rôles de chauffeur, de bonne à tout faire, de gardien de nuit étaient dévolus aux Noirs. Le héros, le réalisateur, les personnages, le langage de Shaft sont noirs ; il fallait que la musique soit l’ oeuvre d’un compositeur noir. Alors, pourquoi pas Isaac Hayes ? Lorsque le producteur m a fait la proposition, la déception l’emporta. J’espérais un rôle. Mais vu l’effet bénéfique de ce disque sur ma carrière, il serait inconvenant de le renier aujourd’hui."

L’on peut comprendre la déception d’un Isaac Hayes avide de cinéma devant les choix des producteurs de Shaft. Imaginer un instant le sex-symbol au crâne lisse incarner le justicier des bas-fonds, voilà qui pouvait promettre un peu plus qu’une ligne supplémentaire sur sa fiche artistique. Mais il devra finalement se contenter d’une mise en sons de la vie trépidante du détective John Shaft en plein coeur de Harlem. Et quelle mise en sons...

Theme from Shaft, c’est un rythme qui s’imprime autant sur la funk que sur des avalanches de wah-wah dans tous les sens, une explosion de sensualité qui s’étire sur des minutes qui n’ont jamais semblé aussi courtes. Du groove, et du sexe, tant dans la musique que dans les textes, plus qu’explicites :

"Who’s the black private dick,

That’s a sex machine to all the chicks ? SHAFT ! Ya damn right !"

Le film de Gordon Parks se voulait une preuve de force et de fierté des Noirs américains, un slogan bardé de cuir et de flingues qui enfin leur donnait un autre horizon que celui imposé par les poncifs des Blancs. Hayes, qui est en pleine montée vers la gloire depuisHot buttered soul et qui fait paraitre cette même année son monument Black Moses, n’hésite pas à muscler ses compositions, collant au plus près aux atmosphères dépeintes par le film.

Si les thèmes sont suffisamment énormes pour se détacher sans risques de la pellicule, il est probable que les images auraient (un peu) perdus de leur impact sans leur accompagnement sonore.

Que ce soient dans les vocalises sexuelles de Hayes (à ce niveau de chaleur, on ne peut plus parle de sensualité) ou dans celles de ses choristes (Pat Lewis, Rose Williams, Telma Hopkins), il y a cette même attraction, ça fume dans les pattes d’eph’. La musique de Shaft est urbaine, humide sur le pavé, sentant le vieux gasoil et les bars louches, la drogue et le sang, sans compter toute sortes d’autres fluides que je n’irai pas détailler ici.

En cela, Isaac Hayes ne se limite pas à une bande-son, elle se veut un véritable récital/hommage à la Blaxploitation (on met en scène des héros noirs pour un public noir). Il n’est pas un révolutionnaire au sens propre du terme, il n’est qu’un musicien avec des idéaux, et des rêves. Richard Roundtree lui "vole" l’image du détective black aux gros flingues, Hayes lui renvoie l’environnement sonore dans lequel il vit, et l’alliage est aussi solide qu’efficace.

De la soul, du funk, du jazz, les influences sont multiples mais naissent du même terreau, battu et revu par un Isaac Hayes au sommet de son inspiration. L’exercice de la bande-son oblige forcément à quelques thèmes d’ambiances (Walk from Regio’s, ou No name bar), latents, qui demandent à imbriquer nouvellement sons et images. Lorsque le compositeur se doit d’offrir les mélodies idéales pour démontrer toute l’attraction sexuelle dont John Shaft est capable (un grand baiseur devant l’Eternel), il donne quelques langoureux moments tels que Early morning Sunday et A friend’s place qui n’appellent qu’à se jeter au lit dans la minute.

Shaft est vu comme cette sex-machine capable de sauver l’Humanité toute entière avec ses énormes attributs, un symbole parfait pour une communauté noire alors en mal de références politiques et artistiques. Si Wattsax n’est pas loin devant, les souvenirs de Malcolm X (assassiné en 1965) et de Martin Luther King (assassiné en 1968) restent douloureux et les droits civiques peinent à se maintenir comme le sujet essentiel dans les discussions.

On pourra toujours imaginer ce qu’aurait donné un Hayes dans la peau de Shaft, mais personne (pas même ce salaud de Richard Roundtree !) n’aurait pu mieux créer cette bande-son libertaire, ce manifeste tout en gros pétards, en groove et en coquineries sous la couette. Isaac Hayes ne devrait aucunement en avoir honte, bien au contraire.

Isaac Hayes, Black Moses, 1971

2010-08-18T15:02:00.031+02:00

"J’allais chez un styliste à Memphis spécialisé dans les vêtements en peau. Il vendait des chaînes en or. J’en achetais au kilo. Je les portais torse nu avec des collants noirs et des bottes en fourrure. Quand je montais sur scène, les femmes devenaient hystériques. Je n’ai jamais voulu être un sex-symbol, mais souvent, quand j’allais chez des femmes, je trouvais mon poster dans leurs toilettes. J’avais l’impression d’être assis sur leurs têtes. Sans m’en douter, j’avais entrepris une révolution symbolique. Avec moi, les chaînes ne représentaient plus l’esclavage de l’homme noir, mais devenaient un signe de pouvoir et de sexualité. Une affirmation de soi."

Isaac Hayes a fait du chemin depuis ses piges de pianiste chez Otis Redding, c’était en 1965. Six ans plus tard, il est en passe de devenir un symbole, culturel surtout, sexuel aussi. Black Moses lui fait office d’élégante carte de visite, un incontournable des belles années sous la protection du label Stax. Pourtant, il ne s’agit que d’un album de reprises. Seulement deux partitions originales, deux - longs - interludes (Ike’s rap et Good love) chargés d’apporter plus de cohésion au sein de l’album, le reste n’étant que fabuleuses réinterprétations.

Hayes se montre étonnamment sobre, loin de cette image de Fils divin qu’il arbore sur la pochette du vinyle. Il s’en tient à jouer de sa voix unique, sans faire de manières, sans roucoulements exagérés. Le contraste est d’autant plus fort lorsque l’on constate la richesse infinie des arrangements. Si ce ne sont en définitive que des revisites, Hayes transcende les partitions originales, leur donne une toute autre dimension, se les approprie totalement mais avec un respect évident. Il n’est pas rare que les titres dans sa version dépassent sans complexes les dix minutes, donnant à Black Moses des allures de fresque biblique.

La sobriété ne concerne donc pas la musique, proprement grandiose, Hayes use d’énormes orchestrations, de multiples choristes, les moyens alloués à ce pavé de soul sont impressionnants et bien peu peuvent se vanter d’avoir bénéficié de tels moyens à l’époque. Le "Moise noir" s’approprie les Jackson Five en guise de mise en bouche, donnant plus de langueur et de mystère au Never can say goodbye des frères Jackson, et le charme opère rapidement, de par cette voix caressante, de par la musique accrocheuse.

On ne reconnaît pas le Hayes volubile et canaille, il se dégage de son interprétation sur Black Moses une lassitude, une déprime latente assez inattendue. Serait-ce le travail imposant qui l’a usé, les sessions interminables, toujours est-il qu’il offre une vision plus pessimiste de titres originellement enjoués (ou nettement moins désabusés). Ce qu’il fait du (They long to be) Close to you de Burt Bacharach surprend de fait. Dix minutes d’un conte sans illusions aucunes, appuyées par des chœurs d’anges aux ailes noires. Une perle qui s’emmitoufle de gravité et d’absence de lendemains, troublant, mais superbe.

Black Moses n’est certes pas un album totalement perdu dans la dépression, et Isaac Hayes reprend de sa superbe charnelle sur Man’s temptation et sur le symphonique de luxe de Part-time love. Nouvellement, des partitions très longues, qui explosent de groove et de sensualité.

Going circles, cotonneux, mais appréciez surtout cette reprise de Never gonna give you up de Jerry Butler qui insuffle à l’originale cette diabolique recette de groove et de sentiments langoureux. Ces fameux interludes, notamment Ike’s rap 2 sont de petites bouffées de chaleur qui tardent à exploser, prolongeant l’amour jusque dans les profondeurs de la nuit. Hayes touche également avec talent à des dominantes plus rock, avec son Good love qui accélère gentiment le rythme pour ensuite nous faire replonger dans le plus honteux stupre (mais quel stupre, mes aïeux) avec ce pervers Your love is so doggone good. Hayes en termine par un bel hommage à Dionne Warwick, avec deux titres issus du répertoire de la chanteuse, For the good times et I’ll never fall in love again, jolis moments encore une fois, jolie conclusion.

Nul doute que Black Moses respecte son statut de monument encore aujourd’hui. Ses arrangements orchestraux, ses tintements de clochettes, ces chœurs de nymphes à la peau brune sont autant d’aspects en contradiction totale d’avec la médiocrité sexuelle et musicale contemporaine. Isaac Hayes fera grandement parler de lui cette année-là, de par sa bande originale de Shaft qui dévoile derrière le serial lover des prétentions sociales également importantes. Un homme de son époque, qui a grandement contribué à la construire, et à l’aimer.

Frank Zappa, Hot Rats, 1969

2010-08-17T00:01:00.000+02:00

Alors que l’année 1968 voyait un Frank Zappa en pleine ébullition créative, avec les parutions du fameux We’re only in it for the money et de sa tentative doo wop avec Cruising with ruben & the jets, il change - nouvellement - de cible avec Hot rats. Plutôt que de poursuivre dans cette veine potache (mais toujours de grande qualité mélodique) qui lui valut autant d’admirateurs que d’incompréhension, il s’intéresse cette fois plus exactement au jazz et nous offre la fusion du meilleur des deux mondes.

Hot rats est justement considéré comme l’idéale porte d’entrée à l’univers du sieur Zappa. Ce qui ne signifie pas que les recherches du personnage auraient été plus limitées et aboutiraient ici à une musique plus simpliste. Simplement qu’en délaissant l’environnement dingue des Mothers Of Invention, il préfèra s’appuyer pour un temps sur une luxueuse palette de musiciens pour œuvrer sur autre chose, encore une fois.

On considère aussi que cette plaque est un précurseur du jazz-rock, à l’instar de Nefertiti mais surtout de Bitches brew de Miles Davis. Je voudrais emmerder la plèbe, je dirais que oui et que non. Car Miles Davis s’en tenait encore à une base foncièrement maîtrisée par les cuivres, le guitariste John Mclaughlin ne se libérant que par instants précis, mais toujours sous le contrôle bienveillant du trompettiste.

Frank Zappa, lui, se met en avant, de par sa guitare qu’il n’a que rarement fait aussi bien entendre. Référez-vous au solo magistral de Willie the pimp, seule chanson de l’album pour vous en convaincre. Profitant de l’intervention au chant d’un proche ami du maître en la personne de Captain Beefheart, cette blueserie progressive laisse un champ de manœuvres prodigieux à Zappa, qui alimente le titre du violon de Sugar Cane Harris. Mais c’est bel et bien sa guitare qui domine, totalement déchaînée et fantasque. Presque neuf minutes d’un festival de funk, d’un rock métis et libéré. Il prouve ici que son talent de guitariste n’avait rien à envier au - surestimé - Jimi Hendrix.

Les sessions initiales de Hot rats ne devaient pas aboutir à ce travail instrumental, puis Zappa se rend compte de ce qu’il est en passe d’atteindre et Ian Underwood, transfuge des Mothers Of Invention et multi-instrumentiste de talent, finit par le rejoindre pour élaborer cet album novateur.

Revenons sur le terme de “jazz-rock”, je le conçois comme erroné, car le jazz n’est pas le fond de la musique ici. Zappa teinte au contraire son rock de jazz et non l’inverse, ce qui apparenterait plutôt ce travail à du “rock jazz” ou du “rock jazzy”. Je reconnais la tentative de couper les tifs en quatre, mais il me semble important de noter la nuance énorme entre les recherches de Zappa et celles de Davis.
Précurseur, il l’est évidemment, rapidement rejoints en ce sens par Soft Machine, Gong ou Henry Cow, dans des veines parallèles. En réalité l’aspect jazzy développé sur Hot rats tient en grande partie dans son usage des percussions qui déconstruisent les partitions pour les muer en titres presque progressifs et ambient. Le choix de plages instrumentales renforce encore cette promiscuité d’avec le jazz d’alors, mettant en avant la foultitude d’instruments et de musiciens, invités pour les besoins des sessions.

Six petits titres me direz-vous, voilà qui est bien maigre. Mais en six petits titres, Zappa refuse le déchet, et ne produit que des essentiels, tous distincts et à la fois membres d’un même univers.

Peaches en regalia dévoile sa luxuriance rythmique, ses cuivres, sa clarinette rieuse. L’atmosphère est enfantine, joyeuse. La richesse instrumentale fait totalement oublier l’absence d’un chanteur, qui aurait dénaturé cette précise petite mécanique.

Son of Mr. Green Genes est lui possesseur d’une naïve grandeur, emmenée par le saxophone de Ian Underwood qui se fend d’une prestation remarquable. Puis Zappa, encore lui, fait de nouveau entendre la six-cordes. Le but ne semble pas être cette décadence parfois idiote qu’il offrait avec les Mothers Of Invention. Tout ici n’est créé que dans le but d’offrir une musique nouvelle, mais surtout aboutie.

Chaque titre met en avant un instrument distinct, et Little umbrellas choisit l’orgue d’Underwood, également parfait durant tout la durée de l’album. D’exploits il en est question si l’on aborde The Gumbo variations. Dix-sept minutes d’une liberté totale, où ce diable d’Underwood arrache à son saxophone des sons hallucinés, où Sugar Cane Harris se déchaîne sur son violon, démonstration totale d’un band uniquement composé de pointures même si toujours sous la férule de Zappa, qui y va nouvellement de son intervention. Plus courte, mais d’une efficacité certaine.

It must be a camel est quant à lui le titre le plus jazz, voire free-jazz, avec sa batterie donnant le rythme de manière totalement dingue. Le saxophone est à l’honneur, Jean-Luc Ponty s’agite sur l’archet, un orgue apparaît, une orgie de notes s’échappant d’instruments superbement malmenés. Ainsi se conclut Hot rats avec ce morceau assez proche des sessions d’un Bitches brew, plus clairement improvisé que ce qui le précède, plus anarchique aussi.

Zappa poursuivra plus tard dans cette voie avec Waka/Jawaka et The grand Wazoo, qui iront un peu plus loin encore dans cette veine jazzy. Mais Hot rats a le privilège de sa carte de précurseur, la faisant accéder à cette caste de disques qui ont servis de référence à travers les décennies, et qui le sont toujours.

Deep Purple, Come Taste The Band, 1975

2010-08-13T00:01:00.000+02:00

On ne reprendra pas Blackmore à faire de mauvaises campagnes de recrutement. Se sentant poignardé dans le dos par la paire Hugues/Coverdale, qui amena le son de Deep Purple à évoluer dans une veine de plus en plus blues et funky, l’irascible bonhomme décide de s’en aller, laissant le groupe à ses lubies noires. Ritchie fonde rapidement Rainbow, formé des musiciens d’Elf et de son chanteur, un certain Ronnie James Dio. Et pendant ce temps-là, chez Deep Purple...

Chez Deep Purple, on cherche quoi foutre. Laissant Glenn Hugues à ses dépressions post-beuveries, David Coverdale s’appuie sur Jon Lord pour maintenir la barque à flots. Il se met en quête d’un nouveau guitariste et se décide pour un jeune américain de 24 ans, Tommy Bolin. Un mec aux antipodes d’un Blackmore dans son jeu, et qui convient de fait parfaitement à Coverdale, tout heureux de pouvoir jouer au recruteur.

Le départ de Blackmore incite peu à peu les autres membres à se serrer les coudes, et Martin Birch demande le soutien de Paice pour l’aider à la production, une tâche auparavant largement vampirisée par Blackmore.

En Juillet 1975, le groupe part pour le Musicland Studio de Munich et parvient en deux petits mois à accoucher d’un nouvel album, sorte d’appel teinté d’humour aux septiques et aux fans du combo,Come taste the band. Ceux qui connaissaient Burn et surtout Stormbringer n’ont pas dû être choqués outre mesure par cette approche encore plus funky, où la basse ronronne comme un gros matou, où les claviers dansent une gigue folle avec comme maître de cérémonie un petit gars défoncé et sa guitare.

Pourtant, Deep Purple ne rase pas totalement son passé ou du moins lui rend un clin d’œil avec Comin’ home, clairement hard-rock et bruyante. Coverdale chante à s’en extraire un poumon, le groupe achève les survivants juste derrière, on imagine un retour au hard alors qu’il n’en est rien, l’art purplelien du trompe-l’œil est toujours vivace.

Car ce qui suit est un festival tout sauf rockisant. Coverdale et Hugues se partagent plus ou moins équitablement le chant (Lady Luck pour David, Gettin tighter pour Glenn) se basant sur une rythmique plus groovy que jamais.

Deep Purple semble toujours avoir sonné ainsi, bien aidé par Bolin parfaitement à l’aise dans ce nouveau rôle. Bazardant ses soli avec une générosité contagieuse (celui de Gettin tighter est fabuleux), il porte plus qu’il n’accompagne le groupe.

Il est bien entendu que Coverdale ne peut s’empêcher de faire chauffer les culottes de ses dames lorsque l’occasion lui en est donnée. Il fait tout de même ici très fort avec son pornographique Love child, coverdalien jusque dans les gouttes de sueur sur les seins des jeunettes en backstage. Car on ne perd rien de cette sensualité énorme que Deep Purple a injecté dans ses œuvres depuis Burn. A chaque disque, cette chaleur ne les quitte plus, rendant nombre de plages intolérablement excitantes.

Coverdale et Hughes réussissent encore cet artifice de leurs deux voix conjuguées sur le monument You keep on moving, cinq minutes d’un bonheur intense, entre de lents préliminaires et l’effusion finale. Evidemment que le public de l’époque ne comprendra rien à cette chute funky alors qu’ils attendaient du Highway star et du Speed king.

Le groupe, monté de bric et de broc, finit par exploser. David Coverdale, lassé de jouer à qui a le plus gros timbre avec Hugues pense déjà à fonder Whitesnake, Lord et Paice commencent, eux aussi, à avoir des envies d’ailleurs.

Quant à Tommy Bolin...

Cocaïnomane excessif, le guitariste souffre durant la tournée qui suit la sortie du disque. Parfois incapable de bouger un bras tétanisé par des surdoses de drogues, Bolin ne pourra pas toujours nous faire profiter de ses improvisations entre blues et funk. Le reste du groupe, en meilleur état mais pas toujours forcément content d’être là, ne cherche plus qu’à sauver les meubles avant la fermeture officielle de la boutique. Ce sera chose faite en mars 1976, neuf mois avant le décès de Tommy Bolin à l’âge de 25 ans, d’une évidente overdose.

Deep Purple disparait alors, délaissé par des fondateurs qui ne se comprennent plus. Il faudra attendre une entente cordiale de ces parfaits étrangers pour ressentir nouvellement quelques frissons dans l’échine, ce sera en 1984, une éternité.

En attendant, Come taste the band a des arguments a faire valoir, car bien qu’il pique moins les papilles que ses prédécesseurs, il a pour lui une saveur plus douce en bouche, plus charnelle, qui séduit encore aujourd’hui.

Jacques Brel, L'Homme De La Mancha, 1968

2010-08-11T00:01:00.001+02:00

On dénigre à plaisir les percepteurs d’impôts. Il faut reconnaitre que c’est un métier bien ingrat. Sans tenter la défense de cette noble autorité et de l’usage ultérieur des fonds publiques récoltés, je note, comme ça, que l’auteur d’un des plus beaux hymnes à la puissance de l’imagination humaine était un percepteur d’impôts, et véreux de surcroît.

Car si Miguel de Cervantes perdit l’usage d’une main à la bataille de Lépante, il usa de la droite d’une habile manière, alignant aussi aisément les deniers dérobés que les lignes de poésie. Cette main baladeuse lui valut quelques désagréments, les Rois d’hier comme d’aujourd’hui n’apprécient pas les malandrins, surtout si l’on parle de fric voué aux royales débauches. Mais Cervantes usera à bon escient de ses périodes de mitard, développant progressivement une œuvre qu’il serait insultant de vous présenter mais que je vous couche tout de même sur le pixel par simple plaisir, El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha.

A l’instant se dessine cette silhouette squelettique sur un équidé tout aussi décharné, avec à ses cotés une masse ventripotente à ras du sol, la paire improbable qui jettera les bases de ces couples comiques car incompatibles.

Don Quichotte est un chevalier errant, personnifiant la déchéance de la chevalerie européenne et de ses codes (les aventures de Don Quichotte se déroulent à la fin du XVIème siècle). Les chevaliers, heaumes à aigrettes et bannière au vent ne sont plus à la page depuis le siècle dernier, en cause un problème d’évolution (un peu comme les dinosaures, grosses carapaces mais petit cerveau). L’extinction de la race débuta à Crécy et surtout Azincout (en 1415, quelle branlée...) avec la mort de centaines de nobles et autres beaux chevaliers françois, engoncés dans des armures épaisses et une arrogance pesante, le fleuron de la chevalerie d’alors disparaissait.

En quête de gloire personnelle avant de songer un instant à respecter des règles collectives, ces couillons gueulards chargent de front sur un terrain en pente (!) parce que les chevaliers ne savent faire que cela, s’embourbent au beau milieu dans la gadoue et se font massacrer par une infanterie anglaise d’une prodigieuse mobilité et déjà au fait des bases de la guerre moderne.

Le fier chevalier sur son destrier ne sait plus se faire respecter, et se fait décapsuler par un gueux, aujourd’hui soldat, demain de nouveau paysan. Il n’est plus question de castes et la conception de la société féodale en prend autant dans la vue que le chevalier dans sa gueule.

Don Quichotte n’est pas un chevalier, c’est un gentilhomme (nécessitant donc un adoubement pour devenir chevalier, selon les codes vieillots), qui rêve de gloire et d’actions d’éclat. Son compagnon Sancho Panza (“panse” en espagnol) est un inculte avide des richesses promises par son maitre, et qui se révèlera pourtant au cours de leurs aventures moins crétin qu’il n’en a l’air.

Quant à Dulcinéa, paysanne sur laquelle il jette son dévolu sans jamais lui avoir parlé, elle atteint également par l’imagination de son chevalier le statut de “dame”.

Cervantes démonte les barrières déjà branlantes entre les couches sociales. Si le geux n’atteint pas la richesse dans la réalité du système pyramidal, il peut l’atteindre par le songe, par l’esprit. Il ne démocratisait pas la connaissance comme le fera indirectement la paire Diderot et D’Alembert avec leur ambitieuse Encyclopédie, il démocratisait l’imaginaire et la fantaisie, ce qui est tout aussi fondamental.

L’œuvre littéraire ainsi présentée qui s’installe sur des planches, cela inquiète, concision forcée, lyrisme mal embouché, choix des interprètes, de quoi en faire un beau four. Mais le spectacle américain basé sur le livret de Dale Wasserman est étréné à Broadway en 1965, et le succès l’emporte.

Jacques Brel assiste à une représentation en 1967 et est émerveillé, terriblement tenté par une adaptation de son cru pour le public européen. Il emmène dans ses bagages la même Joan Diener (Dulcinéa) du casting américain, qui ne parle pas un mot de français et apprendra son texte sans rien y piger.

Dario Moreno obtient le rôle de Sancho Panza, qu’il ne tiendra malheureusement qu’aux présentations du spectacle à Bruxelles. Alors que la troupe est annoncée pour cinq mois à Paris, il meurt le 1er décembre 1968 d’une hémorragie cérébrale, et doit être remplacé par Robert Manuel.

Cette adaptation par Brel lui laisse un champ important (c’est lui qui l’a voulu, on ne lui en veut pas), et il doit travailler sa voix pour tenir le rythme face à des chanteurs plus techniques. Il se révèlera pourtant impressionnant, roulant ses “r” avec une emphase lyrique délicieuse et délivre une vision très humaine du personnage, très personnelle.

Brel incarne avec sa chair, s’épuise, s’évide de dix kilos, mais chaque soir revêt l’armure et le casque, et pourfend les moulins à vent. Joan Diener se tire elle aussi de l’exercice avec aisance et son accent gringo renforce le caractère ambigu de la dulcinée. Un choix de casting osé qui se justifie alors totalement.

Il serait bien injuste de ne pas citer le fidèle François Rauber, talentueux (et trop méconnu) arrangeur de Brel, qui participe grandement aux ambiances lyriques des partitions. Car il s’agit bien d’un opéra, avec ses lancinantes complaintes et ses instants nerveux, ses coups de théâtre et ses accents d’exagérations qui en donnent tout le sursaut dramatique.

Classique évident, superbe performance du grand bonhomme qui s’avère capable de mener une entreprise aussi conséquente, le succès est encore là et de Bruxelles à Paris, il est mérité. Mais il doit jeter l’armure à la 150ème représentation, harassé de fatigue, et le spectacle s’achève le 17 mai 1969. Si les adaptations suivront, difficile de leur donner le même crédit qu’à celle de Brel, qui impose sa présence et son texte, (“Cornichonnesque malandrin, donne-le moi !”) ce travail acharné derrière une apparente nonchalance. C’est aussi cela l’Homme de la Mancha, un “vulgaire” chanteur de variétés s’impose parmi les ténors, démontrant sa facilité d’adaptation et son goût pour l’ouverture. De quoi insuffler un peu d’air frais sur les vieux moulins de l’opéra classique...

Dennis Wilson, Pacific Ocean Blue, 1977

2010-08-07T00:01:00.040+02:00

Ils eurent beau jeu de s’appeler les Beach Boys, aucun de nos garcons n’était capable de manier correctement une planche de surf. De la fratrie Wilson, un seul pourra se prétendre réel fils de Poséidon et des rouleaux mousseux, et c’est ce beau gosse de Dennis. La carrure athlétique, le tempérament d’un baiseur frénétique, et des tendances à l’autodestruction qui contrainrent maman Wilson à le coller dans le groupe de ses frangins, histoire de contrôler son caractère, elle en avait de ces idées...

Leur père Murry, obsédé par tout ce qui compte des notes aura tôt fait de lobotomiser ses gosses à chaque déception que ses derniers lui procurent. Drame classique des géniteurs ratés faisant porter sur leurs pauvres enfants toute leur nullité. De papa Jackson à maman Jordy, le monde n’a cessé de tourner en ce sens.

Brian, Carl et Dennis ne le surent que trop bien.

Mais autant les deux premiers semblaient avoir des prédispositions pour pallier la crasse médiocrité de leur paternel, autant ce sacripant de Dennis semblait irrécupérable pour la cause familiale.

C’est donc maman qui impose le trublion dans le joujou de ses frangins, tâchant de lui trouver une place plus valorisante que celle de videur. On lui colle des baguettes dans les mains et une batterie devant la gueule, la position assise supposant la tranquillité, Keith Moon n’aurait pas désapprouvé cette lubie maternelle.

Loin d’être - de prime abord - partie intégrante d’un projet mené par ses frères, Brian en chef, Dennis s’avère peu à peu autant la source inspiratrice (la plage, le surf, les bagnoles) que l’attractif panneau publicitaire (le mec est beau et il se tape les groupies par packs de douze).

Il n’était en rien un grand batteur, juste bon, dirons-nous. Mais ce passage derrière les fûts lui permet de faire montre de ses capacités vocales, franchement plus convaincantes. Mieux encore, il s’avère un compositeur doué, utile qualité lorsque Brian, à bout de souffle et d’idée pète finalement un plomb d’après un ambitieux Smile (reporté pour 40 ans) et sa guerre créative d’avec les Beatles. Dennis, lui, est prêt à faire montre de son talent, même si différent de ses frères, même si symbolisant la souillure dans un trio aux apparences proprettes.

Sa participation se veut discrète puis se détachant de son encombrant tabouret offre peu à peu quelques perles mémorables. En 1970, il parvient à inclure son It’s about time sur l’indispensable Sunflower, et on lui reconnait enfin d’autres qualités que celles d’un étalon fornicateur.

Il s’essaie déjà aux lancées en solitaire, de par ce single Sound of free de 1969 qui n’en finit par de marquer son frangin Brian. Obsédé par le talent de Dennis, il s’approprie la face B de son single (Lady) et la remanie sous le nom de Fallin’ in love pour l’offrir à sa femme, alors au sein du groupe American Spring.

Serait-ce enfin la reconnaissance d’un génie à son doué petit frère, ou une appropriation indélicate de la part d’un fou, certainement un peu des deux...

Là où Brian voyait de la beauté dans les petites fleurs et le passage à l’âge adulte, Dennis y voyait la déchéance et des tombereaux de déchets. Le premier y perdit quelques neurones, le second y perdra la vie (en 1983). Sans ramener leurs personnages à ceux d’un grand naïf et d’un beau lucide, il y a une vraie muraille entre leurs conceptions de la vie, qui se ressentira grandement dans les compositions des Beach Boys.

En 1977, nous en sommes au punk, et Dennis fait publier Pacific ocean blue, loin de ses frères. Contre-pied encore une fois d’un surfeur qui va à l’encontre des vagues, abat le travail qui lui plait et rechigne à suivre quoi que ce soit.

Il a vécu, et son personnage de surfeur musculeux prompt à la saillie de groupies le quitte peu à peu. La barbe se fait fournie et peu soignée, les yeux perdus dans la prochaine biture, il perd de sa superbe arrogance, mais y gagne en fragilité.

Si le soleil et quelques grains de sable restent collés à ses tongs, on y perçoit d’autres éléments bien plus inquiétants. Le héros de ces dames un brin couillon fricotera avec la secte Manson en plus de ses excès d’alcool, de drogues et de femmes. Il ira jusqu’à partager quelques temps un appartement avec Charles Manson avant de le laisser stagner dans ses délires. Dennis aime prendre des risques et s’attirer les ennuis, adore se mettre en danger, tenter tout et n’importe quoi, c’est ce qui le fait survivre. Mais aucune de ses expériences ne le contente. Pire, elles l’enfoncent. Il use du studio comme d’une énorme terrain de jeu, délaissant le travail instrumental précis de ses frères pour plus d’aspérités. Le bleu de l’océan pacifique est aussi calme que tourmenté, les mouvements variant au gré de l’instant, de la Lune et de la créativité d’un Wilson toujours rebelle, et fragile finalement.

Dans son travail, on perçoit une volonté de bien faire et une grasse couche de sincérité. Il assume ce qu’il fait de sa vie, n’en doute pas un instant. Il conserve sa batterie comme un ornement, et met en avant le touché du piano, une profusion de notes qui ne s’accordent entre elles qu’avec douleur. Il s’amuse à remplir les pistes, les enjoliver encore et encore, perfectionnant, n’allant cependant que rarement jusqu’à l’overdose de détails. Le cocaïnomane reste aussi fin que sobre lorsqu’il s’agit de musique, respectable maîtrise de soi. Il y aurait un peu de cette crasse grunge avant l’heure dans ses complaintes, un peu de cette misère sentimentale que ne cherche même plus à illuminer le soleil.

On a tendance à croire à l’image un brin niaise de cette bande de neuneus en short avec décor de plage californienne. Mais si vous écoutez Pacific ocean blue, vous constatez que la plage chie plus de galet que de sable blanc, que le soleil se pare de quelques gras cumulonimbus en son fronton, que cette vieille rengaine de chaleur, de sexe innocent et de beach volley a vécu.

Lorsqu’il entonne River song, on se prend à voir en cet album un gentil machin rempli de beaux sentiments sur une serviette de plage. La profusion de chœurs aide à cette impression, le piano qui déjà se fait présent la confirme, et pourtant tout cela est faux. River song s’orne non pas de simples voix mais d’un gospel étrangement dérangeant, subtil. Le grain de sable dans la mélodie, qui s’en ira grossissant tout au long du disque.

A la chaleur étouffante des après-midis de glande, Dennis privilégie les crépuscules, n’hésitant pas à puiser son inspiration chez Pink Floyd comme sur la paire Moonshine / Friday night, où le travail instrumental ressemble beaucoup à ce que le Floyd proposait sur Wish you were here, sorti deux ans plus tôt. Dennis n’atteint certes pas la finesse sépulcrale d’un Shine on your crazy diamond, mais sa voix éraillée qui troue le vide d’air émeut, intrigue.

Plus troublant encore le fait de nous conter un vendredi soir avec bikers et punks en virée sous des traits si douloureux et sombres ("Oh oh it’s friday night, the white punks play tonight, shirts off you motorcycle rider, night hider, and people who pray"). Dennis ne voit plus l’aspect festif, et constate les fins de beuveries et la saleté sur les trottoirs, le joyeux drille a changé, beaucoup.

En alimentant son album de partitions funk (Dreamer), il impose sa vision multiple de la musique, son gout pour les métissages. Ces trompettes qui fusent sur un refrain sont vides de gloriole, préfèrent émettre des notes á peine justes et laissent à Dennis le soin d’agrémenter un morceau aux apparences enlevées d’une complainte presque funéraire. Les ballades provoquent un changement brutal, l’acceptation á contrecœur de cet âge adulte si navrant. Thoughts of you se teinte d’une ambiance si triste et lourde que les vagues elles-mêmes se teignent de gris, que le ciel meurt sous les nuages qui l’écrasent. Plus l’on s’enfonce dans les tourments du troisième Wilson, plus on comprend sa vision particulière de la vie et de la mort. Ce constat se fait plus amer encore lors d’un Time en forme d’aveu. Une vie de baiseur invétéré dont le beau gars n’en conserve aucune fierté, ni gloire :

"I’m the kind of guy,

Who loves to mess around, Know a lot of women, But they don’t fill my heart, With love completely free, Ooh, I love you, I really do."

La fin des temps, et la fin du show. La conclusion est un testament adressé à tous ceux qui l’ont supporté. On y verrait un ultime hommage avant la chute mais ce serait sans compter sur les soubresauts d’énergie du sieur. Il a beau jeu de chanter "Here we are, with our dreams in the sky, we all have our dreams, it’s wonderful to know we’re alive, at the end, it’s over" alors qu’il songe déjà à un album plus ambitieux encore. Les "Beach Brothers" finiront entre-temps par virer cet impertinent frangin, de plus en plus incontrôlable, désespérément indépendant.

Il entamera ses "Caribu sessions" qui devaient donner naissance à Bambu. Personne ne verra le résultat de ce travail, ni même Dennis qui finira par se perdre dans l’horizon un 28 décembre 1983. Les sessions seront réarrangées par Gregg Jakobson, complice éternel de Dennis et incluses dans la réédition de Pacific ocean blue sous le label Legacy.

Ce copieux disque, ramené à l’état de bonus de luxe, contient lui aussi ses perles, plus brutes, dépouillées du travail de l’orfèvre de studio. Ça et là surgissent ce qu’aurait pu être Bambu, plus pompeux dans ses arrangements, plus ambitieux encore. Mais le surfeur n’achèvera pas sa nouvelle oeuvre, et ne nous laissera échoué sur le sable qu’un prodigieux enfant, seule parcelle officielle des atermoiements privés de Dennis Wilson. Le troisième frère, certainement pas le moins doué.

AC/DC, Live, 1992

2010-08-01T00:01:00.000+02:00

Je voudrais parler de ce live comme de n’importe quelle parution CD, une de plus, des riffs par-ci, des coquilles par-là, et le chanteur il est bon, et ça c’est bien, et ça c’est nul, histoire de vous taper une chronique tarte sur un disque tarte. On irait remplir ce texte de poncifs, de facilités, d’arguments douteux pour attirer le chaland, quelques saillies à peine drôles pour remuer l’endormi du fond. Qu’il est facile de laisser l’automatisme prendre le pas sur une quelconque sensibilité…

Je pourrais en pondre un texte aussi easy-listening, d’un classicisme confondant mais irréprochable, calqué sur les avis de 200 testeurs indépendants qui jugeront que cette prose hâtivement vomie est raccord à un pourcentage acceptable à ce qui peut être lu sur des sites aussi variés, aussi respectables que Fnac.com et Amazon.
J’irais commencer par une phrase un peu bancale mais super sincère, du genre, AC/DC est le plus grand blablabla…
Je poursuivrais par quelque chose comme AC/DC vient de sortir une bombe live avec plein d’effets et que c’est chouette, et que Angus il est quand même fort dis donc. J’enquillerai par la démesure du show, par la prestation parfaite, par cet alignement trop cool de pleins de tubes que tout le monde connait. J’en finirai, les larmes aux yeux en disant que le groupe venait d’offrir son plus beau témoignage en live avec Brian Johnson en son sein, et que le monsieur ben il chante pas aussi bien que Bon Scott, mais bon ça passe.

Putain… Voila chiadée en quelques pathétiques lignes une chronique de ce live et bien qu’elle dise tout, elle ne dit rien. Cette chronique est la vue déformée d’un abruti incapable de sentir ce qu’est cet album, incapable d’exprimer en mots ce que ce coup de pied au cul vous remue les entrailles, vous fout à l’envers et vous laisse au bord de la piste d’Indianapolis avec les rugissements de moteurs autour, cette odeur de graisse et d’huile qui brûle, ces cris atroces qui vous donnent des vertiges.
Ce Live n’est pas qu’un live, c’est un lancement sur orbite dont on ne revient jamais. C’est un voyage en Enfer, le vrai, celui qui crame et qui vous laisse des traces de sang sur la chemise. Il y eut If you want Blood..., oui, et l'on peut préférer telle ou telle prestation. Mais en 1978, les kangourous n'étaient que des païens sales et dangereux. En 1992, après la résurrection du Razor's Edge, ce sont des Dieux.

AC/DC ici, c’est l’Olympe version destroy, c’est un Panthéon élevé à la gloire de la musique la plus basique et débile de l’univers. Tant de gigantisme, de décibels pour de simples riffs, avec bonus chant de canard et option tumeur de la gorge, mais ça les vaut.
Les vieux branchés d'Australie prouvaient que ouais, le hard Rock est une musique de cons, de beaufs, d’indigents et qu’ils en étaient fiers et qu’ils vous le mettaient bien profond.
Sans jamais varier de ligne, les boys ne faisaient pas que fêter le hard Rock, ils le magnifiaient dans ses plus grosses ficelles, dans ses plus gros trucs, AC/DC déballait toute sa marchandise et la plaquait sur la gueule du monde, sans compter.

J’en arrête la, et je n’ai toujours rien dit de cette doublette. A quoi bon se torturer l’esprit à propos de musique hard rock ? Il ne faudrait rien en dire finalement, il faudrait l’écouter.

Godsmack, The Oracle, 2010

2010-07-28T00:01:00.000+02:00

Ce sont des petits marrants chez Godsmack, de vrais déconneurs. Parce qu’un distrait aurait tôt fait de mal juger ce nouvel album si il se limitait à une écoute approfondie des deux premiers titres et s’évanouissait durant la suite. Au contraire, les néo-grungeux ont agencé The oracle de telle manière que les distraits soient directement mis au ban de la société et que seuls quelques finauds seront capables de voir venir cet ultime pain du bisou de Dieu. Comme quoi, ne vous fiez pas aux apparences et creusez les nuls, encore et toujours.

On avouera sans peine que Godsmack ne connait pas la médiocrité, quatre albums, quatre réussites et l’insolence du talent qui nous brûle les mirettes, y a des moments où faut s’incliner et pas chercher à comprendre, eux ils l’ont et d’autres non, la vie est injuste, je ne vois que ça. Pourtant, lorsque The oracle démarre avec deux titres "Plus godsmackiens, tu meurs", tu te dis que tiens, il y aurait matière à ronchonner. Non, pas gueuler, car c’est fort bon, succulent et gnagnagna, mais c’est pas bien nouveau.

On sait qu’ils en pondent à la pelleteuse des morceaux du calibre de Cryin’ like a bitch et Saint and sinners et que si c’est foncièrement pas mauvais, c’est pas ainsi qu’ils vont nous surprendre. Du gros gratteux, de la grosse voix que brrr, il doit être musclé et beau le chanteur, mais c’est que ça sentirait l’album facilement fait et facilement vendu, sans rien de sueur et quelques t-shirts écoulés à la sauvette.

Hop que je te sortirais une galette pas du tout aventureuse mais qui remplira avec aise un futur bestaufe, The oracle, la première mouche dans la bonne soupe, le choc.

Erreur les moules, Godsmack vous, nous a bien trompé, car en laissant d’entrée deux machins vaguements moyens dans nos oreilles, c’est surtout pour nous en mettre plein la gueule avec ce qui suit. Et là, bah, comme dit précédemment, tu t’inclines et tu la fermes, car putain qu’ils sont bons. Oubliez direct l’étiquette si douteuse de post-grunge, voilà un bail que Godsmack a quitté les grands boulevards de la catégorisation souffreteuse pour emprunter les chemins boueux, les miches dans le cuir d’un Hummer. On lorgne de plus en plus vers un gros heavy US, fait pour s’agiter et faire s’agiter.

D’ailleurs, si j’osais les comparaisons bien fumeuses que j’affectionne (ouais, j’ose), The oracle serait la rencontre fiévreuse d’entre Alice In Chains et “au hasard”, Metallica. Des grungys, Godsmack conserve l’ambiance de caveau et les moments bien glauques. Des thrasheux, il y aurait la voix d’Erna, parfois étrangement proche de celle d’Hetfield et puis ces riffs, mes gens, ces énormes poings de lutteur mexicain qui écrasent, qui broient avec élégance les glandeurs des places du fond.

Le groupe explore tant de nouvelles voies, se disperse mais toujours avec ce talent propre aux gens surs d’eux-mêmes et de leurs connaissances. Lorsque nos compères tentent un poil de néo (Love hate sex pain, mais très modérément je vous rassure), un brin de rap (Devil’s swing), ou s’éclatent littéralement sur un final instrumental multi-référencé (The oracle), on est depuis longtemps passé du stade de l’interrogation à celui de l’admiration jalouse. Jalousie car au fond, on doit avouer la mine basse qu’ils sont bien au-dessus de nous, pauvres sous-coprolithes que nous sommes. Cet album n’est pas bon pour l’auto-estime, il est même carrément à déconseiller. Et puis même en baissant de ton lors de la triplette Good day to die/Forever shamed/Shadow of a soul, tu es forcé de reconnaitre qu’ils sont les meilleurs sans rechigner.

A vous garder sous le coude mon morceau préféré de l’exacte dizaine que comporte la galette, je choisirai certainement What if ?.

Rien que pour Sully Erna qui rarement fut aussi chamanique et féroce dans son interprétation, notre membre de la WICCA (sorte de secte païenne autour de Mère Nature) sait exploser au moment opportun, appuyé par des rythmiques africaines qui renforcent la puissance mystique de la bête. Le genre de titres empoisonnés qui vous font terminer à poils sur la moquette, imparable.

Tout cela pour conclure qu’en 2010, il y a eu Godsmack, et puis les autres.

Sevendust, Cold Day Memory, 2010

2010-07-25T00:01:00.000+02:00

Le neo metal, ça fait rire les puristes du fond, et plus globalement les initiés métalliques petits et grands. Si vous voulez vous mettre au neo metal qui est de fait de moins en moins nouveau et de plus en plus pourri, vous n'aurez que l'embarras du choix, tant les groupes médiocres ainsi étiquetés ont grouillé ces dix dernières années. Beaucoup ont sombré dans l'alcoolisme et l'anonymat, fatigués de se recevoir des bouteilles et les injures de leurs grands frères. Sevendust est totalement inscrit dans ce genre et pourrait être restreint à la poubelle tant sa production passée est inconsistante. Pourtant, en écoutant Cold Day Memory, je me suis surpris à ne pas le haïr en bloc.

N'allez pas attendre que je m'agenouille devant Sevendust, faut pas rêver non plus. Le neo metal dont se revendiquent nos compères est probablement la pire publicité faite aux métalleux, obligés de composer avec des minets de 15 piges pensant que Limp Bizkit et autres merdes similaires étaient le summum de l'ultraviolence. Bon, ces petits naïfs n'ont jamais écouté Death Angel et à la limite on leur pardonne.
Sevendust avait au moins un détail qui les faisait sortir la tête des chiottes, leur chanteur. Lajon Witherspoon sauve à lui seul et régulièrement les compositions convenues de sa bande de rebelles.
Sur ce Cold Day Memory, on retrouve avec stupeur ces crincrins éculés qui ont tristement fait tout le succès du genre. Des refrains hurlés/chantés super méchants, des riffs hyper nouveaux et trop mortels, une power (!) ballade que putain c'est triste et tout et le chanteur il est beau sa mère.
Sur ces constatations mitigées, vous pourriez penser que le ouistiti va s'agacer et être mauvais avec ledit disque.

Beh, oui et non.

C'est certes bien bateau comme il faut et ces mecs semblent avoir quitté la planète Terre durant cinq ans pour chier les mêmes ritournelles vaguement violentes et leurs refrains pour maternelles.
C'est certes tellement pareil qu'avant que tu crois entendre un disque de 1999, époque bénie où tout ressemblait à tout et où choisir était de fait plus simple, il ne fallait rien écouter et pis c'est tout.
Mais en se forçant un peu, en faisant défiler les titres, il faut admettre pourtant que Sevendust a plus bossé qu'à l'accoutumée (pas comme Alpha en 2007 qui ne mérite que l'oubli...), prenant plus de temps sur les arrangements et variant sa néo-soupe.

C'est pas visible au premier jet, je vous promets encore moins que l'achat de cet album est le meilleur investissement de votre vie (je pourrais le dire, mais des gens pourraient le croire et ce serait mal), mais à décortiquer au scalpel cet énième album (ils évacuent un skeud tous les deux ans, ça commence a en faire...), il y a du pas mal, pas du génial, mais du pas mal franchement.
Un poil plus groovy que la moyenne de ses clones, un brin plus inspiré aussi cette fois-ci, Sevendust ne sauve pas les meubles mais fait un peu plus envie qu'avant.
Ca reste bien médiocre, mais à défaut de fermer enfin boutique (le rêve..), Cold day Memory est potable.

Ps : Bon, Nowhere, le huitième titre est vraiment pas mal du tout, et The End is coming aussi, voila c'est dit.

Aerosmith, Toys in the Attic, 1975

2010-07-22T00:01:00.000+02:00

C'est arrivé un samedi, au mois d'août. Ce jour-là (pas bien sur de l'heure, mais je vais chercher), j'ai entendu pour la première fois Toys in the Attic, justement sorti du grenier d'un quinqua dont la fille me plaisait bien mais sans plus (la forte poitrine et ses ravages sur l'inconscient adolescent toussa...). Je me suis soudain pris dans les dents deux vérités bibliques (ou coraniques, ou talmudiques, j'aime tous les recueils de blagues en général), d'une part la nana en question n'était pas plate que de l'encéphalogramme (Le wonderbra et ses ravages sur la réalité adolescente toussa...) et d'autre part, Aerosmith est un putain de groupe.

Certes, j'étais minot et pas bien conscient, bien con surtout, trop limité économiquement parlant pour aller voir de plus près l'œuvre pré-Nineties (et encore, et encore...) des Dupont Volants. En fait, je n'en connaissais presque rien d'Aerosmith, juste ces quelques pénibles ballades dont ils nous gavèrent après leur résurrection.

Mais que voulez-vous, le portefeuille réduit et la connexion internet de même empêche aux plus jeunes et moins travailleurs d'entre nous d'accéder au nirvana, il faut alors se limiter à la soupe en sachet, gratuite et libre d'accès offerte à la masse.

Toys in the Attic a donc bel et bien une valeur historique, l'historique de mes râteaux oui, mais surtout car il sort enfin le groupe américain de son statut de sous-Rolling Stones. Ne revenons pas sur la spécificité physique que partagent les deux frontmen et chanteurs, soit cette bouche plus faite pour siphonner des réservoirs que pratiquer le baise-main, suffit de mater quelques photos et vous capterez la relation.
Musicalement, Aerosmith marque enfin plus nettement ses références, mêlant ainsi du hard, du rock et du blues dans un creuset en or massif. De petit groupe travailleur mais pas plus doué que d'autres, Tyler & Co se voient propulsés au rang de superstars. La maison de disque sentant qu'enfin elle va récupérer son investissement balance dans la foulée de Toys in the Attic le single Dream on en 45 tours, et le tout cartonne méchamment.

Succès amplement mérité puisqu'en 9 titres, Aerosmith largue son CV en mettant en avant ce qu'ils savent faire de mieux, c'est-à-dire tout !
Du boogie rock (Adam's Apple), du speed rock (Toys in the Attic), du blues (Uncle Salty),du rap avant l'heure (Walk this way), du heavy metal (Round and Round), de la ballade symphonique (You see me crying), Toys in the Attic est bel et bien génial alors qu'il castagne dans tous les univers possibles, au point même d'en créer de nouveaux, d'innover.

Car là est la révélation (Alleluïaaaa !!), Aerosmith n'est pas une bande de suiveurs, ces mecs ont des idées, lumineuses et nouvelles. Le phrasé si particulier de Walk this way, les voix électroniques et ambient de Sweet Emotion, la présence d'un piano sur No more no more et carrément d'un orchestre pour You see me crying, il fallait y penser, ils l'ont fait. Pas encore trop shootés à la colle et à tout un tas de merdes (ce sera bien pire dans les années qui suivront), Toys in the Attic prouve que le travail en studio fut énorme, inhumain, des heures de méningite pour pondre autant de titres distincts, originaux et finalement aujourd'hui essentiels.

Encore plus fort, Aerosmith se permet de traiter de sujets casse-gueule. Prenez de fait Uncle Salty qui sous ses abords de gentil rock du bayou est en fait un manifeste contre l'abus sexuel sur mineur, hé oui, le tonton salé aimait fricoter avec la jeunesse...

Ce qui rend attachant cet album, plus encore que le monumental Rocks qui suivra, c'est un sentiment étrange de retomber en enfance. Cette fraicheur qui vous prend, cette joie évidente de jouer qui rend délicieuse l'écoute. Un réel bonheur, ces jouets dans le grenier que l'on ressort toujours avec la même nostalgie, le même plaisir.
Si adolescent je ne pus me frotter à cet album, le découvrir à l'âge adulte me fait régresser immédiatement, et rend la vie plus colorée. Pour un joujou qui approche les 35 ans, c'est un joli exploit que de conserver toute sa fantaisie.

Audioslave, Audioslave, 2002

2010-07-19T00:01:00.000+02:00

On l'aura bien fait chier le supergroupe, tout le long de leur (court) parcours. Taxé de mauvaise resucée de Rage Against The Machine et de Soundgarden, les membres d'Audioslave durent sempiternellement lutter entre leur passé glorieux et la bête envie de faire la musique qui leur plaisait, sans qu'on les gonfle toutes les cinq minutes pour qu'ils jouent Bullet in the head ou Spoonman. Alors que tous les gueux espéraient que l'addition donne un positif stratosphérique, ils n'ont obtenu qu'un excellent groupe de rock. Fallait pas espérer beaucoup plus et il est permis de s'en contenter sans pleurnicher.

Aux origines, il y eut Rage Against The Machine. Un trublion rasta et un gratteux bidouilleur justement appuyé par les excellents Commerford et Wilk ont réveillé dans l'âme de quelques millions de teenagers un semblant de révolte, écorchant la bonne conscience mondiale par des textes contestataires qui valaient au final grandement plus que le fond musical. Certes, l'on saura plus tard que seulement 50% du groupe (De La Rocha et Morello) croyaient vraiment en ces idées révolutionnaires mais qu'importe, le groupe a marqué nos rébellions adolescentes de durable manière ou tout du moins nos oreilles.
Pour sur que le premier album de R.A.T.M. est une tuerie sans nom et que Battle of Los Angeles contenait son lot de missiles. Dommage de fait d'oublier qu'il y eut entre les deux Evil Empire, injustement boudé par nombre de fans. Alors sans en faire un groupe ultime de la scène rock, il est difficile de leur nier une place à part dans nos petits coeurs endoloris. Le bonze, la vidéo devant la Bourse de New York, Bullet in the head, les pogos déjantés, soupir...

Aux origines, il y eut en second lieu Soundgarden. Et une sale injustice.
Car Soundgarden avait tout, vraiment tout pour être le fer de lance du mouvement "grunge" (dans une définition fort large, vu qu'on est bien plus proche du stoner, du hard rock, voire du funk que du grunge...), chanteur parfait, rythmique diabolique et guitares rageuses, disques énormes à la Badmotorfinger ou Superunknow, mais manque de bol, Chris Cornell ne s'est pas buté.
Il manquait du drame chez Soundgarden, Pearl Jam est né des cendres de Mother Love Bone et la mort de son chanteur Andrew Wood, Alice In Chains dut composer avec le dépressif Layne Stayley, quant à Nirvana, Kurt Cobain, bon vous connaissez l'histoire...
Mais Soundgarden, rien, pas de décès tragiques, de balles dans la tête, rien de rien, alors fatalement, les gens s'en branlent. De quoi se rappelle-ton aujourd'hui ? D'une ballade certes belle mais Black Hole Sun n'est certainement pas le meilleur morceau qu'ils aient jamais inventé, loin de là...
D'ailleurs, un pote m'a récemment dit que Black Hole Sun était le meilleur morceau qu'ait jamais fait Staind, avouez que ça fait mal.

Alors réunissez un excellent chanteur adorateur des musiques noires et du hard 70's et un groupe de fusion sans chef qui a lui aussi puisé ses racines dans le rock estampillé Led Zeppelin et vous obtenez un bête groupe de hard rock de ces belles années 2000, avec toute la nostalgie qui lui sied, et rien de plus.
Mais rien de moins non plus, et lorsque votre primate put (sans réel intérêt de prime abord) s'envoyer le premier opus d'Audioslave, subtitulé premier supergroupe du troisième millénaire, c'est moins par la musique que par le pendant visuel de la jaquette qu'il fit un bond.

Allez, jeunes gens, ce paysage lunaire, l'être humain personnifié en un seul gugusse paumé dans un coin et une symbolique du monolithe ici grimé en flamme de la statue de la liberté, ça ne ferait pas penser à une certaine agence de graphisme pionnière dans le design de pochettes de rock psyché ?
Beh oui, l'auteur de ce visuel n'est rien de moins que le grand Storm Thorgerson, fondateur de l'agence Hypnogsis aux prémices des années 70, les responsables des visuels de Pink Floyd mais aussi de quelques pochettes de Led Zeppelin, Black Sabbath voire plus tard (au crédit unique de Storm) de Muse ou de The Mars Volta.
Cela peut paraitre anecdotique (ça l'est certainement), mais pour un ouistiti, le visuel est un élément encore fondamental dans l'appréciation d'un disque. J'ai donc tendance à baver plus que de coutume lorsqu'un maitre tel que Storm s'empare d'une musique pour en livrer son interprétation, sons et images se mêlent, s'assemblent et l'un sans l'autre perdent en force.

Que voit-on ? Une flamme. Le feu tout de cuivre vêtu qui jamais ne perd en intensité, mais aussi froid comme le métal dont il est fait.
Ce monolithe de feu et de métal surgit d'un paysage rocailleux, désert ou presque.
Storm place souvent un être vivant, rarement plus, écrasé par le paysage et par un élément dominant (ici la flamme), l'humain est planté là et mire son reflet dans le cuivre de la flamme.
Le gus perdu dans le désert, c'est nous, désormais orphelins de deux groupes qui nous firent transpirer et qui désormais se reposent.
Cette flamme qui éternellement vacille, figée, c'est Audioslave, groupe hybride et ultime phare dans un monde aride en quête d'un nouveau (souffle) son.
Audioslave, ou l'esclave du son... La surestime portée au groupe vient aussi de sa propre suffisance. Nous promettre de devenir de véritables zombies fanatiques à l'écoute de la moindre note du Allstarband, c'est prétentieux au possible et il faut assurer ensuite ces indices grandiloquents.

Lorsque débute Cochise, on se dit qu'effectivement, on va adorer pour l'éternité cette formation. Cette introduction tout en crescendo où l'on reconnait les trouvailles de Morello et la puissante rythmique de R.A.T.M. donne des frissons, et lorsque Cornell, plus hargneux que jamais y va de sa grosse voix, on aime, pas moyen de faire autrement.
Et puis lancer un album par un hommage à la résistance de Cochise, chef Apache qui lutta en pleine Guerre de Sécession contre les injustices des répartitions de territoires est un signal plutôt rassurant.
Bien qu'Audioslave ne soit pas aussi véhément que le fut R.A.T.M., on n'oublie pas de parfois pointer quelques sales souvenirs et d'appuyer où ça fait mal.
Le lien entre la lutte sans espoir d'un Cochise et l'arrivée du supergroupe sur la scène musicale est même assez drôlement amenée dans le texte.

"Well I'm not a martyr
I'm not a prophet
and I won't preach to you
but here's a caution
you better understand
that I won't hold your hand
but if it helps you mend
then I won't stop it "

Pas martyr, pas prophète, parlons-nous bien de Cochise ou d'Audioslave, Cornell conjugue sujet historique et considérations plus métaphoriques sur cette entrée en scène nouvelle de "vieilles" stars, le tout teinté d'une saine et vivifiante rage.
Car rageur, Audioslave l'est. Même si les fans de la fusion des métaux sentent rapidement que ce nouveau groupe a surtout conservé ses racines rock et que De La Rocha est bien loin du terrain. Diluées aussi les références révolutionnaires et les diatribes dans ta gueule de profiteur du système, Cornell est plus porté sur l'introspection et Morello sans son compère s'en tient à des messages (un peu, beaucoup) plus consensuels. Toute nouvelle relation demande des compromis, Morello en est conscient.

Tom laisse parler sa guitare, et ne laisse que rarement un titre sans un petit doigté sur les cordes surprenant, morellien si je puis dire.
Les riffs de Cochise, Show me how to live, Gasoline ou de Set It Off ont tous un petit quelque chose que fait que c'est pas pareil que le reste de la production musicale. Si muselé politiquement, Morello est déchainé musicalement, parsemant ce disque de ses idées si personnelles.

Le psychédélisme qui s'insère dans les soli insensés de la franchement plate Shadow of the sun sont aussi un élément nouveau que propose Audioslave, lorgnant certes dans le bon vieux hard, le funk mais allant parfois plus loin dans le grenier, y puisant des ressources dans des mondes parallèles que ne renierait pas Zappa ou Grateful Dead, la puissance en plus bien entendu.
Hypnotize est de la même trempe, portant en son patronyme toute la complexité sonore dont est capable la bande, en portant une étrange rytmique funk/psyché derrière les vocaux toujours parfaits de Cornell. Une curiosité déroutante mais finalement géniale.
Curieux aussi que le groupe s'essaie tant à des touches pop et à des ballades, dont la fameuse Like a stone qui a carrément un panneau "tube de l'année" plantée dans la gueule. On ne peut en dire autant d'I'm the Highway, plus classique et un Getaway Car sans intérêt majeur.
Cinq ballades, un beau "syndrome Scorpions" pour nos rockeux-grungys, mais il suffit d'écouter The last remaining light qui clôture ce long (14 titres, 4 de trop) album pour ne pas trop rechigner finalement. Merci à Chris Cornell pour y apporter la nécessaire sensibilité de par ses amygdales.

Non, Audioslave ne proposait pas ici l'album ultime que l'on attendait, juste un excellent disque de hard rock moderne, avec défauts (longueur, ballades moyennes) et qualités (musiciens au top, chanteur exceptionnel, titres tubesques et production monstrueuse).
La suite nous prouvera que le supergroupe n'a d'intérêt que de se construire son propre chemin, en tentant de conjuguer les humeurs complexes de stars mais aussi de sensibilités diverses.
Un petit parcours pour de grands groupes qui tentaient ici une nouvelle aventure, sous les yeux de fans inconsolables et revanchards. Dommage pour eux, car Audioslave nous avait offert là un très bon album, rien de plus, rien de moins.

Ozzy Osbourne, Scream, 2010

2010-07-16T00:01:00.000+02:00

Cher Ozzy,
Je reconnais que je me fous souvent de ta gueule, mais t'aides pas non plus beaucoup à ce qu'on te file le Nobel. Car faire défiler ta famille de perdus face caméra, fallait être soit très cynique soit très à l'ouest, je soupçonnerais un subtil agrégat de ces deux critères dans ta caboche.
Mais au fond, j'ai pas trop suivi tes exploits à la téloche, m'intéresse pas, ni tes clébards et encore moins tes discours baveux.
Je préfère nettement lorsque tu touches à la musique.

Mais je dois avouer que dernièrement, c'était pas terrible ce que tu faisais, bah attends, Ozzmosis, tes covers et ton cul sur MTV, bof quoi.
Et puis Black Rain c'était pas mal niveau textes, je dis pas, mais la zizique mon Ozzy, ça puait le best of de Black Label Society par tous les trous, il crâche toujours autant Zakk Wylde ?
Ca sentait la fin quoi... Non, tu vas pas crever hein, fais pas comme Dio putain, pas encore.
Repose ta colombe, je parle juste de fin artistique... Bon garde la colombe alors. Je pensais en rester là avec toi, un petit disque pour finir et tu repars dans ta villa chasser les mouches avec ton fusil, pas glop mais tant pis.

Mais Cher Ozzy, la surprise n'en fut que plus grande lorsque je pus écouter ton dernier né, le bien-nommé Scream. Et je te le confirme, c'est plus vendeur que "Soul Sucka".
Tu as fait le ménage et pour le coup, je remercie ta femme d'avoir parfois de bonnes idées, parce qu'envoyer paître Zakk Wylde (il squattait depuis 1988 faut dire) et le remplacer par le petit Grec qui monte en la personne de Gus G. vous avez fait fort.
A peine 30 ans et des projets plein le classeur le Gus, rien que Firewind franchement vaut le détour, mais tu connais, inutile d'en ajouter.
Comment avez-vous eu une aussi bonne idée ? Je regrette par contre que vous ayez aussi dégagé Mike Bordin. Sharon serait encore active, ça pouvait s'expliquer par un premier jour de règles douloureuses et l'état d'agacement qui s'ensuit, mais c'est plus trop le cas je crois...
Vu le niveau de son successeur, le regret s'évanouit bien vite. Tommy Clufetos qu'il s'appelle hein ? Un bon petit CV également et une belle prestation de fait.

Tu vois que je tourne un peu autour du pot, ma foi, pas tous les jours que l'on écrit à une célébrité, j'ai peur de dire trop de conneries, trop de machins culculs, et exprimer toute ma reconnaissance sans verser dans une fan attitude que je critique d'habitude.
Que l'on peut être minable parfois devant plus grand que soit.

Car oui, mon Ozzy, je suis perdu et fasciné par ce nouvel album. Dans Let it Die, tu résumes tout ce que l'on pense de toi mais tu t'en fous, tu es ce que tu es et tu nous emmerdes, et je crois bien que l'on aime être malmené par ta voix certes trafiquée au bulldozer mais si délicieusement particulière.
Ce premier titre passe en heavy rotation dans ma platine, j'adore. Gus G., tu lui laisses beaucoup de place pour s'exprimer, signe d'une grande confiance en son talent, je ne vais pas te contredire, le bonhomme est doué, magistral, et fait sonner ton bébé drôlement bien.

C'est moins industriel non ? On dirait que Kevin Churko et toi ont decidé de revenir à un son plus heavy, quelque chose de plus rond dans l'approche qui me rappelle furieusement No More Tears.
D'ailleurs, c'est la même perception que pour ton joujou de 1991. Aux premières écoutes, je me disais ouais sans plus et puis en se prenant tout ça en intraveineuse, je prends conscience du miracle que sont tes disques.
Exemple, Let me Hear your Scream, je le trouvais médiocre au début, je le reconnais désormais comme fort bon, tu séduis rarement du premier coup faut dire.
Soul Sucka est moins digérable, lente et un poil trop chargée en instrumentations diverses. Je vais pas chipoter plus avant, j'aime pas. Mais ne te fâche pas, parce qu'ensuite, tu te surpasses carrément.

Parce que Life don't Wait, mais comment as-tu encore pu sortir une ballade aussi bonne, tout est beau là-dessus, touchant, la basse de Nicholson, et ce solo de guitare..., le rajeunissement des cadres est un bienfait pour la société.

Diggin' me down et son intro acoustique, surprenante mise en bouche, mais quelle classe, quelle élégance dans le jeu de Gus G.

Et la furie qui suit, écrasante de puissance, je veux les pilules qui font atteindre les cimes d'autant de bonnes choses. Puis ce riff monstrueux et toi mon Ozzy qui y va, emporté, sur de toi, fou de ton dernier salut aux fidèles dans une diatribe contre Jésus et ses potes des plus sulfureuses, fais gaffe que Sharon ne lise pas le livret, pas convaincu qu'elle apprécie tout.
Les quelques touches de clavier au final, le tempo qui ralentit et ta voix qui prends aux tripes, tu es décidément quelque chose d'unique.

Ici, j'en viens à moi-même déballer mes organes, car Crucify est mon petit protégé perso. L'ouverture entre mélancolie et obscurité est magnifique, les changements de tempo sont maîtrisés à la perfection, le refrain me file des frissons dans la ligne droite qui va du cou au cul, putain mais que j'aime ce disque.
Juste après, je trouve Fearless un peu trop brutale du coup, bien que bonne, je n'ai pas encore franchement accroché, mais je reconnais que tu donnes tout ce que tu peux là-dessus et tes collègues s'éclatent, belle équipe au demeurant.

En fait, j'aime mieux lorsque tu baisses le rythme, comme sur Time, franchement pop au démarrage si ce n'était la batterie de Clufetos. Tu te prends encore pour John Lennon et ça marche mieux qu'il y a quelques années.
Je te rappelle que l'usage de lunettes ne change rien aux capacités vocales, si Sharon te dit le contraire, dis-lui que c'est une fucking quelque chose, elle comprendra.
Tu me donnes envie de chialer parfois, mais aussi de me remuer méchamment, I want it more comme tu dis.
Les riffs solides, le refrain plus gentillet, je dis pas que c'est mon favori, mais c'est tout du moins surprenant venant de chez toi. Encore le contrecoup du rafraîchissement récent je suppose.
Puis Latimer's Mercy qui précède une courte et mignonne balladounette d'une minute...
Hormis le thème abordé, celui de l'euthanasie par l'exemple d'un Canadien (Latimer donc) qui "tua" (libéra ?) sa fille de ses souffrances atroces, la musique reste à l'image de ton album, carrée, difficilement critiquable tant dans le fond que dans la forme.

Tu m'as surpris mon Ozzy, mais vraiment, à tel point que je dus réécouter maintes fois certains titres pour être sur de ne pas m'être trompé avec un autre skeud.
Car voilà, t'as 62 ans et de la poussière dans les narines. Créateur avec quelques autres d'un mouvement musical, provoqué des myriades de sous-genres, des émules, des fans t'ont poursuivi jusque dans ta limousine, tu t'es fait jerter. Tu as bouffé des colombes, viré dingue, taré, psychopathe, fais des real-tv de merde qui t'ont rapporté la honte et plein de thunes, mais tu as aussi sorti quelques albums, des bons, des géniaux, des médiocres, tu as vécu quoi. Tu as manipulé quelques glands et fait rêver beaucoup d'autres, tu es un con, mais un con génial, un autiste merveilleux entouré d'une famille dont personne ne voudrait.
T'as 60 ans, un peu plus, et tu parviens malgré tout à émettre un cri, parmi les plus retentissants de ta carrière de crapaud, alors merci, tout simplement.

Ton dévoué Ouistiti.

Arctic Monkeys, Humbug, 2009

2010-07-13T00:01:00.001+02:00

Regardez-vous encore MTV ? Moi non. J'ai complètement abandonné cette chaine aux nobles origines par dégoût profond. Enfoncé dans un matraquage de clips nuls pour public nul, fourvoyé dans des reals-TV parmi les plus nazes que même Endemol n'aurait jamais osé pondre faute de clients assez tordus, j'y ai perdu le peu d'intérêt des débuts, abruti par autant de vide.
Je préfère nettement VH1 ou Much, (un peu) moins portés au sensationnalisme et se concentrant (encore) sur des vues musicales éclectiques, des reviews passionnantes sur les années hip-hop ou déballage de classiques de la pop eighties, sans compter les inespérées petites émissions consacrées au metal (That Metal Show, court, formaté mais parfois intéressant).

Mais j'ai la sale manie de zapper, ce qui provoque des crises d'épilepsie à ma femme et des nausées horribles au chien. Bien qu'appréciant les déhanchements de Shakira jouant à la gitane de luxe, voir chaque jour le même clip finit par ennuyer le plus excitable des hommes.
Alors en passant sans complexes d'History Channel à Discovery Kids et les exploits en carton de Mister Maker, en ratant la fin de Dr House pour supporter nouvellement le 23ème passage de Cars sur Disney Channel (on a des enfants à la maison), mon doigt a bêtement glissé et j'ai atterri sur MTV.

Je voulais pas, j'avais même tenté de supprimer la chaine mais mes connaissances en déminage de bombe n'atteignent pas celles de Jack Bauer. Alors j'ai laissé la puante dans mon horizon cathodique en promettant de ne pas y revenir.
Mais ce jour-là, le doigt qui glisse, donc.

J'aurais du me tirer mais je suis resté, à peine gêné de mater telle saloperie avec femmes et enfants ronflant à mes cotés.

Ils y passaient des clips, chose que je croyais impossible dans le MTV du troisième millénaire, mais sur le coup, c'était pas mal et je tombais sur une sélection classique avec notamment le Sweet Child o' Mine des Guns N' Roses.
La vague de publicité miteuse me réveilla du rêve et j'allais relancer l'attaque à coups de télécommande lorsque pris du classique endormissement télévisuel, je restais affalé comme un gland sur le sofa, sans espoit de plus de motivation de mon doigt-gâchette.
Et bien m'en pris, car un nouveau clip vint sceller le vomi publicitaire. Je ne connaissais pas à vrai dire, bien que ça me fasse penser tant au niveau musical que visuel aux White Stripes ou aux Last Shadow Puppets.
Il s'en dégagait cette ambiance de western et d'effluves de psychotropes, une rythmique lente ou la basse maitrise l'espace sans renier une quelconque force. Quelques choeurs dans le décor, et toujours ce rythme si prenant, la vache je kiffais sévère moi.

A tel point que les images me firent oublier de reluquer de qui il était question, peu me chahutait le patronyme du combo lorsque la batterie se mit à s'énerver durablement et envoyer le morceau dans le même état de transe que ma petite personne.
Je ne vis que dans les dernières secondes de quoi il s'agissait, MTV me disait, Arctic Monkeys, My Propeller, Humbug.

La référence avec Last Shadow Puppets n'était donc pas qu'une référence puisque les deux formations partagent le même gourou en la personne du jeune et génial Alex Turner.
Mais de là à rapprocher cette perle psyché d'avec le Arctic Monkeys commun, il fallait effectuer une sacrée gymnastique mentale.
Perturbé, je me revoyais avec les pochettes des deux premiers efforts des singes polaires et hormis les visuels, la musique ne m'imprégnait pas grand-chose.

Dans les groupes glorifiés par le NME puis par le reste de la presse, il y eut toujours ceux pour lesquels je marchais immédiatement et les oubliais au second ou troisième disque (Franz Ferdinand, Kaiser Chiefs, Yeah Yeah Yeahs,...) et ceux que je n'appréciais qu'après de gros efforts (Kasabian, Black Rebel Motorcycle Club, et donc Arctic Monkeys).
Il y aurait bien une catégorie annexe qui dirait "groupe-que-j'aime-au-point-de-tout-leur-pardonner", et j'y mettrais dans ce cas The Music, mais on y reviendra un autre jour.

Arctic Monkeys a donc changé, et gravement qui plus est. Jusqu'ici sympathique groupe de jeunes mecs doués, auteurs d'un bon premier album clope au bec (que j'ai moyennement aimé pour ma part) et d'un second cauchemar qui me fit un peu plus d'effet avec des titres bien balancés tels que Brainstorm ou Balaclava, il restait que je ne ressentais rien de particulier pour eux.
Mais ce passage sur M'as-Tu-Vu du clip de My Propeller provoqua enfin une réaction de mon inconsciente indifférence.

Le lendemain, Humbug ("escroquerie" ou l'art savant des bons titres d'albums) était l'hote de la platine et je reprenais la pose cette fois débarrassé de femmes et enfants jetés à la rue avec interdiction de passer la porte avant une petite heure.

My Propeller, avec images ou non, je lui voue encore aujourd'hui une saine adoration, bluffé que ces petits gaillards puissent composer un tel morceau, baigné de tant de détails, peaufiné à m'botter les miches.

La suite bénéficie moins de cet engouement immédiat mais l'ombre énorme de Josh Homme qui produit ce disque imprègne tout et cela aide le passage de la grosse pilule. Plus noir, plus lent, plus théatral, les Arctic Monkeys passent à autre chose, et c'est finalement moins anecdotique.
L'urgence fait place à la subtilité, et si le terme "chiant" est tentant à coller à cette nouvelle orientation, j'ai du mal à l'inclure dans ma propre définition.
Si Humbug diffère totalement d'avant, il en conserve heureusement ce savoir-faire insolent au niveau des compositions.
Dangerous Animals et son solo de guitare funéraire, le nerveux Potion Approaching, le faussement gentil Fire and the Thud qui se meut en folie électrique dans ses derniers instants, la beauté vénéneuse de The Jeweler's Hand ou le carrément surprenant Dance Little Liar et son ambiance qui rappelera à certains les Queens Of The Stone Age de Make It Wit Chu sont autant de réussites de la part de nos jeunôts.

Les orgues macabres qui introduisent la punk Pretty Visitors sont là pour sceller la transition entre les "vieux" Arctic Monkeys et les nouveaux. On y retrouverait même des influences sabbathiennes, c'est dire le changement de vitesse opéré par nos singes. Je passerai sous silence les moins folichonnes Cornerstone ou Secret Door, car fondamentalement, c'est pas si mauvais non plus.
Différente mais si semblable, la bande de Turner opère un virage sec qui personnellement me convaint enfin. En osant pêter leur image de petits rockeurs couillons et géniaux, ils offrent autre chose aux auditeurs déjà blasés par les prochaines cent découvertes du NME.

Comme on dit par chez moi, ça valait la peine d'attendre.

Iron Maiden, Virtual XI, 1998

2010-07-10T00:01:00.000+02:00

Il y a toujours (souvent) un personnage dans votre proche entourage qui tient à vous initier à ses lubies musicales, parfois c'est bénéfique, parfois non...
Il y en eut un pour moi, un drôle de zig qui de bières en bières, de disques en disques devint un compagnon d'infortune durant les sales années Lycée/bac (se prononce "beuark"). Nos débats enflammés nous amenaient, c'est heureux, rarement à nous foutre sur la gueule, je dirai jamais. Mais concernant Virtual XI, ce fut limite.

Le personnage en question se revendiquait homosexuel, nazi et métalleux, dans cet ordre précis.
Vu que physiquement, je préférais sa soeur, que ses penchants anti-juifs se bornaient au patronyme (Cohen...) du prof de maths qu'on détestait tous (sauf moi qui, grand seigneur, fit toujours la distinction entre l'homme et son horrible fonction, bien sur...), restait sa dernière distinction lui permettant d'alimenter en disques mon faible ordinateur et je lui devais entre autres une large part de la discographie d'Iron Maiden, je lui devais donc en gros mon initiation au heavy metal.
A l'époque, en 1998 quoi, le haut débit était encore inaccessible et les clés USB ressemblaient beaucoup à des CDs, ça ralentissait grandement la récupération d'une discographie, aussi réduite soit-elle.

Un jour, Xav... Pardon, je vais le nommer "Bonobo" par pure discrétion, Bonobo dis-je me fila un nouveau disque en me faisant une gueule de démineur devant la bombe.

(Note : Avant d'en venir à mes souvenirs brumeux et adolescents, je tiens à vous avertir que le langage utilisé à l'époque diffère quelque peu de la langue française communément pratiquée de nos jours, mais cette archive n'en aura que plus de force avec les tics et usages de cette période.)

Bonobo : "Putain, j'ai acheté le dernier skeud d'Iron Maiden, bonjour la merde, tiens je te le file si tu veux."

Ouistiti : Trop que je veux, il est pas bon celui-la ?

B. : Pire que tout, c'est de la daube, Blaze Bayley de mon cul ! Harris a rien chié là-dessus, trop déçu putain !

O. : Sérieux ?

B. : Ouais, j'ai halluciné, tu vois genre les chansons longues bien pourries, y'en a une, The Angel and the Gambler de mon derche qui suinte trop quoi, la merde quoi, avec des claviers trop nazes.

O. : Dégouté mec, tu m'avais filé quoi la dernière fois déjà, No Prayer for the Dying non ?

B. : Ouais, pas terrible non plus, mais y avait Bruce, pas l'autre couille de Blaze, ça sauvait le truc tu vois, là putain c'est mort. Ils sont morts !

O. : J'avais pas mal aimé The X Factor pourtant, Sign of the Cross, ça déchirait après c'était long c'est clair.

B. : Ouais, c'était limite sauf le chant, mais je peux pas l'encadrer l'autre bite, et il massacre tous les classiques en concert il parait, jamais entendu (sic...) mais parait que c'est bien affreux comme il faut. Faut qu'il se tire ce mec putain !

O. : J'sais pas, bon passe-le moi ton truc, je vais me l'écouter, je te dirai.

B. : Ok man, on se voit demain, hé ya quoi à faire en physique, j'ai rien capté."

Et j'écoutais donc Virtual XI ce soir là, le derche sur le bouquin de physique, (qui me tenait chaud, phénomène... physique inexpliquable).
Sur le coup, je me suis dis que Bonobo avait raison, c'est vraiment de la merde, c'est même au-delà de ça, c'est pas Iron Maiden, ces riffs tout moches, cette batterie molle, et Blaze qui me semble chanter encore moins bien que sur The X Factor.
Le plus sidérant fut The Angel and the Gambler, HONTE ULTIME (notez que je l'écris en lettres capitales), interminable, avec ces claviers d'une kistcherie inouie.
Je me le suis farci plusieurs fois, éludant ce qui me semblait le plus insupportable (Futureal, The Angel and the Gambler), m'endormant carrément avec le casque sur les oreilles.

le lendemain, on s'attendait devant la porte du bahut, sous l'oeil du grand con qui nous servait de pion, un fan de trompette qui nous faisait supporter ses gammes lors des absences de profs, "la misère sa mère" comme on disait de notre temps.

B. : "Alors, t'as écouté, merdique nan ?

O. (Et là j'ai eu comme un déclic, et j'ai osé dire...) : ...Ben j'sais pas.

B. : Comment tu sais pas ? Attends mais t'as pas écouté, c'est pas possible.

O. : Si, si... j'ai écouté et c'est pas si mal, j'veux dire, ya des trucs bien en fait.

B. : Qu... Quoi mais t'as fumé, et leur trip sur le foot et tout, mais mec, c'est la pire daube qu'ils aient jamais pondu, tu sniffes ou quoi ? Sérieux, mais tu te fous de ma gueule en vrai ?

O. : Je sais, c'est mauvais, carrément... Mais finalement j'accroche pas mal à certains trucs, genre Lightning Strikes twice, Afraid to shoot Strangers, ya quelque chose de bon là-dedans.

B. : 'Tain, le seul truc sauvable, c'est The Clansman, mec, le reste c'est pas possible, j'te jure.

O. : Bah en fait, je la trouve trop conne The Clansman, c'est épique et tout, mais ya eu mieux pour tripper, et puis le chant...

B. : Clair sur le chant, mais c'est un bon morceau, je te dis que Bruce, il pourrait le gérer grave, d'ailleurs il est fait pour lui ce morceau...

O. : Ouais, peut-être, faut voir (et de fait allez voir sur le Rock In Rio, The Clansman tue... mais avec Dickinson et 150 000 Brésiliens, sinon ça le fait pas), mais là, c'est pas top franchement.
Bon, sur Futureal et Angel and the Gambler, t'avais raison, c'est tellement mauvais que ça passe pas, ça pue grave.

B. : Et presque 10 minutes de cette merde, le trip hyper pourri !

O. : Mais vraiment sans déconner, j'accroche vraiment je crois, c'est coincé du cul entre des trucs un peu mélo qui sont pas mals et des conneries dans le genre du début, mais sérieux, écoute bien The Educated Fool avec l'intro spéciale genre "on tente du sympho mais on a des couilles", j'sais pas moi ça me touche...

B. : Moi ça me touche que tu vires tarlouze et que tu vas te faire culbuter par les crabes (?), ce disque est une merde, point barre.

O. : Mmmh...

B. : Carrément pas, mec, et Blaze... C'est trop mou, 'tain !

O. : Non, Blaze chante pas toujours top, pas mieux qu'avant, mais bon le gars est pas aidé par des compos aussi pourraves...
Tu vois, When two World Collides, c'est pas trop nul en fait, j'aime bien ces démarrages très sombres, acoustiques, avec Blaze qui montre un peu d'émotion, il a quelque chose ce gars...

B. : Ouais, je dis pas, mais bordel, t'as vu la longueur des morceaux, genre ils font un album avec 8 morceaux comme avant quoi, mais c'est tous du genre six minutes, trop long quoi, surtout vu comment ça craint...

O. : En fait, c'est carrément long et ça nuance pas beaucoup, mais en même temps tu les retiens, les compos sont un peu pauvres mais pas si à chier.
Don't Look to the eyes of a stranger aussi a une très belle partie à la gratte, tu jertes les deux morceaux au début qui ressemblent à rien, la suite est pas si mal.

B. : J'sais pas, moi je peux pas blairer Como estais de mes couilles, c'est pas du Maiden.

O. : Moi j'adore, c'est bien triste aussi mais ça touche je trouve, et Blaze joue bien au dépressif là-dessus ! Mais t'as raison, c'est pas du Maiden, c'est tout sauf du Maiden en fait."

On n'aura jamais été d'accord sur Virtual XI, je l'ai réécouté souvent, en occultant les deux titres qui décidément ne passeront jamais soit les deux premiers, et toujours en me voyant très partagé.
Franchement pas un bon album, certes, plombé par deux vraies merdes (je ne reviens pas sur lesquelles...), mais j'en garde un bout de positif pour Blaze Bayley qui se démerde avec ce qu'il peut, pour une ambiance particulière dégagée par la majorité des titres, un coté aigre-doux qui intrigue.
Et puis surtout pour ce Como estais Amigos en toute fin, espèce de chanson pour kleenex pas maidenienne pour un sou et justement si incongrue qu'elle en sort grandie en comparaison au reste.

Ce disque démontre simplement à quel point les figures de proue du Heavy Metal et du rock ont souffert dans cette décennie 90, dominée par d'autres plus en phase avec l'époque.
De fait, il y eut dans ce créneau temporel bien pire qu'Iron Maiden et son four estampillé 11, au bout du compte plus touchant que navrant...

Scorpions, Unbreakable, 2004

2010-07-07T00:01:00.001+02:00

Il fut un temps où j'achetais encore des revues consacrées au rock et dérivés, et parmi celles-ci, Rock Hard. En ce mois de juin 2004, le numéro proposait un CD avec quelques nouveautés hard rock dont pas mal de trucs franchement miteux. M'en rappelle d'ailleurs plus vu que le Cd est passé sous la voiture peu de temps après. Mais cet accident tragique me laissa au moins le temps d'accrocher à un titre provenant du dernier album de Scorpions. Blood too hot était l'extrait et grande fut ma surprise. Cela faisait bien longtemps que je n'avais pas dodeliné de la caboche à l'écoute d'un morceau des Allemands.

Fatalement, l'obtention de l'album fut rapide et me valut un retard au taf, mais qu'importe. Revenons quelque peu au contexte de l'époque, Scorpions venait de pondre Pure Instinct et Eye II Eye, soit deux formidables daubes qui avaient enfoncé le groupe dans un statut de bouseux pour des siècles et des siècles. Fallait plus écouter Scorpions, c'était caca, tabou, sale.

Jusqu'au jour où... Blood too hot me fit retomber dans la coke et dans la scorpionite, ce morceau de hard brutal et un Meine toujours charismatique, ça fumait de partout, cognait sans pitié sans jamais oublier qu'on parle de Scorpions et que niveau mélodique ça atteint souvent les couches ultimes de l'atmosphère. Lors du refrain hurlé par une paire de Teutons couillus, je finissais d'exploser les lattes du lit, balançant des cris inhumains en tentant de suivre les soli de feu de Matthias Jabs. De la folie, du panache, diantre que Scorpions avait habilement retourné sa veste en cuir.

La production est dantesque et New Generation, mid-tempo qui ouvre le bal file des frissons dans l'échine. Pas original pour un sou (à part les choeurs d'enfants quoique pas nouveau non plus...), c'est bêtement écrasant et accrocheur, Meine confirme que sa voix devrait être gardée dans un coffre-fort de Zurich tant elle est inestimable et le tout sonne, miracle, moderne.

Le reste ne déçoit pas, et si l'on sent quelques facilités aux entournures (Love 'Em or Leave 'Em, bonne sans épater plus que cela), la machine privilégie l'efficacité au point de parfois conserver cet aspect pop metal (Borderline) qu'ils ont contribué à façonner. Très visible sur Deep and Dark qui profite de refrains faciles à retenir sans renier ses origines cloutées. Les puristes du hard n'aimeront pas, mais les autres avoueront que c'est quand même très entrainant.

La suite, beh c'est du Scorpions des années 80, soit bien rock, bien bandant, bien fait en somme. Je me garde au chaud les hymniques Blood too Hot, Can you feel it, et This Time qui font partie de ce que Scorpions a sorti de meilleur depuis longtemps. Le reste des titres catégorisés durs étant plus anecdotique.

Vous avez forcément votre paire de ballades, bandes de pucelles, ne vous effrayez pas. Mais curieusement, elles sont (presque) bonnes. La petite beauté qu'est Maybe I Maybe You (pompé sur la paire I'm leaving you/Coming Home mais soit...), qui donne envie de chialer tant le chant de Meine y est pénétrant compense aisément la limite nulle She Said qui n'a de mérite que d'être la seconde et ultime ballade de l'album, ce qui en soi est un miracle.

Pas à considérer comme supérieur à ses glorieux ancêtres, Unbreakable fut encensé parfois jusqu'au ridicule à sa sortie. Compréhensible au vu de l'abysse créé d'avec, au hasard, Eye II Eye, cet engouement se doit d'être un peu modéré, car cet album comporte aussi pas mal de titres moyens sans plus.
N'empêche qu'il signait enfin le retour de Scorpions à un niveau qu'on ne les voyait plus atteindre et rien que ça, ça se respecte.

Fu Manchu, In Search Of.., 1996

2010-07-04T00:01:00.000+02:00

Pas bien sympa de ma part de causer de Fu Manchu en passant par son plus mineur rejeton. In Search Of... est un album fort nul et qui bien que comportant quelques gras riffs dont le groupe a le secret, n'en est pas moins très tarte. Toujours sur la route, nos immortels du stoner qui recyclent la guitare pesante et leur lourdeur poisseuse depuis plus de 20 ans maintenant n'ont pas vraiment à s'enorgueillir de cet album qui de fait porte bien son nom, et ses trois petits points...

Parce qu'après un très encourageant Daredevil, Fu Manchu est déjà au bord de l'implosion, les divers membres sentant des envies d'ailleurs. Mark Abshire puis la paire Eddie Glass/Ruben Romano se tirent et montent à eux trois le projet Nebula. Mais avant la disparition de 75% du groupe originel, Fu Manchu a le temps de pondre un autre disque... Qui s'avère être une redite épaisse et molle.
Des plans de guitare ultra pompés, des morceaux qui s'enterrent avant même d'entamer le décollage, c'est fou à quel point des musiciens ont l'air de parfois se faire chier en studio.

C'est tout le curieux du genre que d'offrir des morceaux d'une lenteur effarante tout en donnant une sensation de puissance incalculable. Car le stoner implique un rythme lent, c'est entendu, mais ne renie aucunement une énergie que Fu Manchu n'ira pas cacher dans les années qui suivirent... et qui précédèrent.
Point d'énergie ici, ou alors on la cherche encore, référez-vous au pataud Missing Link pour le constater. Ça ronfle beaucoup, et ça oublie de mettre le réveil, bâillements qui frappent à la porte, et les oreilles saturées de coton.

Quand même bien aidé par le "Dieu Pétard" Brant Bjork à ses débuts (il produira leur premier Lp No One Rides for Free en 1994 suite à son départ de Kyuss), il est clair que Fu Manchu ne cherche jamais à révolutionner quoi que ce soit, alors on joue deux tons en dessous comme Tony Iommi parce que tout le monde le fait et on se rapproche le moins possible d'une quelconque notion de rapidité. Sur ces points, In search of... remplit son contrat.

Là où clairement ce disque fut bâclé et donc jouit aujourd'hui du peu de considération qu'il mérite, c'est au niveau des compositions, binaires et plates comme des limandes, et du manque de gnaque du groupe, les cerveaux étaient partis à la pèche, et le reste a mis le mode auto.
Brad Davis tente bien de rendre cohérent les quelques fulgurances qui lui viennent mais lorsque le reste de la bande glande sur les hamacs, pas évident de faire rêver le teenager.
Depuis, Fu Manchu a su remettre à niveau son stoner un poil basique mais efficace, et In Search Of... restera un creux artistique comme il y en a parfois dans une carrière. Bjork sauvera encore ce qui peut l'être en intégrant pleinement le poste de batteur pour l'album suivant et tiendra les baguettes durant pas loin de cinq ans.
Avec de nouveaux bretteurs pas manchots, Fu Manchu reprendra quelques couleurs sous le soleil californien, jusqu'à aujourd'hui.

On m'enlèvera par contre pas de l'idée que, globalement, ça vaut pas Kyuss...

Ps : Après l'album de The Company Band, c'est la seconde fois en quelques semaines que je minaude sur un disque où officie Brad Davis, le Ouistiti tient à préciser qu'il n'a rien contre lui ni contre sa famille. Merci.

The Music, The Music, 2002

2010-07-01T00:01:00.001+02:00

De la tripotée de groupes en "The" que les médias angliches et leurs toutous d’ailleurs nous mirent sous le nez, fort peu ont vraiment duré sur ma platine. Après quelques émois bien naturels, le temps a fait son œuvre puis a fini par envoyer tout ce beau monde chez Gibert. Tous sauf un, dont chaque disque est sagement acheté, rangé, et souvent sorti du plastique. A chaque passage, à chaque écoute, les mêmes tressaillements dans les guibolles, les mêmes fourmis qui piquent la nuque. L’unique "The", je vous le dis, c’est The Music.

“The Music”... Quelle plus grande tentative markéteuse que d’affubler d’un tel nom un nouveau groupe de blancs-becs. Détection rapide de relents d’arnaque, de la nouvelle et fugace étoile téléguidée, du logique rejet au bout de douze mois, la farce ne prendra pas, ne nous prendra pas.

Il est vrai que nous, consommateurs culturels, avons parfois la main leste dans le portefeuille, que quelques simples notes matraquées à l’envi nous font dégainer les biftons sans plus de réflexion. Il est vrai qu’on se fait finalement souvent baiser, difficile de passer outre ces énormes panneaux pétant de lumière et de flash, qui attirent, ne serait-ce qu’une seconde la rétine, l’oreille.

En 2002, je me suis pris ces panneaux, comme tout le monde, et j’en ai avalé des trucs pourraves, beaucoup. Lorsque de nouveau lobotomisé, je mis dans mon cabas le premier album de The Music, avec ses stickers promo du NME et des Inrocks’, je me sentais baisé, et heureux de me sentir baisé.

Lorsque j’arrachais le plastique aussi brutalement qu’une abstinence de trois mois vous ferait dénuder une morue, j’étais encore en pleine montée hormonale, avec une insatiable soif de jouissance, une rage de choper la moindre once de plaisir, où qu’elle se trouve, même dans cette nouvelle galette pupute.

Puis la raclure douteuse se fout effectivement à poil, là devant vous, par un The dance qui passe bien au-delà de vos doutes et des regrets économiques, et bien qu’elle ne laisse échapper de ses dehors vulgaires qu’un orteil, vous le notez fin, avec l’ongle délicatement peint. Pas un poil de trop, un mouvement qui vous entraine, un son chaud qui foisonne et fait danser, et ses quelques gouttes de plaisir qui pointent sous le chapiteau.

L’effeuillage se poursuit et la température de la pièce se fait insupportable, vous prenez la longue route jusque vers ses hanches (Take the long road and walk it) et vous marchez à fond. Pas de résistance possible face à cet amas sublime de chair et de sueur, les mouvements de son bassin qui manoeuvrent les votres, ses cris rageurs qui font se décoller toutes vos inhibitions.

Nous sommes humains avant tout, et apprécions à sa juste valeur les charmes de cette nymphe qui se montrant nue dévoile toute sa superbe jeunesse, cette arrogance naive qui excite les aigris consommateurs. De Human, voici notre tension qui baisse, baignée dans les ondes de son élégance. Puis l’étreinte se fait soudainement plus dure, fi de mots, la vérité nous oblige à concéder que cette donzelle nous domine totalement. Le refrain de The truth is no words est un addictif dangereux sous ses atours de funk et de chaleur, l’amour devient un acte nouvellement bourré de sauvagerie et de surprises. Il n’y a plus rien de conscience dans les gesticulations de votre corps sur cette musique, plus rien que cette perte de controle avouée sous les variations dance de Float, toujours au son des battements énormes d’un palpitant semblant démoli par quatre paires de baguettes à la fois.

Vous finissez par éteindre la lumière (Turn out the light) comme l’on éteindrait peureusement un feu, de peur qu’il ne vous consume en son entier avant le grand final.

Sauf que The people...
Le voilà, le tube de stupre qui vous avait fait vous rapprocher de la demoiselle, le voilà ce petit truc racoleur et sexuel qui est le coupable de votre rencontre du jour. Mais il provoque la même excitation, la même perte de raison qu’au premier regard, il n’a de cesse de jouer du clin d’oeil et d’un rythme monstrueusement bandant, vous vous jetez dessus et vous suppliez que ça ne s’arrête jamais.

Si vous comptiez élaborer d’autres positions, Gateway vous en empêchera. Vous étiez en sueur sur le parquet, à manipuler l’air avec vos bras, vous poursuivrez l’effort, encore et toujours, et allez vriller sous la maitrise de son doigté avec Disco, sa technique de la tueuse à facettes qui vous plie en quatre et vous fait agiter les muscles dans des débattements inquiétants. Vous arrivez haut, très haut, Too high, et vous vous échappez de la piste dans un mouvement brusque, les joues creuses et les muqueuses sèches. The Music venait de vous réinventer le rock, dans tout ce qu’il a de plus efficace et dévastateur, dans toute la fureur de sa jeunesse. Le meilleur coup de 2002, sans efforts.

Waltari, Below Zero, 2009

2010-06-23T00:01:00.000+02:00

Il y en a peu de ces groupes ayant atteint une telle perfection dans leur art que chaque prise de risque se meut automatiquement en réussite. Jamais le renouvellement ne devient casse-gueule, jamais l'énième break ne vire au massacre. Ils parviennent sans peine aucune à brasser les genres, les influences, à en extraire une opinion propre qui fait mouche à chaque fois et fait prosterner le fan de base qui se dit que wha putain, ils sont forts dis donc.
Waltari, c'est un peu ça, c'est un de ces aliens en perpétuelle (r)évolution autour du grand vide d'idées.
Et fatalement, chaque parution est attendue par votre poilu comme une bénédiction divine.

20 ans que Waltari fait son boulot dans son coin, manipulant tant l'electro, le metal, la pop, le funk, que le death, le thrash, etc.. Un éclectisme assommant, parfois trop foutoir pour tout piger, mais certainement rafraîchissant après quelques bourrinades heavy sans saveur. Waltari et son compositeur/chanteur Hattaka est maitre dans l'assemblage de ces éléments dissonnants avec le talent d'un orfèvre, une précision maniaque, un talent fou en somme.
Car vous n'aurez pas tous les jours des albums de metal qui filent une telle pêche et offrent une telle palette d'idées en dix titres. Une foire réjouissante, une démonstration d'ouverture comme peu de gros nazes à la touffe savent en faire.

Finlandais, déjantés, vieux bretteurs en quête de l'ultime recette du disque pas pareil que les autres, Waltari a tout du digne successeur d'un Faith No More, on y décèle cette même attraction pour les mélanges explosifs, les mariages douteux et finalement réussis.

Après tant de louanges, je devrais donc me prendre un panard terrible à l'écoute de Below Zero. Et c'est le cas, je m'éclate, toujours aussi épaté par ces passages du coq métallique à l'âne électronique, sans peiner, sans forcer, Waltari t'emballe l'affaire avec un poil de rap et un bon refrain pop rock qui t'enfume la cavité et tu aimes Below Zero, et t'as raison parce que c'est sacrément bon.

Il faudrait être mort pour ne pas se débloquer la mâchoire lors du refrain d'I Hear Voices, et ce In The Cradle (découvert sur la compil' de 2008 en tant qu'inédit), riffs accrocheurs avec clavier morbide en fond très FNM, c'est à acheter à la douzaine ce genre de petites gâteries.
Rien dans ce Below Zero n'est mauvais, mais vraiment rien. En fait, il est garanti zéro défaut (quoi, mais quoi hein ?), parfait boulot d'un groupe parfait, qui sait désormais mêler les bonnes quantités d'ingrédients pour faire plaisir à ses quelques adeptes.

je m'écoute en boucle cet album depuis son achat (dur à trouver mais ça vaut le temps et l'argent nécessaires...) et je le conçois comme un des tous meilleurs de la bande.
Bien que ce soit le premier disque où je ne suis pas aussi surpris, aussi peu dérouté, Waltari suit si aisément ses très bonnes recettes et balance sa purée avec un tel professionnalisme qu'on ne peut rien redire. Impossible.
En oubliant ses dérives trop pop, en perfectionnant tout ou presque, les finnois viennent de me donner une nouvelle raison de vivre (Non mais je suis excité c'est tout...).
Et puis oser appeler un disque "Below Zero" ne devait que venir de cerveaux confiants en leur boulot, parce qu'il y avait vraiment matière à rigoler si le disque avait été pourri.
Pas que confiants les mecs, ils peuvent aussi en être fiers de leur galette, un bon gros rayon de soleil qui vous rendra heureux jusqu'en 2012, voire au-delà !

Ihsahn, After, 2010

2010-06-21T00:01:00.006+02:00

Les voies solitaires d’Ihsahn ne m’avaient jusqu’ici pas attirées. Non par manque d’intérêt, simplement par manque de temps, de curiosité. Emperor était loin dans mes souvenirs, Ihsahn également. Des relents de notes, quelques impressions confuses devant un groupe que j'ai oublié sans le vouloir, laissant d'autres tenter leur chance dans le mange-disque, la roue tourne... Mais la venue d'un nouvel effort solo du maitre était l'occasion d'en revenir au passé et au présent d'Ihsahn, et il eut fallut lire moult merveilles sur After pour que je me décide à sauter la marche.

Emperor est mort, tué par son créateur en 2001, tué par Ihsahn. La volonté d'ouverture, de toucher d'autres personnes, d'autres milieux. La tentation compréhensible de ne pas se limiter aux carcans parfois restreints du black, aussi symphonique soit-il. On a vite fait de tourner en rond dans certains secteurs d'activité.
Et Ihsahn n'est pas homme à limiter ses vues à quelques heures d'enregistrement avec l'orchestre philarmonique de Prague. Il en faut plus au Norvégien pour assouvir ses vues progressives sur son art.
En se donnant cette allure de novateur, le monsieur s'est peint sur mesure une légende de son vivant, alors que le commun du genre est plutôt de construire sa célébrité en se butant le plus salement possible et en se faisant bouffer le cerveau par ses anciens comparses. Sans oublier de faire des photos, pour le coté people et dégueulis.

La fin d'Emperor coincida avec la fin de mon intérêt pour le groupe, juste une affaire de dates, rien de personnel. Et c’est seulement cette année qu'avec surprise je redécouvre le personnage. Surprise, et délectation…
Je ne sais donc que peu de choses de son œuvre antérieure, ses deux autres éléments du tryptique parus depuis 2006, et ai donc abordé After avec l’oreille du non-initié, le type un peu perdu dans un espace qu’il ne reconnait plus.
L’austérité graphique met mal à l’aise, retarderait même une première écoute. Il faut passer outre cette sensation de dépouillement caverneux, ce manque d’attraction, je n’ai pas envie d’une musique qui semble visuellement aussi négative, pas le moment, pas aisé à enfiler entre un vieil Aerosmith et Waltari. Mes références se limitant à la gloire d’Emperor, je décèle cependant quelques éléments qui ravivent les souvenirs, le chant évidemment, qui bien que plus nuancé reste si singulier dans le monde du black metal.

Les sons qu’Ihsahn crée autour de lui ne me sont pas étrangers non plus, mais ils semblent plus amples que par le passé, moins monolithiques, plus nuancés et mystérieux. La pauvreté visuelle n’est qu’un leurre, car musicalement, After est d’une richesse confondante.
Si Ihsahn maitrise tout, il laisse basse, batterie et saxophone (de l'excellent Jorgen Munkeby) à d’autres qui s'immiscent dans son monde et en prolongent la découverte.
C'est donc bien une fusion black/prog, où la mélancolie, la noirceur se mêlent à une complexité qui (heureusement) rarement accapare les tympans.

Ihsahn voulait tout oser, voulait définitivement faire plier la moindre barrière entre ses idées et leur concrétisation. Et si la mise en bouche qu'est The Barren Lands fait croire à quelque chose d'attendu voire, pire, de convenu, ce n'est qu'un échauffement, la douche avant le grand bain.

Sur Grave Inversed, l'homme se permet tout, mariant black et jazz fusion dans une folie noirâtre destabilisante, Jorgen Munkeby hurle dans son instrument, le maitre mène son navire comme bon lui semble, évitant le plus possible les lignes droites.
Il n'en oublie certainement pas quelques guitares mémorables à l'image de celles de Frozen Lakes on Mars.
Sans invoquer un pouvoir absolu, les guitares restent reines, parsemant de soli l'entièreté d'After, lui donnant cet ajout de technicité au dessus du brouillard de notes, de la variété de partitions.
Lorsqu'Ihsahn se fend de jouer du clavier sur Austere, on se projète dans son monde, lorsque le saxophone (encore lui) de Jurgen arrache ses ornements sur On the Shores, on se surprend à dire que l'usage de cet instrument n'est donc pas réservé qu'au jazz de Coltrane et Davis.

Il ressort d'After autant de sensations, autant de fractions de pensées qu'après un voyage des mois durant. L'on se perd dans ce labyrinthe aussi attirant qu'angoissant. L'on se perd et on aime cela, surpris de trouver un matin un sentier invisible le jour précédent. Chaque écoute équivaut à une nouvelle apparition, à tel point que le disque semble évoluer, se mouvoir à chaque nouvelle écoute.
A peine adopté cet album, je regrette d'avoir négligé les premiers chapitres de l'aventure, j'ai l'impression que des clés me manquent pour l'appréhender plus aisément.
Mais peu importe, il est toujours temps de revenir en arrière, avant l'après, avant la nouvelle démonstration de liberté d'une légende que l'on souhaite encore longtemps vivante.

Rhapsody, The Frozen Tears Of Angels, 2010

2010-06-19T00:01:00.011+02:00

Je vais commencer par un exemple idiot mais vous allez de suite piger la complexe réflexion du Ouistiti. Je n'aime pas les escargots, mais je sais que c'est bon, avec la sauce qui va bien, la pointe d'ail et l'extraction vaguement sadique du tas de glue hors de sa baraque portable, tout le rituel quoi.
Autour de moi, les gens adorent ça, et ne comprennent aucunement mon dégoût à la seule vue du plat débarquant sur la table. Les convives se ruent sur ces grasses choses molles, s'empiffrent de ces amuses-gueules délicats et soigneusement préparés.
Moi, j'en reste à mes rillettes et mon bout de pain, avec un rictus de gêne entre deux bouchées. C'est pas que je voudrais pas en bouffer, c'est que je peux pas, même crevant la dalle, même à l'agonie trois mois dans une poubelle, je doute de pouvoir ne serait-ce que lêcher la coquille de cette horreur culinaire.

Bon ben Rhapsody, c'est pareil que les escargots...

Oui oh, je vous vois vous moquer et que ma mise en bouche (huhu) est bien fumeuse, mais dans l'absolu, je fais ce que je veux, j'suis chez moi.
Revenons à mes escargots, pardon à Rhapsody. A ces Italiens détenteurs incontestés du premier prix de la grandiloquence pompière qui m'ont toujours fait fuir. Parce que trop de lyrisme couillon, trop de guimauve orchestrale, trop de chant époumoné sans aucune once de sentiment.

Rhapsody (je laisse volontairement de coté le bout de queue "Of Fire" que le groupe dut se coller vu qu'un autre combo porte le même nom) me gonfle au bout de quelques minutes et je crois impossible d'achever l'écoute intégrale d'un album.

Dans un registre semblable, j'ai plus d'accointances avec les dernières productions de Stratovarius ou Sonata Arctica qui si pas moins crêmeuses de temps à autres me paraissent plus digestes.
Alors que Rhapsody, je peux pas, désolé.
C'est pas faute d'essayer, de faire l'effort, de nouer plus fortement la serviette, en pinçant le nez et hop que je te me farcis l'animal, mais rien à faire, ça rentre pas.
On m'en disait du bien de ce nouvel album, parait qu'il y a du retour aux sources (ouais, mais super quoi !), des prouesses à la guitare, du symphonique trop puissant et Christopher Lee qui s'incruste avant de se prendre pour Charlemagne, et effectivement tu as tout ça, mais aaargh.
Il y a bien quelques petits aspects qui me déplaisent moins, Crystal Moonlight me semblant proche du The Days of Grays de Sonata Arctica passe pas trop mal, et Reign of Terror avec ses guitares assassines et ses vertus belliqueuses reste quelques instants sur la langue. D'accord pour admettre que tout n'est pas à vomir, vous l'avez votre objectivité, là !

Et puis passés les quelques interludes médiévaux que Blind Guardian gère nettement mieux, je quitte la gueule du plat et m'en retourne à mes pâtes au beurre.
De même que c'est pas demain que je me taperais des escargots, loin est le temps où je m'exciterais sur un disque de Rhapsody.
Pour ma défense, les aficionados reconnaitront que j'ai au moins gouté avant de dire que j'aime pas...

Air, Love 2, 2009

2010-06-15T00:01:00.002+02:00

Et dire que ma tendre adolescence fut bercée par Air et Sexy boy, pas seulement mais entre autres choses, aussi Moby, Rob Dougan, Fatboy Slim et Daft Punk, bref comme tout le monde quoi. J'en ai lâché pas mal de ceux-là, par ennui, par caprice, mais Air, ce fut plus dur de m'en défaire. C'est pourtant pas faute de sortir des albums de plus en plus moyens qui devaient m'indiquer que l'heure de débrancher la sonde était venue. Aujourd'hui, enfin, je crois être en mesure d'effectuer l'opération, Air me gonfle (ouais bon).

Ça démarrait pourtant pas mal, déjà que les deux Versaillais se limitent à recruter un ingé son, un batteur et un mixeur (non, pas le robot), ensuite que le premier titre de ce Love 2 intitulé Do the Joy ne part pas trop en vrille et son lancement à coups de guitares en font un de ces bons petits morceaux de rock ambient dont Air est spécialiste.

Le 'blème, c'est ce qui vient ensuite. Cette série de morceaux pas nuls sans être géniaux, bande-son banale où des voix idiotes se limitent à blablater le même mot sur 2 minutes (Love) ou à massacrer une chanson de par son timbre simplement horripilant (Sing Sang Sung).
Il reste cependant toujours ce savoir-faire pour monter avec rien des ambiances cinématographiques envoûtantes tel que le parfait Tropical Disease, mais on connaissait leurs capacités à ce sujet depuis Virgin Suicides, merci.

Il y a bien quelques rockeries gentillettes telles que Be a bee pour réveiller quelque peu, quelques poperies nostalgiques à la So light is her football sur lequel on aimerait imaginer un Gainsbourg ou un Biolay pour ajouter un peu de gros sel.
Et quoi d'autre alors ? C'est là que ça couille, c'est qu'il n'y a pas grand-chose d'autre, je ne retrouve pas cette attraction de 10 000 Hertz Legend ou de Moon Safari, trop édulcoré, trop écouté, trop classique alors que l'on attendrait un minimum de surprise de leur part.

Pas mauvais en vérité, mais si commun, si peu aventureux qu'il en devient quelconque, ni mauvais ni bon mais bêtement ordinaire, une vague compilation de morceaux pour hypermarchés ou de boutiques de soins traditionnels.
African Velvet cloture tout de même de belle manière un album bien trop fade à mon gout, Air vieillit, ou c'est moi qui ait vieillit.

Iron Maiden, El Dorado, 2010

2010-06-13T00:01:00.007+02:00

Je ne fous jamais de fric dans des singles, à quoi bon ? Si tu veux un petit apercu d'un album, Internet est bien assez équipé pour te faire apprécier la dernière nouveauté sans dépenser un kopeck. On reste dans le virtuel, l'impalpable jusqu'au moment où l'oreille suffisamment aguichée commande aux guibolles de courir acheter l'album quelques semaines plus tard.
Le problème est bien notre capacité à patienter pour l'écoute intégrale ou de se laisser aller à chasser les plus petites bribes des semaines auparavavant, histoire de se rassurer, ou non.
Il m'était pour le coup difficile de ne point jeter une portugaise distraite au nouveau Iron Maiden, parce que groupe pionnier dans ma découverte de la musique, parce que parfois ringard mais souvent bon. L'Eldorado n'est plus à trouver et fait espérer d'incroyables cités d'or au bord de la frontière, alors rêves fous, ou déçus ?

Parlons tout d'abord de cette jaquette, élément essentiel d'unne bonne cuvée maidenienne. Triste à constater, ce n'est (malheureusement) pas Derek Riggs qui en est l'auteur mais un sympathique inconnu dénommé Anthony Dry.
La cover de l'album étant elle réservée à Melvyn Grant, responsable des pochettes de Fear of the Dark (superbe), Virtual XI (affreuse), du live Death on the Road (re-superbe, encore mieux en format vynil), ainsi que du single The Reincarnation Of Benjamin Breegs (pas mal non plus).

Et si l'on pourra faire la moue devant la pochette typée "Mars Attack" de The Final Frontier, 15ème opus du groupe prochainement disponible, il n'en est pas de même pour le single. Mêlant les premiers artworks de la Vierge de Fer avec une inspiration comics déjantée, Dry offre une image proprement géniale, vernissant Iron Maiden d'une belle patine, n'occultant pas l'aspect suranné du groupe et sa capacité à accepter son âge.
C'est ce qui se dégage du visuel, un groupe aujourd'hui proche de la fin qui en est conscient et qui en joue avec humour.

Et la musique s'en ressent, plongée totale dans un gouffre de 30 ans de profondeur avec la production qui sied à notre époque, sans jamais cependant vouloir sonner d'jeuns, Iron Maiden ne cache pas les rides, et préfère les exhiber comme autant de blessures de guerres, comme autant de médailles.
A l'instar d'un In Rock, El Dorado prend naissance dans un tourbillon de guitares et de tambours. Et le riff qui suit cette puissante entrée en matière, parsemée de frappes sur les cymbales peut sans peine se faire passer pour plus antique qu'il ne l'est.

Il est net que Maiden perd ici toute la complexité du précédent A Matter of Life and Death, préférant revenir au son plus rock et brut des premières années.
En un peu moins de sept minutes, les Anglais parviennent à conserver une ligne directrice relativement classique et mélodique tout en surajoutant des quantités de riffs et de détails, donnant à El Dorado une parfaite synthèse de ce dont ils sont capables.
La série de soli en plein milieu émerveille, et Mc Brain ne doute pas, il cogne, martyrisant ses cymbales qui se sont rarement fait autant entendre.

Enorme différence, la longueur qui sur A.M.O.L.A.D. finissait par lasser est ici invisible. C'est probablement la meilleure leçon qu'ait tiré Harris du précédent album. Jouer des morceaux de sept minutes n'est pas une tare mais encore faut-il faire en sorte qu'ils ne soient pas chiants. Et il est peu de dire que ce single est tout sauf gavant, on ne voit pas les minutes passer, ça rentre par une oreille et reste longtemps en tête, pour finalement en sortir et relancer l'écoute.

Et Dickinson donc... Sans rien perdre de son style parfois trop tata, le bonhomme semble ici plus sobre que d'ordinaire, les quelques frayeurs lorsqu'il entame le chant s'évanouissent quelques secondes plus tard. Même son petit rire diabolique aux abords des deux minutes fait plaisir, tel un clin d'oeil aux connaisseurs et aux fans, Maiden sait comment aguicher le client, l'expérience est un don, un pouvoir.
N'allons pas blablater plus avant, il y aura l'album intégral pour cela, et annonçons sans crainte qu'El Dorado est l'un des titres de Maiden parmi les plus catchys et convaincants depuis bien longtemps. Reprenant à la lettre les bases de leur univers, mettant en valeur leurs fondamentaux et ne se perdant pas trop dans des complexifications stériles, El Dorado fait envie d'un album dans cet esprit, plus incisif, plus franc du collier, plus attaché à la meilleure époque de ce groupe.

On sait bien que tel un Scorpions proche de la retraite, The Final Frontier sera le dernier ou peu s'en faut de Maiden. L'on peut juste espérer un final tout en majesté afin de clôre le chapitre de la plus élégante des manières, les bougres en sont capables, verdict en août 2010.

Scorpions, Sting in The Tail, 2010

2010-06-11T00:01:00.005+02:00

Suis-je un fan de Scorpions, suis-je un de ces adeptes aveugles qui suivraient ces idoles au bout du monde pour peu qu'ils fassent changer le pneu avant droit du jet privé à Miami alors que vous peinez à payer les traites de votre chambrette à Melun (ou autre ville rejetée par la majorité des guides touristiques) ?
Non, franchement pas fan de Scorpions, admirateur peut-être, auditeur occasionnel, comme on achète de temps à autre une revue douteuse à la cover toute aussi douteuse. On a honte d'en écouter, mais ça fait du bien, ça soulage son ame de petit rocker pas méchant. Se fair plaisir avec pas grand-chose, même si c'est fondamentalement assez crétin.

Pourtant, bien que pas fan, je me suis payé ma place VIP catégorie A pour leur prochain passage au stade Hernando Siles de La Paz, Bolivie.
Ca ne cadre pas vraiment avec l'image du non-fan, oui. Pourquoi claquer l'équivalent d'un salaire de juge local pour voir les vieux Teutons dans leur espace préféré, du gros stade rempli (on l'espère du moins) de trentenaires et au-delà, nostalgiques de leur folle jeunesse passée à procréér en écoutant Still Loving you, Wind of change, ou Rock you like a hurricane?
Pige toujours pas mais je l'ai acheté ma place...

On ne pourrait parler de nostalgie dans le cas de votre primate vu qu'il fit le lien entre le groupe et ses tubes il y a relativement peu de temps, une petite dizaine d'années en somme, pas de quoi en faire un accroc.
D'autant que mon jeune age m'offrait en terme de nouveautés leurs plus belles merdes aux doux patronymes d'Eye II Eye et autres Pure Instinct, pour m'exciter avec ça...
Puis vient le génie des compilations peu couteuses qui permirent la découverte de Love at first thing ou de Blackout, et ça oui, ça me fit décoller du cul tant c'était énorme.

Parce que Klaus Meine... Cette voix qui semble s'extraire uniquement de ses cavités nasales et qui miraculeusement se fait pleine d'émotion, quoiqu'il chante, souvent des trucs assez niais certes, mais quel talent pour m'arracher des larmichettes, quelle force dans ses interprétations, peu de timbres touchent autant, Klaus y parvenait sans peine.
Il y a parfois cette petite honte qui vous titille, car Scorpions, après des débuts qui mirent au monde des disques fleurant un hard rock aussi mélodique que furieux s'englua dans une diarhée de power balades affreuses, à l'instar d'Aerosmith en somme. Lorsque le gros son ne vend plus, il faut toucher les ménageres, exciter ces petites ames en détresse d'adolescentes, ratisser large et lever les filets, vomir ce qui s'achète à la tonne.

En bon petit ado boutonneux, j'accrochais parfois, parfois pas du tout, et même encore aujourd'hui, un petit Still Loving You, ou même le Maybe I Maybe you d'Unbreakable me remue quelque chose. Pour Klaus, pour Rudolf, Scorpions pique souvent au bon endroit.

Je me remâchais tout cela sur le chemin de la billeterie lorsque qu'enfin je parvenais à la grosse file qui commençait à attaquer le trottoir. Du trentenaire, de la mère de famille, du couple quinqua, un public bigarré qui n'a souvent connu que le meilleur des années 80 et les saloperies des années 90 (exception pour Face the Heat, dont tout le monde se fout alors qu'il renoua un peu avec ce qu'on appelle un bon album de Scorpions...).

Tu regardes ces gens qui font la queue depuis au minimum deux heures pour se payer leur place à des sommes incompatibles avec le salaire moyen du pays et tu ressens un poil d'émotion.
Non pas qu'ils soient dans le besoin, il s'agit ici des classes privilégiées de la société, souvent des personnes ayant voyagé aux alentours, Argentine, Brésil, coutumières de gros concerts. Une mère de famille juste derrière moi m'avoue avoir vu Scorpions en 1981, lors du Rock In Rio et qu'elle allait cette fois les revoir avec son fils et sa fille, qu'elle était émue de pouvoir partager avec ses gosses la musique qui la faisait planer étant jeune.

Le couple devant achète pas moins de dix tickets, un pour chaque membre de la famille, dont les parents, oncles et tantes qui ont raclé les fonds de tiroirs pour se retrouver au stade le 16 septembre. La nouvelle de l'arrivée du groupe en Bolivie, tout le monde pensait que c'était une sale blague, même encore aujourd'hui plane un doute, mais le site officiel le confirme alors l'espoir se lit sur la tronche des patients dans la queue.

En voyant ces aficionados, plus ou moins jeunes, en parlant avec ces personnes qui semblaient aimer Scorpions comme moi j'aime le Saint Nectaire, soit avec une ferveur christique proche de la démence, mes doutes se dissipèrent, je voulais bien me la payer ma place, je voulais voir les responsables de tant de souvenirs. Je voulais voir ceux qui annonçaient récemment la fin du groupe et qui semblaient ranimer une flamme en autant de monde.
J'en oubliais les ballades idiotes, les albums insultants, me venaient en tête les refrains d'In Trance, de Rock you like a Hurricane, de Crossfire, de The Zoo, de Blackout, d'Always Somewhere et sans forcer, j'avais en poche mon pass VIP Catégorie A et j'étais dans la rue.

Après avoir constaté telle abnégation, j'ai honte de devoir écrire que leur dernier album en date, probablement le dernier de leur carrière est assez moyen, composé à 30% de power-ballades sans génie et de morceaux de rock fort classiques.
J'ai moins honte lorsqu'il s'agit de Klaus Meine dont la voix me reste toujours en travers du coeur, qui m'envoie ces refrains mêlant classicisme et efficacité sous un ratio de 50/50. Ca marche encore, c'est dingue mais Schenker/Meine, après 45 ans de carrière, cette paire arrive encore à faire passer quelque chose dans leur musique archi-rabâchée.

J'ai de nouveau honte lorsqu'il s'agit des ballades dont cette horrible repompe de Send me an Angel, déjà pas bien jolie à la base, qu'ils ont ici renommé Sly. Pas non plus très fier de ne pas être secoué lorsque j'écoute le balourd Let's Rock (12 plages, quatre comportent le mot "Rock" dans leur titre...) ou le basique Spirit of rock et ses Yeah yeah yeah moches.

J'en oublierai la majesté classique d'un Raised on Rock (je vous ai prévenus hein...) ou la certaine modernité de Sting in the tail, la bonne tenue de la power ballade The good die young (une bonne sur quatre quoi) et dans l'ensemble la belle forme de nos scorpions.
Pour une fin de carrière, Sting in the tail est juste correct, correspondant en gros à ce que l'on attend d'eux, donc ni surprise ni grosse déception.

Et pour leur fin de carrière, j'irai, sans honte aucune cette fois-ci, m'arracher les cordes vocales devant la scène du stade Hernando Siles. Par nostalgie ou par plaisir, par envie ou par tristesse, j'irai applaudir un de leurs derniers levers de rideau. Sans être un fan, j'en ai déjà parfois quelques piques au coeur de les savoir sur la fin du parcours. Et ce Sting in the tail ne fait que rendre plus douloureuse la piqure.

Overkill, Ironbound, 2010

2010-06-07T00:01:00.005+02:00

Vous ne me verrez jamais dire de cochonneries sur Overkill, ou rarement. Ils ne sont pas le plus grand groupe de thrash de l'univers. Ils alignent les skeuds à la vitesse de la lumière sans jamais qu'on s'intéresse à leurs gueules de métalleux basiques. Ils remettent en cause les principes les plus élémentaires de l'évolution et notamment celui qui dit que si tu es toujours thrasheux au troisième millénaire, c'est que tu es le fruit tardif d'un accouplement entre une bactérie et un primate. Ils brassent les mêmes éternités de riffs, de gueulantes, de breaks et de raaahg reuaargh primitifs depuis l'ère quatre-vingtolitique. Mais...
Mais Ironbound est bien un foutu connard de bon album.

Qui parle encore de chercher un soupçon de surprise dans le thrash metal, genre qui se devait de mourir jeune ?
Cet espèce de heavy pour psychopathes, cet insolent condensé de rapidité et de prétention ne survit aujourd'hui que par son respect à des règles dépassant maintenant les 30 ans d'âge.
Alors qu'il aurait du crever en 1990-1991, suite aux ultimes bonnes baffes des (attention, un gros name-dropping va suivre...) Sadus, Anthrax, Annihilator, Artillery, Kreator, Death Angel et surtout, de Megadeth qui déballait rien moins que Rust in Peace... Après ça, Metallica, pourtant détenteur du titre de plus gros monstre du genre a arrêté les frais.
Les Four Horsemen ont compris avant tout le monde que le thrash avait fait son temps, et peu importe si la virgule économique a motivé le débranchage de prise, les pères ont tué le turbulent mioche avant qu'il ne vire vieux con.

Depuis, les résurrections sont monnaie courante, se parant parfois d'autres atours, virant dans un heavy rock banal (type Load/Reload, Risk, ou encore le fort moyen The Ritual de mon chouchou Testament) ou dans une (mal)saine augmentation de violence aux alentours des années 2000 ce qui nous fera chialer devant un St Anger ou louer la magnificence de The Gathering de mon toujours chouchou Testament.

Dans le monde de la musique, les choses ne meurent jamais vraiment, alors le thrash n'a pas crevé, ses géniteurs ayant du mal à raccrocher les mitrailleuses. Moribond mais encore alerte, il put surtout compter sur quelques bandes de lourds qui jamais ne lui firent le coup du "je t'aime, mais on ferait bien une pause quand même". De ces lourds isolés du reste du monde, il faut définitivement détacher Overkill.

Vrais mordus, vrais bloqués dans un univers parallèle où l'origine du monde se situe en 1985 et sa fin coïncide avec leur propre retraite, Overkill est le cerbère du gros riff et du coup de speed, au cerveau suffisamment développé pour moduler quelques effets, tâchant de respecter un petit quota de riffs sauce heavy pour dire qu'il y eut une vie microbienne avant que leurs culs ne touchent Terre.

Tous les un, deux ou trois ans, on a droit à une cuvée estampillée Overkill, éternellement dotée de cette tessiture rapide, de cette teinte sanglante, de cette arrière-goût plus mélodique qui réveille les parties occultes des papilles, un classique que l'on achète avec confiance tant on connait bien la qualité et la bonne tenue générale du proprio.
On sait qu'il est pas du genre à pisser dans les bouteilles, qu'il vous filera toujours la même bonne recette et qu'on aimera ça, parce qu'on a le fond classique finalement.

Alors Ironbound est un foutu connard de bon album qui ne fait rien oublier et ne fait rien espérer. Pour trinquer sans attendre ou à laisser affiner en cave, comme bon vous semble. Quoiqu'il arrive, ça se déguste toujours avec plaisir.

Testament, The Gathering, 1999

2010-06-05T00:01:00.003+02:00

Pas loin du nouveau millénaire, mais loin du thrash qui faisait rire gentiment après les compromissions de ses plus fervents représentants, Testament nous mettait ce pain dans la tronche que personne n'attendait venir, vraiment personne. Hors du temps, baroud d'honneur d'un discret qui pourtant rarement devait décevoir ses ouailles, The Gathering est encore maintenant difficilement dépassable à tous les niveaux. Le second couteau était soudainement plus affuté que jamais et surclassait avec merveille dix ans de dégueulasseries d'un carré d'as à la peine.

J'explique parce qu'après on va dire que je m'emballe et que je dis pas pourquoi et que nous on aime des explications longues et ennuyeuses parce que le chef est pas au bureau et que j'ai du temps vu que ma pellicule de cul a pas fini de se télécharger et que tant que j'ai les doigts qui collent pas, je peux toucher le mulot.

Vous vous rappelez de l'année 1999 comme d'une année fertile en bons albums de thrash vous? Vous jugez franchement que Sodom, Annihilator ou Overkill ont chié des diamants? Rien, que dalle ! Leurs petites crises nostalgiques faisaient vraiment pitié à coté de ce que Testament nous offrit là. The Gathering est un summum du thrash justement parce qu'il ne se limite jamais... au thrash. Alors que ses confrères s'embourbaient dans des plans archi-sucés depuis les années 80, incapables de se sortir les doigts de la vieille moulinette à riffs, Testament a explosé littéralement son univers de prédilection et y a incorporé d'autres saveurs.

Le groupe parvient à recruter Dave Lombardo, en congé de Slayer après la bévue Diabolus In Musica. Les crocs en avant, Lombardo promet d'en découdre au service de Testament qui n'en espérait pas tant.
Il officie comme on l'attendait, technique, brutal, machine qui use de ses bras comme de marteaux sur la forge, le son est chaud, suffocant. Chuck Billy module sa voix, passant aisément de hurlements aux growls death qui font mouiller dans le Petit Bateau, rarement Chuck, pourtant grand chanteur, n'aura offert palette aussi large et théâtralisme aussi bien ficelé. D.N.R qui ouvre le bal a le petit truc qui fait les grands lancements d'albums, ce riff, cette batterie saccadée, et Chuck Billy... Je crois pouvoir me passer uniquement ce titre en boucle sans m'en lasser tant il est incroyable.

Combinant son thrash d'origine avec des composantes black, death, des soli infernaux et une maitrise invraisembable, Testament se surpasse, va au-delà du sympathique groupe de thrash qui peut mieux faire. Pourtant, le groupe avait déjà sévèrement boosté la machine avec Demonic, mais celui-ci était trop bourrin pour qu'on s'accroche tout du long. The Gathering y apporte cette variété qui fait qu'on ne le lâche jamais. Vous commencez par l'écouter une fois, et mine de rien vous savez que d'habitude vous zappez après deux ou trois titres parce que c'est lourd à force ce genre de zizique. Mais dans ce cas précis, bien que le doigt soit comme de coutume près de la touche next, jamais votre boudin n'ira la tripoter, jamais.

Si l'on n'a pas cet impression de mimétisme à chaque morceau, c'est donc bien par un travail de composition qui a su dépoussiérer le vieux thrash (15 ans et déjà vieux...) et accoler des composants annexes qui varient les effets et font mouche à chaque fois.
Pas tant dans les soli de Peterson qui restent assez discrets mais dans la structure des morceaux, où tout est fait pour alimenter la tempête.

Même des allergiques du style peuvent aisément l'apprécier, car il n'est pas question de guerres de chapelles, cet album va au-delà des genres et sous-genres. Ces passerelles construites toutes autour de lui donnent à The Gathering son caractère si particulier et lui évitent les ravages des années qui passent. De fait, la production made by Andy "everywhere" Sneap est adéquate, claire sans trop mettre en avant quiconque, chaque frappe sur la batterie est sèche, cinglante. et le rythme qui ne ralentit que fort peu hormis durant les superbes interludes d'Eyes of wrath ou de True Believer.
Mais notre ami Peterson, par ailleurs féru de black (qu'il pratique au sein de Dragonlord) s'offre aussi des speederies sans concessions comme sur Legion of the Dead, où Billy growle à tout va, énorme je vous dis.

Il est question d'une addiction à te faire gonfler les veines, le terme de tuerie n'est pas usurpé ici, ni exagéré. Il s'agit bel et bien du meilleur album du groupe (pas mal déjà) et du meilleur album de thrash metal tout court (ça vous en bouche un coin hein ?). Ecouter The Gathering revient à juger des pièces majeures tels que Master of Puppets ou Rust in Peace comme de la pop music. Je surjoue à peine ma passion aveugle en ce disque, dont la tardive découverte me fait le choyer encore plus.
Ceux qui ont un jour écouté ce disque ont pour la plupart renié toutes leurs vieilles idoles de la Bay Area, brûlant leurs effigies sur la place publique. Je vous espère proche actuellement de la première F.N.U.C.K. venue ou d'avoir un lien sur Amazon, mais sachez que vous tomberez forcément accrocs, vous êtes prévenus.

Scorpions, Face The Heat, 1993

2010-06-01T00:01:00.000+02:00

L’année 1993 fut rude pour le hard rock des papas et comme le primate se tape les vieilles choses des vieux, ce fut dur aussi pour lui… En pleine vague grunge, les dinosaures en sont à sortir des best of et autres compil's live pour survivre. Ozzy Osbourne, Kiss, Metallica, Iron Maiden, Judas Priest, tous dans le même caca, avec des gueules de primitifs devant le succès insolent de Nirvana, Pearl Jam, Pennywise, et autres Korn. Le rock con et enjoué ne vend plus, le metal mélodique passe pour de la branlette, les belles ballades pleines de sentiments sont ringardes, Scorpions voit donc son fond de commerce pourrir rapidement.

Le groupe avait su sauver ses miches avec le carton de Crazy World mais le temps, ce cruel connard eut tôt fait de rattraper Scorpions. En trois années, la bande ne voit pas le vent tourner (haha... parce que Wind of change et... bon ok...), celui du grunge, du neo metal et du punk à roulettes qui effrite les vieilles pierres. Pour les deux premiers, il s’agit moins de prouesses musicales que de coller à la déprime mondiale, d'en rajouter une couche dans la boite d’anti-dépresseurs. Quant au troisième, ce n'est que pure déconne, encore moins doués rayon musique, mais efficaces pour remuer des jeunots fatigués d'écouter les vieilles bouses de leurs parents au chômedu.
Scorpions ne sait rien faire de tout ça, alors ils feront la même chose.
Face The Heat sera un classique condensé de heavy, de hard et de minauderies affreuses, dans cet ordre précis ou peu s'en faut.

Cependant, le groupe a clairement changé de cap depuis 1990, délaissant un peu les sujets idiots du genre « le rock c’est cool » pour des prises de position plus politiques ou sociales. Résultat, Alien Nation, un monstre heavy qu’il faut au moins récupérer de cette galette si moche (ce n'est de fait PAS un vomi frais que l'on peut mater sur la pochette).
Sans rien changer au monde, Alien Nation rue dans les brancards, écrase en presque six minutes et accroche en moins d’une. Refrain béton, basse surpuissante (bravo au petit nouveau Ralph Rieckermann), et Klaus Meine qui force en méchanceté en scandant un furibard « Beware of the alien nation ».

Mise en cause du racisme et de la peur de l’autre, Alien Nation tient lieu d'entrée en matière radicale, ce qui pouvait largement contenter le fan déçu par les bonbons de type Wind of change ou Send Me An Angel.
Mais Scorpions ne s'arrête pas ici et enfonce le clou avec un No Pain no Gain plus lent mais tout aussi bien charpenté. Après trois titres qui calment n'importe quel hardos moyen, l’on peut s’attendre à une ch'tite ballade, bingo vu qu'Under the same sun est une de ces guimauves que les Allemands ont pondu à la douzaine dans les années 90. Celle-ci n'est pas plus débile qu’une autre, on notera le petit orgue en fond qui n'arrange rien cependant.

Se fait jour la belle constance du groupe à proposer bonnes plages de hard mélodique et de faibles balladounettes. Dans les bons trucs bruyants, on peut conserver Unholy Alliance ou Ship of Fool, qui sans voler très haut restent de corrects morceaux de hard rock basique. Et il serait difficile de minauder devant le solo de basse d'un Hate to be nice qui confirme si besoin était que Schenker et Meine ont toujours du doigté pour la composition et du nez pour leurs recrues.
Au rayon guimauve, et pour vraiment sauver quelque chose, je garderai Woman, plutôt touchante et originale avec son blues mélo mais les trois ballades (trois de suite !!!) qui terminent ce disque sont simplement de la merde.

Identiques, molles, elles foutent la honte carrément. Scorpions se mangeait encore la queue en forçant sur le raclage sentimental alors que la jeunesse allait depuis un bail chercher ce genre de choses chez d'autres plus en phase avec leur époque. La palme revenant à Destin où Klaus s’adonne au Français sur le refrain, "Mon destin inscrit en toi" qu'il nous dit...

Pour le coup, ce sont nous qui avont le plus souffert puisque deux ballades de cette triplette mortelle étaient gracieusement offertes comme des bonus sur la version européenne, merci qui ?
Cette fin de disque totalement foirée, non par le fait de coller des ballades, mais surtout d'en mettre d'aussi mauvaises laisse un mauvais souvenir de Face the heat, qui non content de s'être ramassé en termes de ventes est simplement tombé la gueule la premiere dans le puits de l'oubli.
Dommage pour les quelques bonnes partitions qu'il comporte (Alien Nation, No Pain No gain, Unholy Alliance, Woman, en gros 50% du disque…) mais justifié en regard de la nullité dramatique du reste. On pourra aussi penser que Scorpions n'était carrément plus à la page à cette époque (l'ont-ils jamais été ?) et que bizarrement cela s'entend plus cette fois.

Ca s'écoute ma foi encore avec un certain plaisir, et puis à vous regarder droit dans les yeux, et sans même suivre mon pur instinct, il est confirmé que le pire est devant eux…

Guns N' Roses, Use Your Illusion I, 1991

2010-05-28T00:01:00.000+02:00

Appetite of destruction est à la fois la bénédiction et le pire cauchemar que les Guns aient pu sortir de leurs cervelles. Lorsque vous alignez une telle batterie de tubes à en faire frémir tout bon Billboard qui se respecte, il faut ensuite tenir le rythme. Si les Guns avaient été aussi limités qu’ils le paraissaient, ils auraient facilement sorti une version II nulle mais dans le même esprit. On aurait crié à l’essoufflement prématuré et à la fausse gloire, et puis on les aurait oubliés. Mais Use Your Illusion n’est déjà plus un album de Guns N’ Roses, ou plus tout à fait. Alors forcément on est moins déçu que surpris…

Appetite of Destruction était une fulgurance, un coup de poing dans le bide spontané et bienheureux. Et des comme ça, vous n’en décrochez pas quatre dans la foulée, le premier était suffisamment percutant.
Que dire de plus après, où aller après avoir condensé en un seul disque la subtantifique moelle d'un discours aussi couillon qu'essentiel ? Rien ou si peu, changer de discours, répéter ?
Méthode proposée puis dûment validée, il faut manier l'art du passe-passe, l'art de l'illusion, occulter et dévoiler peu à peu la (possible) supercherie, rendre plus gros le truc au risque d'écoeurer le spectateur. Usez de l'illusion, et vous verrez toujours Guns N' Roses en 1991, ou presque.

Car Use Your Illusion I fait bien illusion le temps de quelques morceaux, conservant cette rage irraisonnée, cette folie communicative qui donnait tout son sel au « vieux » Guns N’ Roses. Souvenez-vous, émus visiteurs, du clip de Sweet child O'Mine, avec nos compères jeunots mais aux looks très affirmés, la mine pas forcément joyeuse, le touché de guitare de Slash qui offrait le superbe solo que l'on sait, les déhanchements de Rose, les prestations plus en retenue des bretteurs Duff et Stradlin. Cette prestance était à mille lieues du ridicule d'un, au hasard, Poison.
Au contraire des capilleux minables qu'étaient la bande à Bret Michaels, Les Guns avaient la classe, une présence et bien que parfois à la masse en concert, ils incarnaient par leur musique et par leurs accoutrements une certaine idée du rock, généreuse, le temps d'un album et quelques.
Toute la complexité était alors de condenser cet esprit encore un poil vivace et la mégalomanie galopante du nain en short.
Axl Rose est déjà le maitre du rafiot et souhaite le manier à sa guise. Rose n’est pas un grand fan de rock finalement, il préfère le larmoyant et les touches de piano qui font mouche, il adule Queen et ses jolies mélodies et feint d’oublier que le groupe de Mercury a débuté lui aussi dans un registre plus brut.

Sur Appetite..., le but n’était pas de virer chochotte, il fallait frapper dans les gencives et ne pas laisser respirer. Mais ce temps est révolu, et les Guns font passer désormais la rose avant le flingue. Pas question cependant d’amorcer le virage trop brusquement, l’on conserve pour les amateurs un lot de petites salopes bien remuantes. Right next door to hell, Perfect crime, Back off bitch, Double talkin jive, Don’t damn me sentent encore la poudre fraichement brûlée et font remuer des miches sans pourtant jamais faire oublier un Rocket Queen ou un Welcome to the Jungle.
C’est douloureux, je le sais, mais mettez-vous ça dans le crane, Guns N’ Roses peut faire du sous-Appetite..., mais jamais le surpasser.

D’ailleurs, il faut retenir du premier Use Your Illusion trois choses, November Rain, Coma, les claviers de Dizzy Reed, et pas grand-chose de plus.
November Rain est symptomatique de ce virement de bord, les Guns qui se font célébrer pour une power ballade qui bazarde du piano sur presque toute la longueur, c’est un phénomène qui demeure inexplicable. Assez basique de fait, il faut lui reconnaitre sa prestance et son infernale conclusion. Les jours de pluie, on peut aussi la trouver bien chiante mais bref.
Coma a cela d’intéressant qu’il propulse le groupe dans une catégorie progressive qu’on ne les voyait jamais toucher. Cette pièce qui ne lasse de surprendre est laissée aux bons soins de Rose qui en fait son étendard, loin du "simplisme" de ses collègues, le petit Axl aspire à autre chose et le fait savoir. Coma est ici judicieusement placé en dernière position, comme un avertissement, une façon d'enterrer ce qui reste de nerveux chez les flingues, baignant le tout de roses rouges et mélancoliques.

Si ce changement de cap du groupe est acceptable, c’est par ce surplus de couilles grasses que Use Your Illusion I ne convainc vraiment pas. Passons sur Live and let die, la reprise des Wings qui se justifiera en concert, mais des titres aussi mous que You Ain’t the first, maladroitement collé au beau milieu, Garden of Eden et son refrain foutrement mauvais, le funkisant Bad Apples ou le médiocre Dead Horses auraient dû rester dans le moule-bites d'Axl et ne jamais en sortir.

Il faudrait dégraisser la chose de 30% pour en sauver un album de bonne facture mais qui jamais ne peut se défaire de l’ombre de son ainé. Les Use Your Illusion et surtout ce premier volet se doivent de porter sur le calvaire de la renommée la lourde croix de 1987, qui pèse et jamais ne se fait oublier.
Si Appetite of Destruction n’avait pas existé, et en imaginant que les Guns N’ Roses aient débuté leur carrière en 1991 (ouais, imaginez quoi...), on aurait probablement vite oublié ce groupe de clochards dans les poubelles du Hall of Fame. Use Your Illusion I est souvent considéré comme le moins bon des deux, je le crois volontiers, tant il voltige trop en médiocre et bon. Et ce ne sont pas une power ballade à succès et un final progressivement gouleyant qui vont sauver la mise.

Warhead, The day after, 1986

2010-05-25T00:01:00.001+02:00

Je m'étais amusé il y a quelques temps à replonger les poils du ouistiti dans le heavy metal Made in belgium des années 80 (voir ici) et en avait extrait un groupe parmi la ribambelle qui me semblait plutôt bien couillu, il s'agissait de Warhead. Le motard infernal devait produire un second album avant de disparaitre dans les limbes de la production métallique belge. The Day After reprend grosso modo les choses où elles en étaient et si pas forcément mieux que son prédécesseur, il est suffisamment bien fait pour qu'on en cause un peu.

Même le squelette en mobylette est toujours là, cette fois hideuse apparition dans les restes d'une explosion que je crois nucléaire. Warhead sans avoir pu débloquer plus de thunes dans la production qui reste sommaire (Patrick "The Beast" semble chanter dans les escaliers de secours d'un HLM avec un sale écho pas du tout prévu) maintient cependant son credo d'un heavy rapide et mélodique. Le très pêchu Legions of Hell en ouverture reste dans la même veine que pour le premier opus, avec ce petit passage rappelant le démarrage en trombe d'une moto, clin d'œil sympathique qui aurait pu faire office de gimmick officiel si l'aventure s'était poursuivi.

Les introductions se veulent teintées d'ambiances démoniaques, lourdes et laissant juste derrière un déluge de guitares s'envolant à Mach 1. "The beast" chante sur Evil of Night à la manière d'un Bruce Dickinson croisé avec Ronnie James Dio (paix à son âme...) atteint de la grippe, mais il s'en tire globalement pas mal, voire carrément bien sur les refrains, accrocheurs au demeurant.
Les soli de guitare restent artisanaux et on sent de prime abord que les gars atteignent en ce moment le maximum de leurs capacités et que leur demander plus serait vu comme une tentative de meurtre, pas de quoi s'affoler cependant, ça tient la route.

Si Warhead sentait un peu plus Motörhead qu'Iron Maiden auparavant, on se rapproche désormais de Black Sabbath au niveau de la lourdeur, étrange combinaison de riffs mammouths et de rapidité d'exécution impressionnante, nos Belges sont de fait déchainés sur The Day After qui bien que basique fait toujours son petit effet.

Black Time renvoie à Iron Maiden sans jamais pomper les cousins britons, le groupe s'est définitivement échappé de cette masse d'influences qui les rendaient un peu trop communs. Chaque composition est bel et bien personnelle, plus de confiance en soi et en son boulot, et cela s'entend.
La power ballade Last Night est une preuve de cette liberté nouvelle, même si le chant est un peu ridicule et la montée en puissance pas totalement maitrisée, ça reste plaisant d'autant que la seconde moitié agrémentée de guitares hachées relève sacrément la sauce.

Fall out met en avant une basse groovy du plus bel effet avec un riff solennel qui s'envole au bout de quelques secondes, surprenant mais incontestablement bon, ce riff qui se meut en solo aérien, la batterie qui maintient un rythme lent pour cet instrumental et accessoirement le dernier titre du dernier album de Warhead.
On regrettera qu'il n'y ait pas eu de suite à ce disque, tant le groupe semblait en mesure d'offrir encore plus si on lui avait donné les moyens de ses ambitions. Reste The Day After, dernier témoignage du heavy/speed metal de Warhead qui malgré les années et le son franchement moisi vaut le détour.

Goldfrapp, Head First, 2010

2010-05-22T00:01:00.000+02:00

Vous savez le ouistiti relativement ouvert d'esprit (si, si), aimant piocher, dénicher, scruter, fouiner, tâter la nouveauté comme l'on tâte le cul de la meuuuuh, avec franchise et gourmandise. Goldfrapp ne fit pas exception, laissant son nouveau-né dans les pattes de l'animal. Conscient que tout ou presque au rayon métallique pue sévère actuellement, le primate désirant une fraiche brise rafraichissante avait envie d'échappatoire. Mal lui en a pris, il s'en est retourné dans les jupons de Slayer après environ trois écoutes qui ont viré à la torture moyenâgeuse.

Goldfrapp ne fait pas de trip-hop, ou du moins plus depuis bien longtemps. Ça n'a l'air de rien, mais si l'on ne capte pas l'évolution radicale du groupe, on se retrouve avec les mêmes geeks qui cherchent à chaque nouvel album un bis repetita de Felt Mountain, truc qu'ils peuvent encore attendre...
La paire improbable que forment le bidouilleur et la louve s'évertuant plutôt à lisser une musique faite pour danser, très travaillée et aux abords relativement enjoués. Goldfrapp a progressivement métamorphosé sa créature en la gavant d'electroclash et de dance. Pas fatalement un drame en soi, d'autant que la rupture, progressive, passait par un gouleyant Black Cherry, un moins gouleyant (je suis gentil) Supernature et un fort correct Seventh Tree. Le duo ne s'est jamais enfourné dans une caisse labellisée, privilégiant œuvrer dans diverses directions selon les envies (les modes ?) du moment.

Voilà, et après ce léchage de bottes en direct, allons droit au sujet, Head First.

T'as beau dire que tu t'y attendais, le choc reste violent. Cette galette qui beat à mort et abuse de petits ouuuhh par milliers frise la compromission d'avec le pire de la pop des années 80 voire far away. Cette dérive kitsch pourrait s'avérer sympathique et en me tirant quelques poils du nez tout en me faisant sucer les panards par une chèvre, je crois que j'aime... un peu mais pas tout !
C'est assez symptomatique de l'évolution du combo que de s'être lancé cette fois dans une pop datée qui aurait pu être une bonne blague si ça n'avait pas été travaillé avec autant de sérieux.

Car c'est bien fait, et Will Gregory a pris le temps de se manger les œuvres complètes de Giorgo Moroder et autres pontes de la grande putasserie popisante, parangons des ABBA et autres ersatz d'Europe du Nord. Après avoir si bien sauvé le dernier album de Portishead (Third où il a proposé deux titres), il est bien cruel de constater sa crise de guimauve pour ce quatrième album de Goldfrapp.

Sans pourtant tout dégueuler d'un coup, ma nature de petite tarlouze parvient à apprécier les extraits les plus soft, les instants fugaces où le clavier Bontempi ne provoque pas ma fuite dans les escaliers de secours. Ça doit se compter sur deux doigts, Dreaming et Voicething. Pour le reste et notamment l'insupportable Rocket où Alison ânonne (fort bien qui plus est) "Oh oh oh i got a rocket" si niaisement que ça en devient pénible, je ne peux rien y faire, je ne supporte pas.
N'allez pas croire que je me fais plaisir à démembrer un album plus variété qu'indus pour une fois, il n'en est rien. J'avais comme les geeks boutonneux du premier paragraphe été bluffé par la beauté mélancolique de Felt Mountain et sans présenter une quelconque gêne, la suite du parcours ne me provoqua aucun dégout particulier, plutôt une saine adhésion.

Mais là, faut pas pousser mémé dans le caveau.

Head First tombe la tête la première (ah, joie de ces titres aisément malléables par le vicieux poilu) dans le pire d'une disco passéiste et morte, donnant une coloration ridicule à des titres qui auraient pu intéresser si Will avait mis un peu d'eau dans sa crise de la cinquantaine.
Qualitativement Goldfrapp est (toujours) irréprochable, mais cette nouvelle lubie pousse le bouchon bien trop loin. De la mauvaise dance bien produite reste de la mauvaise dance, et Will Gregory comme Alison Goldfrapp ont joué le jeu à fond sans nuancer le propos. Déjà que Massive Attack n'a pas produit quelque chose d'exceptionnel avec Heligoland cette même année, on pourrait se demander si le trip-hop à sa naissance n'était pas doté dans son cahier des charges d'un avenir limité à 20 ans...
On est au bout du voyage les mecs, remballez tout.

Pensées Nocturnes, Grotesque, 2010

2010-05-19T00:01:00.006+02:00

Il faudrait parfois louer ces voix qui vous chuchotent un nom, à peine audible, mais suffisamment incongru pour s'immiscer dans l'esprit, vous tourmenter jour et nuit, éveiller enfin la curiosité à la simple prononciation de "Pensées Nocturnes". Si le sens critique a tôt fait de remplacer pensée par pollution et derechef d'éditer une pénible boutade, les critères communs se voient ici remisés au placard. Devant le grotesque, ce n'est plus la raison qui se manifeste, mais bien la folie pure.

Grotesque est le mot et le saltimbanque Vaerohn n'aurait pu mieux baptiser cette seconde entité. Il faudrait passer par de larges explications maladroites pour tenter la définition en ligne droite de cette grandiloquente et ridicule tournée des foires à laquelle nous invite le sieur.
Pensées Nocturnes s'est ouvert un curieux chemin où se côtoient le black dépressif et un néoclassique d'opérette de prime abord formidablement... grotesque.

Manipulant avec la même aisance clavecin, cloche tubulaire, cor, célesta, trompette, accordéon, violon, violoncelle et bien d'autres, le clown vagabonde au gré de ses trouvailles, offrant un curieux voyage à qui sera capable de le suivre. L'éclectisme des instruments, tous accordés à des fins curieuses prête à sourire au premier mouvement, rebute, étouffe par tant de bizarreries mêlées.
Lorsque notre hexagonal chef de troupe se prête à l'exercice du chant, c'est pour combiner une improbable tessiture de ténor taché de growlements hideux et sourds. Inutile de vous obliger à aimer vu que même votre primate n'y a toujours pas adhéré dans son entier.

L'intérêt de Grotesque provient de sa folie, de cette folie qui éclate et fait jaillir autour de soi autant de détails que seuls les bouffons notent et exploitent.
Car Vaerohn est bien un bouffon moderne, ingurgitant à la table des Rois tant le baroque que l'intime, le ridicule que le grandiloquent. Ce bouffon qui en exprime une essence aussi forte que déroutante, qui la fait fermenter dans un bain aux eaux sales.
Il n'y a rien de plus dramatique et visuel que cette musique, cette fanfare du "mort-bide", cette caravane qui glane sur la terre des chemins autant de moments stupéfiants et prenants finalement. Le public alentour se gausse, rit, parfois gêné, parfois si aviné qu'il en oublie la nature terrible du vocaliste.

Les sons se voient, et ce voyage dans un pays qui n'existe que dans des cauchemars d'enfant vire à la pellicule d'horreur. De ces soubresauts inconscients que provoquent le suspense, dans ces films où l'on n'attend plus d'être surpris, effrayé à la moindre ombre qui effleure l'objectif.
Vaerohn crée la peur mais lui inocule un ridicule dans sa définition la plus classique. Cet univers aussi vaste rend familier le cirque des horreurs des compatriotes de Trepalium ou bien encore les sombres mélopées d'Artefact, qui s'en trouvent, par la magie des comparaisons hâtives, soudainement plus abordables.
Vaerohn plaisait déjà sans séduire lorsque parut Vacuum, car sonnant trop rudimentaire. Son Grotesque bénéficie d'un autre rang, supérieur bien qu'inégal, mais certainement plus attractif, telles ces vieilles banderoles qui claquent aux flancs des carrioles des forains.

Il serait bien dangereux de juger Grotesque avec les outils rudimentaires du texte et de la syntaxe. Dangereux car ce serait risquer d'avouer sa totale impuissance, ou son parfait manque de déraison. A œuvre incohérente, compréhension imparfaite alors j'en resterai à ces quelques impressions bien peu évidentes à traduire.
Si le résultat déroute par son baroque de bazar et sa propension à la folie, il n'en reste pas moins étrangement attractif.

Artefact, Ruins, 2007

2010-05-16T00:01:00.000+02:00

Je ne me l'explique toujours pas, alors je vous l'expose en les termes que voici : Je n'aime pas le black metal habituellement, et lorsque j'éprouve de la sympathie pour un album, c'est toujours en faisant un gros effort pour ne pas gerber devant le style de vocalises pratiquées. Les growls, ces hurlements de truie m'insupportant souvent et m'empêchant de vouer toute la dévotion dont mon petit cœur est capable au genre ici mentionné. Hormis le chant, les excès de violence me fatiguent vite, m'ennuient. J'apprécie un peu d'air entre deux pelletées de tourbe sur le cercueil et lorsque cela manque, j'étouffe.

Il est alors difficilement explicable que la musique qui me file le plus de sensations actuellement soit justement ce black metal que je décriais à propos de Pestilence (voir ici) ou des essais régressifs de Samael (rigolez là).
Depuis, il se trouve que j'ai fait face à d'autres éléments bien plus convaincants que ces tristes sires. Qui plus est, il ne s'agissait pas de gras Norvégiens à la doudoune en peau de catholique, mais bel et bien de nobles Gaulois. Le critère géographique n'a d'autre intérêt qu'informatif, il n'est pas question d'en établir un avantage ou non sur le reste du monde, c'est une chose dont le primate se fout éperdument.
Non, mais la coïncidence est troublante, car voyez que Hacride, Trepalium, Gojira, Kalisia et d'autres, m'ont tous fait apprécier chacun à leur manière une musique extrême que je fuyais il y a encore quelques années.

Pourtant le chant n'aide pas à s'en faire des potes du lecteur CD effectivement, la sauvagerie est bel et bien présente et parfois servie à grosses louches. Alors ?
Alors il y eut cette patiente analyse, ces heures d'écoute pour chercher au-delà, et rencontrer la réelle essence de cette musique.
Hacride fut probablement celui qui me fit le plus d'effet avec Lazarus, prodigieusement varié et évocateur, un tourbillon qui emporte vos doutes et enflamme votre palpitant. Un choc aussi brutal que délicieux.

Cet album me fit judicieusement revenir sur cette scène black française que je désertais avec prudence jusque là. Revinrent en état de grâce quelques guerriers, et parmi eux Belenos et surtout Artefact.
Ruins illustre à merveille ma pénible étude introductive, dépassant d'une large gueule de goule tout ce que je pus entendre dans ce genre.
Il y a cette mélancolie latente, ces arrangements fins et précis, cette majesté dans la composition.
Il y a cet incroyable Their Cave qui d'entrée vous emporte. Non par sa violence, point de frappes automatiques sur des peaux, encore moins des chœurs de gros porcins en avant, rien de tout cela.
Simplement le plus bel instrumental qu'il m'ait été donné d'entendre depuis moult années, celui qui vous plonge dans l'univers d'Artefact et de son œuvre cette fois-ci consacrée aux ruines et aux mystères qu'elles renferment. Vaste sujet, tout autant que la musique baladeuse que le groupe nous offre.

Il faut ici parler de subtilité, mot semblant hors de propos lors d'une critique de black metal, mais il est ici plus que justifié.
Gargoyles Unleashing qui suit revient d'ailleurs à plus de rapidité, à la grosse voix de rigueur. Pourtant, le travail de nuances, les mélodies fourmillent d'idées, ce black-là ne se limite jamais réellement à son monde de noirceur, évolue et se fait insaisissable.
A tel point que l'on croit écouter deux ou trois morceaux se suivant parfaitement alors que la pièce est bel et bien entière.

Les arpèges espagnols qui ouvrent Medieval Ancestry, mêlant électricité et acoustique dans un ballet enflammé sont tout aussi étonnants, virant ensuite dans des teintes plus médiévales sans jamais manquer de cohérence et de finesse.
Certes, le chant de Runenlyd est conforme aux canons du style, mais il faut apprendre à détacher chaque élément, ou mieux à en accepter l'alliance. Sa voix se fait tolérable, intégrant sans vagues les mélodies, leur donnant ce supplément de crudité et de force.
Le final tout en douceur avec cette guitare unique qui se veut prophète et survole une ultime joute de baguettes est mémorable, concluant le morceau comme il a débuté.

Les chœurs grégoriens qui nous emmènent dans les ruines cathares de Peyrpertuse et Queyribus sur le bien nommé Catharian Ruins précèdent un massacre comme seul Simon de Monfort eut été capable d'en commettre en son temps sur Reverence. Je retrouvais une certaine atmosphère de ces châteaux perdus dans les roches, imprenables et terribles, envahis par la brume qui donnaient aux lieux des énergies mystérieuses. Sans aligner une rapidité d'exécution stupéfiante, Artefact joue principalement sur les breaks et sur l'ambiance pour capter l'auditeur.
Le groupe varie les notes, évoque avec brio la tragédie cathare au travers de la musique et des textes (livret nécessaire, diction complexe oblige...).

Il faudrait aussi évoquer Fountain of Enchantress et sa ligne de guitare, les refrains aux voix claires qui quittent la lourdeur du black pour lorgner vers le gothique. Fatalement, cette respiration surprend et plaît plus aisément. Il faut ici trouver la beauté moins dans le chant que dans la mélodie, élément maladivement peaufiné par Artefact, encore une fois.
Lorsqu'il s'agit de bastonner comme un sourd, chose que le groupe sait parfaitement faire lorsque cela est nécessaire, il y reste toujours un aspect si travaillé que l'art se fait plus délicat que brutal. My Inner Sanctum est de ce bois, magnifié par le piano.

Il ne s'agit pas d'intégrer Ruins d'un premier jet, ce serait une tache plus qu'ardue.
Au fil des écoutes seulement se révèle toute la diversité de cet artefact semblant hors des époques, hors des siècles. Sans artifices aucuns, avec une simple oreille et quelques muscles bien placés. Et ce n'est pas Stellar Winds qui me contredirait...

Il faudrait aussi louer la prestation du claviériste Sephirot qui à l'instar de son collègue d'Adagio se fend d'une petite prouesse. Reprenant les prémices de l'album uniquement armé de son piano, allant jusqu'à en reprendre les breaks et changements de rythme, il donne une surprenante mais courageuse conclusion au monument qu'est Ruins.

Et de deux donc, si Lazarus m'avait ouvert une porte sur un monde que je voulais fuir, Ruins m'y a enfermé quelques heures de plus, afin de savourer une autre facette du black metal, une facette qui s'intéresse plus à la beauté qu'au grand guignol morbide.
Un infra-monde qui dégoûte et attire, et dont il faut entrouvrir la porte pour y découvrir quelques merveilles dans l'obscurité.

Austrian Death Machine, Double Brutal, 2009

2010-05-13T00:01:00.004+02:00

Rions un peu, pas toujours évident dans le monde parfois bien trop cul-serré du metaaaal ! Avec Austrian Death Machine, on en revient à ce potache que je crois nécessaire à l’institution, de par son aspect purement déconneur et frais. Arnold S., gouverneur de Californie de son état et séxagenaire désormais plus ventripotent que musculeux est de retour dans un Double Brutal deux fois plus génial que le premier opus. Et ça cartonne.

Mais expliquons un peu l’idée, car derrière toute déconnade de qualité se cache un concept, aussi simplet soit-il. En 2006, Tim Lambesis, peu intéressé par l’avenir de son petit groupe de neo metal plus que quelconque (As I Lay Dying pour ne pas le nommer), se bourre la gueule et se remet dans la vue la cinématographie complète d’un grand nom du cinoche 'ricain.
Grattage de cul, décapsulage de bière devant les étagères, et notre ami tombe sur Schwarzie, de Terminator au Flic à la maternelle, il se chope tout, ingurgite jusqu’à la nausée et finalement réveillé le lendemain matin, un dvd dans les gencives, Tim décide de poursuivre le délire, Arnold doit mettre en musique sa vie et son œuvre.

Total Brutal sera ce premier pêtage de plomb, un peu bordélique mais amusant, d’autant qu’Arnold y intervient de temps à autre dans des monologues d’une débilité réjouissante. Double Brutal, c’est la version grand écran, le multiplex, avec un Schwarzie encore plus présent. Un énorme bout de rigolade pour anglophones avertis, les autres se frusteront quelque peu.

Tim fait tout, le chant évidemment, mais aussi l'entièreté des instruments, ce qui le fait sauvagement grimper dans mon estime, vu le travail conséquent que cela impose. Schwarzie est lui interprété (bah non, c'est pas le vrai, pfff...) par Chad Ackerman, membre de Destroy The Runner et c'est peu dire qu'il est impeccable dans le rôle.
Cependant, Lambesis s'offre les services d'un guitariste soliste pour chaque titre et pas des manchots globalement, je vous épargne la liste.
Si Total Brutal était drôle sans plus, avec des compositions correctes tout en gardant l'esprit sur Haaarnold et sa vie et son œuvre, Double Brutal peaufine la chose, déconnade plus magistrale et musicalement bien torché.

IL est de retour ! ("I'll be back", révisez vos classiques ou vous allez pas suivre). Toutes les chansons sont inspirées de péloches de notre Governator préféré et ça donne des titres aussi goutus que "I Need Your Clothes, Your Boots, And Your Motorcycle", "Hey Cookie Monster, Nothing Is As Brutal As Neaahh", "Who Is Your Daddy, And What Does He?" , ou encore "Conan, What Is Best In Life?"... En somme, tout un programme.

Ce délire qui s'habille en thrash au sens large (on appelle ça du crossover) défouraille sec tout du long, avec toujours ces apparitions de notre Chad/Schwarzie, jamais à court d'un pêtage de plombs ou de réflexions profondes, Schwarzy qui se fout de la gueule du chanteur, planche sur les riffs, fait subir les pires supplices à Will Smith, lorsqu’il ne fait pas connement rire à ses dépends.

On se rapproche des Frenchies d'Ultravomit dans l'esprit, soit des musicos confirmés qui poussent leur connerie en avant, mais se limiter à un personnage comme le fait Lambesis est autrement plus hilarant.

Le second CD (ça s'appelle pas Double Brutal pour rien) est uniquement composé de covers dont une brillante du Killing is My business... de Megadeth, bien que fort classique. Celle de Judas Priest, Hell bent for leather, ou encore le Trapped Under Ice de Metallica sont toutes aussi recommandables même si peu éloignées des originales. Le T2 Theme en ouverture de cette seconde galette est lui parfaitement tordant.

Si vous cherchez un album à la portée aussi limitée que les vues politiques de Schwarzie (quoique...) et que vous aimez vous marrez en fin de semaine après le dur labeur à l'usine, offrez-vous Double Brutal, vous redemanderez au dessert quelques Cookies Monsters.

The Company Band, The Company Band, 2009

2010-05-10T00:01:00.000+02:00

The Company Band réunit de grands et petits talents de la scène rock/stoner américaine, Brad Davis de Fu Manchu, Neil Fallon de Clutch, Jesse Margera de Cky, James Rota de Fireball Ministry, et Dave Bone de... Dave Bone and the Troublemaker. En soi une belle équipe, tous plus ou moins fameux, mais surtout doués, et la carcasse ayant déjà quelques kilomètres au compteur. Cette association a donné un Ep, puis l'album que voici, ayant oublié l'idée de se limiter à l'instrumental après une tentative d'avec le fort bon chanteur qu'est Neil Fallon. De fait, cet album de Hard Rock moderne et bien foutu aurait du m'exciter grandement mais ce n'est toujours pas le cas au bout de quelques mois. Keskispass?

Effectivement, Neil Fallon a une voix chaude et puissante qui porte, mais l'entendre chanter Zombie Barricades - premier titre de ce disque - me provoque des pincements au niveau des zygomatiques. Le riff de guitare est certes bien balancé mais ne décoiffe vraiment pas. Bref, dès le premier morceau, je sens en moi une féroce incrédulite et je fais ma moue de mécontentement, du moins d'insatisfaction.
L'emmerdant, c'est que je me trouve toujours avec mon balai dans le derrière lorsque la suite surgit, toujours cette impression que c'est bien, mais que je n'y entre pas dans ce disque. Que ce soit avec des pincettes ou au marteau-pilon, en me forçant comme lorsque je dus mettre le maillot de bain de mon petit frère car j'avais oublié le mien et que bon on s'en fout de ma vie.
N'empêche que j'ai pu enfiler ce putain de calbut' de trois tailles en dessous alors que ce skeud, la vache...

Je suis plus réceptif lorsque le son se rapproche du stoner, comme sur Inline Six, mais sans franchement adhérer non plus. Disons que c'est bien mais mou, trop commun aux oreilles. Ah mais j'en avais bavé pour mettre le caleçon du frangin, je dus me contorsionner à m'en exploser les b... pardon.

Hot Topic Woman a un refrain bien sympathique aussi et le sujet devrait me passionner. Pourtant, hormis le gentil solo de gratte de James Rota, je m'ennuie, il était bleu ciel, le maillot.
All's well in Milton Keynes débute avec une forte présence de la basse, mêlant ensuite blues et fond stoner ce qui me fait un peu oublier mon histoire de slip, j'accroche en fait nettement plus lorsque nos compères oublient de se prendre pour Led Zeppelin ou Creedence Clearwater Revival. Lancinant et vaporeux, ce titre me fait enfin de l'effet, con que l'on en soit à la sixième plage et con que la suite me refixe sur cette journée à la plage dans un moule-bites trop petit...

Bon, y'aurait bien Lethe Waters qui sort aussi du lot, cette alliance guitare/basse et le rythme plus lent que la moyenne pour ne pas me faire oublier totalement ce disque dans les prochains mois.
Au risque de me répéter, cette chronique a bien pour but de vous causer de The Company Band, et non pas de blablater sur une histoire de caleçon enfilé à la va-vite derrière un buisson pour tenter de choper une copine hyper canon qui finalement préfère les 'Ricains et les guitaristes musclés/bronzés, donc pas moi. Le genre de mec comme cet enfoiré de Dave Bone qui paie aujourd'hui ma frustration et mes marques de calbut' sur le cul.

Soulfly, Omen, 2010

2010-05-07T00:01:00.003+02:00

Il est toujours difficile d'aborder le cas de l'un sans occulter le cas de l'autre. Aborder Soulfly sans laisser entendre qu'on pleurniche toujours sur la "fin" de Sepultura tient de l'aveuglement inconscient. Votre primate ne s'en ira pas fumer les marguerites et balayer d'un trait cette filiation, ce cordon ombilical qui semble toujours plus tendu mais qui jamais ne casse. Pourtant la sortie d'Omen pose encore une fois la bien douloureuse question, Plutôt Soulfly ou plutôt Sepultura ?

Revenons en 2008, Sepultura nous surprenait avec un A-Lex d'une rare complexité, brutal, qui semblait aller dans des directions nouvelles sous l'égide de ses mentors Kisser et Greene, convaincus que la survie (moins médiatique qu'artistique désormais) passait par l'expérimentation sans limites. De son coté, Soulfly offrait ce qu'on attendait d'eux, du bien costaud et des ambiances tribales comme aux temps sombres, risquant de lasser, mais respectant leur cahier des charges. Cette déchirure qui s'en va béante entre les représentants de la marque Sepultura et les dépositaires de son organe vocal le plus célèbre semblait alors ne plus pouvoir se refermer. L'un comme l'autre confirmant des voies bien différentes, presque opposées.

Qu'en est-il d'Omen ? Il est clair que cet album n'ira pas offrir de pont nouveau pour atteindre la difficile mutation du groupe originel. Soulfly continue lui sur un boulevard fraichement asphalté, lançant ses uppercuts et invectives de façon toujours aussi efficace. Pourtant, Max semble avoir incrusté dans le marbre les quelques remarques concernant Conquer. Bien que ce dernier soit un bon album, la multitude d'intros, d'outros, trop c'était trop (arf...). C'est en partie ce qui donnait cette essence si spéciale au groupe, lui permettant de se démarquer, de s'aérer aussi entre deux gueulantes bien senties.
Sauf que l'agencement parfois mal foutu faisait qu'on commençait à chougner avant même que le vingtième petit break acoustico-tribal ne démarre. Omen semble avancer à poil, plus compact, plus ramassé sur des speederies sans pitié à l'image de l'introductif Bloodbath & Beyond, qui envoie la purée et dit tout en 2 minutes et trente secondes. Donc finies les angoissantes mises en bouche type Blood fire war hate, on va à l'essentiel, mieux, moins bien, pas évident vu que ces deux titres aussi différents soient-ils sont excellents au demeurant.

Cette quête à la simplification n'en est pas une, elle serait plutôt une quête de l'efficacité. Une efficacité qui vire l'inutile et s'arme du nécessaire pour marquer les esprits, et Cavalera nous impose avec succès des boucles électroniques sur Rise of the Fallen, certes discrètes mais bienvenues, même le fort court interlude tribal (l'un des rares sur cet album), estampille de la marque n'en rajoute pas. Greg Puciato de The Dillinger Escape Plan y accompagne Cavalera afin de remplir le quota de featuring inhérent à un disque de Soulfly. Pas tant que ça d'ailleurs, puisque seul Tommy Victor de Prong viendra apporter sa contribution sur le bien bandant Lethal Injection. Soulfly s'en tient a ses propres forces et Omen s'en ressent, moins vadrouilleur, plus personnel.

Efficace mais point basique, Great Depression ne s'interdit pas un superbe solo de guitare heavy à mi-course, s'insérant à merveille dans l'ensemble. Kingdom semble parfois se rapprocher de la martialité du vieux Rammstein, notamment au niveau du refrain, au rythme plus lent. Seule la guitare qui s'envole sur la fin nous rappelle qu'il s'agit bien de Soulfly et que l'on se cogne une de ses meilleures galettes (merde j'ai vendu la mèche).

Alors que Conquer s'étirait en longueur, l'on s'étonne sur Omen d'arriver très rapidement à mi-disque, ce qui coincide avec Jeffrey Dahmer, le fameux cannibale de Milwaukee qui assassina entre 1978 et 1991 dix-sept jeunes hommes dans des conditions pas bien jolies. Il finira par se faire buter en 1994 par un compagnon de cellule se prenant pour Jésus-Christ alors qu'il purgeait sa peine de 957 ans de détention dans le Wisconsin. D'un point de vue musical, c'est nettement costaud mais pas aussi violent que l'on pouvait s'y attendre, Max se faisant entendre parfois nettement, "Jeffrey Dahmer, master cannibaaaal" et balançant ici encore un titre pêchu et entrainant, plus heavy que thrash.

L'hymnique Vulture Culture, la machine à pogos d'Omen, Mega-doom (tout est dans le titre) voire Counter Sabotage qui s'orne de guitares vénimeuses, tout suinte l'addiction à hautes doses. Bien que semblant plus concis, Omen est certainement plus abouti que son long prédécesseur. Cavalera est parvenu à pondre un missile qui ne fait pas de concessions ou si peu. Je passe sous silence le traditionnel Soulfly (le septième...) qui clôt le chapitre, il parvient à être encore plus anecdotique que Soulfly VI, pas mince comme exploit.
D'aucuns pourront regretter ce retour plus frais et simpliste de la musique de Soulfly. Je trouve pour ma part que le groupe y gagne sans y perdre son âme. Loin d'un présage, il s'agit plus d'un fait et les liens d'avec Sepultura s'en trouvent définitivement brisés tant les deux démarches sont contradictoires. Le vaisseau-mère complexifie à l'heure où Max synthétise, ces deux-là prennent la même autoroute mais ne vont vraiment plus dans le même sens...

Sepultura ou Soulfly ? A tout prendre, je garde les deux !

True Symphonic Rockestra, Concerto in True Minor, 2008

2010-05-04T00:01:00.000+02:00

Que les métalleux de l'assistance veuillent bien le reconnaitre. Derrière leurs vestes en jeans dégueulasses, leurs dizaines de patchs aux armes des plus ringards des groupes de heavy, derrière leurs cheveux gras, derrière cette masse corporelle moche se terre une âme d'une grande tendresse, d'une infinie délicatesse. Ce n'est pas votre primate qui le dit, c'est un fait avéré. Les adeptes de musique pesante sont souvent de grands sentimentaux qui occultent cette part naïve d'eux-mêmes en s'éclatant les tympans sur des riffs de tarés.

Les métalleux ont pour nombre d'entre eux assimilé cette faculté à cacher derrière une grosse batterie leur nature de fillette, et c'est curieusement dans cette frange que l'on trouve aussi le plus grand nombre d'adeptes de musique classique.

Les exemples sont légions de cette union supposée sale et qui pourtant n'est que pure logique.

La musique métallique se nourrit principalement de lyrisme (non, je ne déconne pas). Bien que Manowar est des plus beaufs lorsqu'il s'agit d'agiter un stade, il n'en reste pas moins que cette course à la puissance, à la grandiloquence n'a rien à envier au Carmina Burana de Carl Orff ou aux cavalcades de Wagner.
Lorsqu'Apocalyptica ou Rasputina sortent les violoncelles pour nous rejouer du Metallica, du Marylin Manson ou des classiques de l'opéra, cette union contre nature prend tout son sens, des instruments classiques retranscrivent parfaitement cette nécessité de puissance en lui ajoutant la mélancolie de leurs vieux bois. Le trait d'union est ainsi visible.

L'envie d'embellir la plus batârde des chansons de hard rock a donné corps à ces projets parfois fumeux de conjuguer orchestre symphonique et base métallique. On se souviendra sans plaisir des Alive IV de Kiss et du S&M de Metallica, mais le fort bon Moment of Glory de Scorpions ou Deep Purple avec le London Symphonic Orchestra ont prouvé que ces mariages forcés pouvaient donner quelques excellents résultats, dans la mesure où chacun des deux univers ne cherche pas à bouffer l'autre.
Dans un registre nettement plus sombre, le Black symphonique des Cradle Of Filth, Dimmu Borgir et autres parangons de la zique avec vocaux de sangsue repue a ici parfaitement forgé cette unité, au point d'en établir un style propre.

L'orchestre joue son rôle de metteur en scène, installant une atmosphère, tantôt angoissante, tantôt grandiloquente, sur laquelle la base métallique surfe gentiment. La conjuguaison de ces antiquités acoustiques et des furies électriques n'est en rien surprenante car les groupes métalliques ont toujours couru derrière un mystère. Comment produire autant d'émotions, de force et de mélodies avec des instruments électriques, alors qu'Albinoni, Mozart ou Paganini y parvenaient aisément avec des bouts de bois, quelques cuivres et des peaux de lapins, judicieusement utilisés il est vrai.

Si la quête à la puissance fut aisée - suffisait de faire ronfler les amplis et de gueuler près du micro - la mélodicité et l'émotion necessitèrent des recherches nettement plus hardues. Cette recherche, seuls Yngwie J. Malmsteen, influencé par ses maitres à penser Ritchie Blackmore et Gary Moore l'a mené à terme. Créant de fait le néoclassique, imprégnant ses arpèges de litres de sentiments, mêlant sans douleurs le cablé et le pas cablé, l'opéra, la musique de chambre et des lignes de guitares fondamentalement modernes, ce hérault contemporain a démontré que la musique classique était plus un terreau fertile qu'un cimetière.

Lorsque James La Brie, chanteur de Dream Theater a décidé de s'acoquiner avec quelques professeurs de conservatoire frustrés de leur inexistence médiatique, cela a provoqué la grosse rigolade que voici, le True Symphonic Rockestra. Je ne crois pas devoir expliquer plus avant ce pompeux patronyme. J'avance devant vos airs circonspects.
Ca fonctionne pas du tout cette histoire, du moins si on le prend comme un projet sérieux (ça ne peut pas l'être si ?) et surtout si on y cherche quelque chose de comestible (a pas, a plus).

Le coté décontract' est parfaitement tenu par LaBrie qui n'aurait jamais cru sur la tombe du rock qu'on le prendrait un jour pour un ténor. Il y en a qui ne l'ont pas entendu braire ou qui feraient n'importe quoi pour lécher du pass VIP dans leur vie minable, vraiment.
Mais attendez le pire du pire de comment que c'est possible, c'était pas suffisant de coller du rock, du heavy et du classique, meuarf, tout le monde le fait ça. Nan, on va en plus reprendre des standarts éculés du folklore 'ricain et les passer dans cette broyeuse.

Vous avez rêvé d'entendre un jour My way, Singing in the rain, ou America chanté par James LaBrie, le "Rock Ténor", et massacré par un orchestre affublé de batteries et de guitares? Alors votre rêve est exaucé mais vous êtes vraiment un grand malade.
C'est pas faute d'avoir mis à notre James de vrais profs, dont Vladimir Grishko, ministre de la culture d'Ukraine et Thomas Dewald, professeur de chant à l'Université de Mainz en Allemagne. Le reste de la bande se comptant lui aussi dans le monde enseignant.
Kekivapa alors ? Tout.

Moi, Funiculi Funicula ou O Sole Mio arrangé de cette façon, ça passe pas, c'est ainsi, c'est bien trop nul. D'autant plus fou que comme dit précedemment (et là vous comprenez le pourquoi du pompeux monologue de départ), une association de ce type avait tout pour réussir. Elle a en fait ici tout, de fait, mais tout de foiré...
21 titres à vous farcir, si vous prévoyez une soirée déconne sur le thème "Comment dégouter vos amis du Bel canto ?", vous avez ici l'arme ultime, je vous conseille de prendre un peu d'entrainement au préalable.

Deftones, Diamond Eyes, 2010

2010-05-01T00:01:00.004+02:00

Sur toute la durée du parcours, ils ont maintenu un esprit d'équipe, une cohésion qui souffrit naturellement de tensions mais quelques heures de studio et surtout l'aboutissement d'une parution d'album faisaient oublier les querelles. Deftones, c'est une entité à plusieurs cerveaux, n'en déplaise à Chino Moreno. Et lorsqu'un de ces membres se voit écarté de la création, se voit écarté carrément du monde des vivants pour sombrer dans une salle d'attente sans pouvoir bien choisir la porte de sortie, Deftones est perdu.

Chi Cheng, bassiste du groupe est toujours dans un état pas folichon, le corps rempli de tubes après un grave accident de bagnole en novembre 2008 ce qui le fit plonger dans un coma plus que profond. Son cas depuis s'améliore, empire, s'améliore, même si les dernières nouvelles se voulaient rassurantes. Voire, Deftones promettait un nouvel album, Eros, mais sans Chi Cheng, la machine s'est arrêtée.
Fallait-il poursuivre alors que l'on imagine à peine travailler avec un autre que lui, est-ce une question de respect, une question d'amitié ?
Le groupe a choisi de continuer mais pas Eros, remis dans un carton pour une durée déterminée par la retour de leur bassiste. Multipliant les concerts de charité pour Chi, Deftones s'est remis au boulot afin de sortir un autre album, faisant appel à Sergio Vega au poste de bassiste.

Diamond Eyes n'est donc qu'un remplaçant, au même titre que Vega, dans la discographie de Deftones. Et comme souvent, la magie n'opère pas autant. Sombre, il l'est mais dans l'absolu pas beaucoup plus que le Deftones de 2003. Par contre, il s'alimente de la douleur des quatre membres restants qui semblent hurler par tous leurs pores l'incompréhension. Cet album marque un stop dans l'évolution du groupe et cela se ressent immédiatement. Plus décousu, moins affiné, on en revient aux pains en douzaine d'Around the fur, avec un certain manque d'habileté, sauvé par la patte de Deftones.

Diamond Eyes est un excellent album, même en tenant compte du contexte douloureux, il y a de quoi ici maintenir haute l'estime que l'on porte aux Californiens. Cette régression qui n'en est pas une (je m'enfonce je sais) car conservant les moyens et les acquis des dernières parutions est volontaire. Ne voulant pas proposer une copie carbone d'un Eros en attente, le seul chemin possible était un condensé du Deftones "classique", s'en tenir aux éléments caractéristiques de la bande sans chercher beaucoup plus à innover.
Après quelques écoutes, je n'aimais pas Diamond Eyes, manquant d'homogénéité, comme si l'on préparait une pâte sans y adjoindre les oeufs. Un ingrédient manque, on sait lequel.

Il n'est pas question de critiquer Sergio Vega, il n'est en rien coupable et le manque perçu n'est pas une insulte portée à son talent de bassiste. Il s'agit d'un vide émotionnel, d'une tristesse qui a fait reculer l'entièreté de la bande, les laissant un peu idiots, hagards.
L'agressivité presque surfaite de Chino Moreno sur les premiers titres est une des causes de cet avis mitigé. Ici, les Deftones sonnent comme il y a douze ans, sans le panel de nuances qu'ils construisirent au cours des années. Diamond Eyes, Royal, ou Cmnd/Ctrl sont violentes et sans finesse, la conséquente baisse de poids de Moreno n'y étant pas étrangère non plus.

La suite est curieusement plus apaisée et s'ingénue à creuser dans la mélancolie et la souffrance. Une triplette qui joue aux sept erreurs avec la discographie passée, chacun restituant avec plus ou moins de bonheur et en vrac les atmosphères de Deftones, White Pony, Around the fur ou Saturday Night Wrist. Ici encore, le résultat n'est pas exactement à la hauteur espérée. Jamais mauvais, mais toujours avec ce sentiment passéiste, du c'était mieux avant, revenir sur des exploits passés ne servait à rien car Deftones est un groupe qui avance constamment, normalement.

Mais c'est bien dans ses derniers soubresauts que les yeux de diamants voient perler les plus belles larmes. Dès le touchant Sextape, Deftones entre de plain-pied dans ses sujets de prédilection, la souffrance, la détresse. Et c'est finalement ici que l'album est le plus convaincant, le plus touchant. Le groupe n'est jamais aussi marquant que lorsqu'il se laisse aller à s'épancher, à laisser la corde sensible gérer la direction artistique.

De fait, cette dernière partie est clairement la meilleure, plus lente, Chino n'y gueule plus, et se retrouver dans le cocon protecteur que le groupe avait tissé avec Saturday Night Wrist est un vrai soulagement. Notamment sur le simplement beau 976-Evil qui crée autour de soi une ambiance éthérée bien que puissante, une accumulation de vibrations et une usine à sensations dans le cerveau (ok, là je trippe beaucoup trop). Magique comme sait le faire Deftones.
Il resterait à s'agenouiller devant This Place is death qui, les circonstances aidant, tient lieu de vibrant hommage à Chi Cheng.

Il aurait été question d'un autre groupe, Diamond Eyes pouvait aisément se coller comme une excellente surprise voire une révélation. Mais venant de Deftones, la bande de Californiens qui ont habitué leur public à révolutionner leur musique et la musique en général à chaque parution, l'aspect trop hétérogène et la qualité inégale fait de Diamond Eyes un coup de frein brutal.
Sans Chi, point de salut, c'est ce que semblent crier ici les quatre membres restants. En attendant le retour du bassiste originel, ce disque reste si ce n'est un incontournable, du moins un bon album de Deftones ce qui n'est pas peu, finalement.

Cradle Of Filth, Thornography, 2006

2010-04-29T00:01:00.011+02:00

Cradle Of Filth renvoie de manière automatique deux mondes se foutre sur la tronche. Toujours bercée par les sirènes du heavy et les goules du black, la poussette du nain Filth n'en finissait plus de chavirer d'un bord à l'autre, cachant ses faiblesses congénitales par une puissance revigorante et des clips "gentiment" kitchs. Passons sur leurs prestations live vu que je ne me sens pas d'humeur aujourd'hui à rigoler, et misons une paille que je vais aller minauder sur Thornography ? Que nenni, car bien qu'honni par la frange dure (il y a une frange dure de Cradle Of Filth...), cet album parmi les plus heavy et accessibles de notre tas d'ordures est de fait souvent enfourné dans la Technics.

C'est vrai que sur le coup, je l'ai qualifié de merde...
Mais occultant les cris d'horreur autour de moi, je dus reconnaitre la bonne qualité de la chose. Evidemment, Thornography n'a pas honte de tomber dans un heavy maidenien blasphématoire, ce qui peut surprendre le boeuf moyen qui n'a pas écouté Nymphetamine et dont le neurone a du se prendre la déflagration de fort brutale manière.

Niveau orchestral et flonflons, c'est la misère, seule l'introduction qui fait envie mais pas plus s'affuble des oripeaux de Dusk and her Embrace (paluchage de rigueur lorsque l'on prononce le nom de cet album s'il vous plait). Ensuite, c'est pas du black, c'est pas encore de la pop (aaargh, mais en fait si un peu.... aaargh !), c'est un espèce de grey, du métal gris, empruntant sa mélodicité aux parrains du heavy briton et ses mouvements de batterie symbolisant les restes blackisants nécessaires à une bonne promo au Hellfest, de Clisson bien sur!

Destabilisé au premier jet, oui, d'autant que c'est pas le grand jeu niveau compositions et que Cradle Of Filth sans la grandiloquence montre plus aisément ses faiblesses mais aussi sa capacité à muter.
Le groupe s'ouvre et tente, se fout des commentaires des puristes sans sembler clairement chercher la démocratisation à outrance.
Preuve de cette belle tentative "Open Air", l'instrumental Rise of the Pentagram (je commence par la fin oui...) qui conjugue assez habilement guitares heavy, blasts, et jolies atmosphères de l'Orient.
Thornography offre ce fameux cul entre deux chaises qui complique la vie de tout chroniqueur moyen. Les relents de Black avec le bien pêchu Dirge Inferno, pui soudainement quelques molles choses telles que Tonight in Flames (inintéressant) ou le trop complexe pour ma pomme Libertina Grimm que je n'ai toujours pas réellement pigé.

Dans les compromissions qui tiennent la rampe, il faut aller chercher The Byonic Man. Etroite mixture de black, d'indus, et d'autres ingrédients disséminés dans la soupe, c'est la petite prouesse de Thornography. D'autant que notre Dani doit jongler avec un chant clair qui aussi surprenant qu'il soit n'est pas désagréable, il tente d'ailleurs plusieurs fois l'expérience mais faire plus insupportable que ses vocalises de vieille truie serait tache bien complexe il est vrai. A noter que Ville Valo, la belle gueule de HIM vient accompagner notre nain aux longues ratiches pour un duo relativement sympathique.

Le thrashisant I Am the Thorn est lui aussi pas mal et je dois avouer apprécier la mixture en poudre de Cemetery and Sundown, entre brins de pop, black, heavy et thrash, il faudrait arrêter de sniffer la colle en arguant que COF ne cherche pas à innover, c'est assez éloquent là quand méme non ?
La fort choupinette introduction acoustique de Lovesick for Mina nous ramène soudainement à Nymphetamine, The foetus of a new day kicking est lui du pur heavy Priestien période Painkiller. A savourer.
Parlons encore du fort bon Under Huntress Moon et de la rigolote reprise de Heaven 17, Temptation et je rends la copie.

Thornography est inégal et a tout du batârd ingrat coincé entre une belle Nymphetamine et le pavé conceptuel Godspeed on the devil's thunder.
Si se coltiner tel voisinage temporel te fait fatalement passer pour un néant artistique en tube, il y a pourtant là-dedans de petites choses intéressantes qui font tiquer et finalement me font aimer ce bouzin, boiteux, mais attachant.

Guns N' Roses, Appetite For Destruction, 1987

2010-04-26T00:01:00.008+02:00

Comment voulez-vous expliquer ça ? Une bande de semi-clochards parvient en cette année 1987 à ranimer à eux seuls le hard rock. Pas plus, pas moins, un pan entier de la musique leur doit une seconde jeunesse, grace à un disque, un putain de skeud qui semble avoir été bricole par Satan en personne, histoire de dévergonder le Monde connu. Un appétit de destruction, une soif de tout péter, des flingues, des roses et mon tibia dans ta jugulaire, l'Enfer sur Terre, j'en redemande au dessert!

Vous visualisez ce cliché en quatrième de couv' avec cette bande de dégueulasses semblant s'être évadés de la décharge. Il faut forcer sa piété pour voir en eux la renaissance du hard, et pourtant...
Pensez donc que le genre est à cette époque accaparé par toute une bande de tarlouzes maquillées comme des putes, héritage des New York Dolls en plus vicieuses et souvent nettement moins douées. Le glam, c'est le "rock" de cette fin de décennie, le thrash tient les commandes d'un monde quelque peu à part, le heavy reste encore populaire même si l'on sent qu'ils ne passeront pas les années 1990 sur le podium et le reste du rock se teinte de pop et de FM pour racler le plus de thunes possible.

Mais de hard, de ce rock sauvage, méchant, douteux et effrayant, point. Il n'y a plus rien de ces groupes sulfureux qui firent la légende du genre, tous morts, en dépression ou pire, en rédemption du style qu'ils firent naitre presque 20 ans auparavant, tout cela crève, sniffe pour crever plus vite, ou sniffe déjà la terre des caveaux. Rock is dead et on s'en branle.

Puis survient un miracle, un de ces évènements qui ne se produisent que chaque décennie, un Messie descend de son bus sans payer son ticket, se pose devant l'assistance déprimée et leur défouraille un riff, un titre, un album qui balaie d'un coup d'un seul toute la crasse qui vous encombrait.
Appetite for destruction porte la croix sur un fond noir, les Guns portent le deuil du hard rock, l'enterrent fissa en l'espace de Welcome to the jungle, les Guns N'Roses en 1987 sont les fossoyeurs du genre, une grosse branlette dans la fosse. Excessif jusque dans son pendant pictural car la pochette originale de Robert Williams devra se contenter du livret, trop choquante aux yeux de certains. Mais sans interdits, point de provocation, point d'outrages, vive le PRMC, gage de qualité.

12 titres qui semblent ne jamais vouloir vous laisser en paix, 12 perfections remplies de saletés, de coke, de putes et des bas-fonds de Los Angeles, et l'on en redemande.
Vivant, excitant à en faire bomber le jean, Appetite for destruction est autant un testament qu'une profession de foi. Oui, ce f...... album enterre et donne naissance au hard, une nouvelle jeunesse, aussi courte et débridée que ses autres vies, toutes aussi éphémères et brutales.

Un disque comme une éruption acnéique chronique, comme une premiere éjaculation, un disque d'adolescents émêchés, passionnés et donc extrêmes.

Cet album est essentiel car il y va, à l'essentiel, chose que les Guns perdront peu à peu, perturbés par les délires monomaniaques de leur chef en culottes courtes. Mais ici, la mégalomanie n'est pas encore de mise, ce n'est qu'urgence, violence et liberté.
Même lorsque Duff McKagan nous dit de Sweet Child O' Mine que "ça fera toujours une ballade a la con", on s'amuse car mine de rien, elle tient le niveau face à ces 11 petites copines.
Evidemment que ça ne durera pas, et la perfection sale qu'offriront les Guns sur ce disque ne se retrouvera jamais plus ensuite, seulement par bribes, par petits morceaux. Mais il ne fallait pas attendre une autre roquette de ce calibre, c'est le genre de miracle que se produit une fois dans la vie d'un groupe et qui ne se reproduit jamais.

Comme souvent ces premiers albums, bourrés de jeunesse et d'urgence sont voués à rester orphelins de leurs géniteurs devenus bouffis par le succès et les thunes. Loin d'eux, restera à jamais Appetite for destruction, parfaite claque dans la gueule du conformisme et accessoirement le meilleur album de hard rock depuis maintenant près de trois décennies.

Gamma Ray, To the Metal !, 2010

2010-04-23T00:01:00.013+02:00

Mesdames et messieurs, public aimé, bonsoir ! Cette nuit, nous inaugurons avec une joie à peine contenue les Gérard du Metal. Après avoir taché le beau cinéma Français et pire encore nos prestigieuses chaines hertziennes ces dernières années, il était temps de nous consacrer à la musique pour les lourds entre deux piges pour Libération. Il faut avouer pour notre défense que nous l'avons aussi molle que le reste, qu'on a pas grand-chose à foutre en ce moment et que notre nature d'enfoirés a besoin de se nourrir chaque semaine.

Commençons, chers confrères par la remise de la première récompense, Monique, veuillez lire l'intitulé mais je crois que nous avons cette fois-ci un champion qui rafle toutes les catégories, n'est-ce pas Monique ?
_Hanhanhan ui ui, aloooors euuuh, je vais remettre le Gérard du plus mauvais album de speed metal 2010 à :

...To the Metal ! de Gamma Ray ! Bwavo bwavoooo, hiiii !

Merci Monique, ah quelle surprise hein, on l'attendait pas franchement, c'est pas la deuxième année consécutive qu'ils le gagnent d'ailleurs ?
Ah non il y eut aussi Majestic, mais Land of the Free II... C'était pas torché dans le but de gagner un Grammy non plus...
Bon, on me fait signe qu'aucun représentant valide du groupe n'est dans la salle, donc on passe au suivant, Monique, la suite, on enchaîne, on enchaîne !

Alooors, Gérard du chanteur qui a menacé son groupe afin qu'ils baissent de deux tons l'accord des guitares pour pas paraitre à la masse :

Kai Hansen

_Gérard du titre d'album que non là franchement faut pas déconner et que Manowar va porter plainte pour vol :

"To the Metal !"...

_Gérard du morceau avec des petits riffs et des toutes petites speederies :

Shine Forever

_Gérard du gros speed metal qui tache comme on en faisait du temps d'Helloween, sauf qu’on est en 2010 :

All you need to know

_Gérard du morceau pas nul, mais pas bien. Pas nul, hein. Mais pas bien. Mais pas nul pour autant. Mais pas bien non plus. Mais pas nul. Ceci dit, pas bien. Voyez ? :

Empathy

_Gérard du bassiste qui a un nom de maladie vénérienne :

Dirk Schlächter

_Gérard du morceau qui parle d’une meuf qui fait moyennement envie, et du coup le morceau bah c’est pareil :

Mother Angel

_Gérard du titre gay :

No Need to cry

_Gérard du morceau vraisemblablement pompé du Metal Gods de Judas Priest et en moins bien :

To the Metal !

_Gérard du groupe qui continue à faire des disques en toute impunité malgré un CV déjà passablement chargé :

Gamma Ray

Note : (Les intitulés des nominations ont été largement pompés sur ceux des Gérard du cinéma 2010...)

Deep Purple, Machine Head, 1972

2010-04-20T00:01:00.006+02:00

Je poursuis mon petit tour tout de pourpre vêtu avec un classique immortel, celui qu'on ira chercher dans toute bonne compilation poisseuse de Hard rock. Machine Head, album pas si fabuleux selon votre pimate (tranquillisez-vous, je vais expliquer...), sauvé par l'histoire rigolote de son enregistrement. Beaucoup de fumée pour pas tant que cela, en gros, oui, j'ose.

Je suis un sale connard qui critique tout, merci je sais. Déjà, je suis incapable de reproduire avec une guitare le riff Playskool de Smoke on the Water et je me permets d'aller minauder sur Machine Head, qui a dit grosse salope?
Revenons sur l'objet de ce blog qui est de défendre une forme implacable de subjectivité, de sincérité et d'absence totale de profits.
Le Ouistiti se veut sincère, pose ses pêches sur tel ou tel disque et en dit, c'est selon, le plus grand bien, le plus grand mal, et parfois sursaute en de longues phrases sur un écueil, un de ces disques piégeurs qui obligent à utiliser toute la panoplie des moyen, je sais pas, doutes, bof, ptêt ben qu'oui et autres synonymes de "je sais pas quoi en dire de ce machin alors je vais m'etaler et vous verrez pas la manip, bande de glands".

Dans le cas de Machine Head, votre salope (voyez le premier paragaphe) sait de quoi il en retourne et sait de fait que nombreux ne vont pas aimer ce qui suit. Loin d'aller remettre en cause (enfin si un peu...) le culte justifié qu'il provoque depuis plus de 35 ans maintenant, je juge globalement ce disque inférieur au passé et au futur de Deep Purple.

La carrière du groupe est dure à suivre, notamment par le fait que le navire a changé de cap à chaque changement de capitaine. De psychédélique à rock sauvage, de blues à Hard Fm, de soupe à grosse merde, il y en eut des moments glorieux et des fours monumentaux.
Machine Head se colle aisément dans la belle époque, je ne le nie pas, mais je le vois comme un album surestimé à bien des égards. Surestime qui a pour cause un gros coup de pub.

Cours d'histoire, qui n'a pas entendu parler de ce fameux incendie du Casino de Montreux durant un concert de Frank Zappa?
Qui n'a pas lu jusqu'à overdose la fumeuse histoire de Smoke on the water, tellement rabâchée qu'elle ressemble à un scénario de Michael Bay?
Franchement, en lisant récemment le compte-rendu de l'évènement par les membres du groupe, la légende en prend un coup. Le drame vire potache, Zappa en maitre de cérémonie au sang-froid, la fuite de la grand-salle, Blackmore qui regrette l'incident car cela lui a fait perdre l'occasion de se taper des groupies, Gillan qui relate à la façon du Parisien, gag, juste un énorme gag.

Machine Head, ce n'est pas que le riff ultra-débile et génial de Smoke on the water, mais que peut-on retenir d'autre ?
Objectivement (miracle!), Highway star peut se prévaloir d'être un des précurseurs du speed metal (gloire...) et connement le morceau le plus puissant, mortel, énorme, essentiel de ce disque, qui est pourvu d'un solo fou à plus d'un titre, donc va pour le classer dans les tops.

Mais juste derrière, vous avez quoi ? Maybe I'm a Leo, sorte de grosse paresseuse tombant juste après la furie précédente, fondamentalement c'est bon, mais sans plus et surtout impossible à juger après la savate initiale.
Smoke on the water, le riff, le riff ! Mais ensuite, le riff ! Oui mais ensuite, ben... Le riff, putain de riff !
Au même titre qu'Highway to hell, cette chanson ne survit que par son simplisme qu'il fallait certes trouver, mais qui lasse au bout de quelques temps. Bonne école d'apprentissage pour les gratteux, mais se voir réduit à ce statut est un peu rude... En gros, Deep Purple a sorti ici un morceau tellement con qu'il peut être joué par n'importe quel gnard, c'est grandiose ou honteux?

Cependant, il y a ces deux derniers titres. Lazy et les claviers de Jon Lord, Space Truckin' et ses speederies infernales. Ici, rien à salir, tout est en plein dans ce que Deep Purple nous offrait dans la sauvagerie d'In Rock.
Mais finalement, le bilan se veut mitigé, un "tube" facile, un essentiel, deux excellentes démonstrations et trois plages bien ternes à coté. Il n'est pas question de chipoter mais en faisant le tri, Machine Head perd de son aura, chose plus compliquée lorsqu'il s'agit de taper sur In Rock ou Burn, plus cohérents en termes de qualité, moins fameux, connards de critiques de rock, public imbécile.

Machine Head est le genre même du disque qui s'est fait vampiriser par son tube en plastique. Trop facile, trop évident, trop génial en somme, Smoke on the water a éclipsé les morceaux moyens (tant mieux) et fait de l'ombre aux grands coups de marteaux (exception faite de Highway star il est vrai). Mais ce disque sans cette histoire de fumée sur l'eau, que reste-il au fond? Ah oui, il en reste pas grand-chose.

Lorsque j'écoute cet album, je n'en peux plus de cette rengaine, elle me gonfle, tellement entendue, tellement reprise, ras la couenne, stop !! Je la passe parfois, je zappe, et ses sbires mous avec elle.
Grand disque, Machine Head est surtout un support au plus gros coup de pub que le hard rock ait jamais esperé, Smoke on the fuckin' water...
Moi, j'en voyais pourtant un de grand titre sur lequel Blackmore a pourtant toujours craché, When a Blind man Cries, à la hauteur de Child in Time, splendide ballade enfin disponible sur la version remasterisée de 1995. Jusqu'ici, il fallait se chercher l'obscur 45 tours sur lequel elle servait de face B. L'erreur est réparée.

J'arrête là mon pamphlet, il reste de Machine Head une belle introduction au hard rock et un de ces disques essentiels qui ont lancé le mouvement dur dans le monde. Mais putain, arrêtez de nous gonfler avec Smoke on the water, je vous en offrirai dix de celui-là pour un When a Blind man cries, sans déconner.

Periphery, Periphery, 2010

2010-04-17T00:01:00.003+02:00

Vous avez sur le papier des albums qui intriguent, font envie, qui ouvrent l'appétit. Lorsque je vois par exemple un groupe se faire traiter d'expérimental, de jazzy, de Math Metal, de progressif (aïe mais pourquoi pas...) et de Tech metal (ah celui-là vous connaissiez pas hein?), que ses influences comptent Meshuggah, Dream Theater, Mars Volta, Dillinger Escape, Plan, Tool, Deftones, Opeth, Sikth, Ion Dissonance, ou encore Textures, fatalement je m'intéresse.

Le gros clou dans mon pneu plein d'attente, c'est qu'une telle parentèle supposée s'avère souvent fausse ou du moins très peu représentative du contenu réel. C'est un peu le cas pour ce Periphery, américains de leur état et accessoirement membres du Fear Campaign Tour de Fear Factory.
Car si je dois avouer - bien qu'il faille pour cela user de traitements douloureux sur mes parties - que Periphery offre un son teinté de ces multiples maitres à droite et à gauche, l'ensemble souffre de la comparaison. Parfois mystique, parfois brutal, parfois planant, parfois rapide, parfois lourd, et je vous passe la série interminable de couleurs que tripote ce disque, Periphery se trouve souvent très emmerdé avec son trop-plein d'idées, en colle des tonnes partout et on s'y perd.

Doués, ils le sont, des idées ils en ont. Mais d'organisation point, et l'auditeur en quête de simplicité a mille fois le temps de se flinguer où, méthode moins radicale, de remettre ledit disque dans son boitier et de revenir à la préhistoire d'un Ac/Dc.
C'est devenu une sorte de rengaine dans le metal. Etant donné qu'il n'y a plus rien à inventer, plus rien à créer, on mixe, on bidouille, on mêle, on malaxe. Ca donne de la bouillie dont les aliments perdent en saveurs, les goûts se conjuguent et provoquent des nausées.
Periphery est à la périphérie (mouaahahhh...) de trop d'influences et nos compères sont infoutus de faire le tri, laissant cette tache à nous, pauvres victimes de la mort en direct d'un genre en bout de course.

Faisons court (pour une fois, mais là je cuisine et mes spaghettis vont se venger méchamment si je ne les sors pas tout de suite de la casserolle), Periphery est foiré, pas utile, à moins que vous aimiez vous faire du mal.

Judas Priest, Nostradamus, 2008

2010-04-14T00:01:00.006+02:00

Judas Priest qui se lance dans un album conceptuel au crépuscule de son existence, il est peu de dire que ça a divisé le monde en deux catégories et nul doute que Nostradamus avait prédit dans ses agendas tel séisme dans la communauté fanatique du prêtre.
Le ouistiti s'est dit, vicieux qu'il est, que tel pavé nécessitait du temps avant d'en correctement évaluer la valeur, ou l'échec.
En bon singe à l'éducation irréprochable, je ne vous ferai languir plus longtemps via mimiques et chasses au pou, Nostradamus est...

Mais reconnaissons tout d'abord le courage du groupe d'opter pour un long album, conceptuel et symphonique alors qu'il entre avec aisance dans ses quarante années d'exercice au service de la cause.
On pouvait s'attendre à un second best of à la Angel Of Retribution, ou un turbulent du pauvre estampillé fiston ingrat de Painkiller. Au-delà de ces deux échappatoires, il restait l'option de pondre un nouveau coffret collector, à la rigueur chier à la va-vite deux inédits histoire de, mais bon, pas plus.

Mais non, Judas Priest a clairement pris un chemin plus tortueux et long. Courageux, suicidaire, un peu des deux.
Primo, c'est bien notre Metal God qui inquiétait, se faisant vieillot, la voix ne portant plus autant que dans les jeunes années, que faut-il attendre d'Halford désormais?
Deuzio, bien que le concept soit intéressant, il a déjà été largement vu et revu par plus jeunes que nos vétérans. Craintes et doutes emplissent le cerveau du fan moyen.

Mais, que voulez-vous... Serait-ce ma profonde estime pour Judas Priest ou simplement qu'ils se sont bien démerdés, j'ai du mal à critiquer ce Nostradamus, même deux ans plus tard.
J'aime les disques qui dégagent une atmosphère, qui appellent l'attention, et ce disque est de ceux-là. Evidemment que nous sommes loin de Painkiller, de British Steel et autres, nous en sommes à des années-lumières, et franchement tant mieux.

Car cette idée conceptuelle apparamment idiote au départ se justifie finalement. Judas Priest ne pourra jamais plus nous faire du gros heavy, pas non plus de hard rock eighties léché comme c'est pas permis, c'est fini, il faut l'accepter, les Anglais vivent désormais de leurs rentes et de leur légende.

L'espace était cependant permis pour un projet plus ambitieux mais surtout si différent qu'il interdit toute comparaison avec le passé.
L'avantage d'un disque conceptuel tel que Nostradamus est d'abord pour Halford, qui évite ainsi de devoir assurer la légende en gueulant à tout va. Il doit ici travailler sur les nuances, sur les changements de ton, il doit se faire théâtral et si le temps le permet, pousser quelques cris, mais jamais trop.
Intelligent finalement pour le groupe qui se donne encore des airs d'innovation alors qu'on les voyait sur un créneau plus nostalgique. En gros, l'idée est bien pensée sur le papier et cartonne en musique.

Oui, Nostradamus, bien que pourvu de deux galettes est un petit bijou à peine grandiloquent mais surtout superbe. Globalement sage, les quelques speederies qui surgissent y gagnent en force, Halford y est impérial en vieux sage sachant manier son organe sans le maltraiter. Il fait preuve de maitrise en se réservant quelques moments dignes du temps jadis.

Nous n'éprouvons en rien de la peine (enfin pas trop...) pour notre Metal god, on perçoit cela comme une évolution plus qu'une régression.
Il y aurait beaucoup à dire des nombreux titres de l'album, mais si il fallait garder une belle paire du premier disque, ce serait sans conteste le dyptique Sands of time / Pestilence and Plague. Le premier fait office de touchante ballade, la seconde envoie la poudre avec son étonnant refrain en Italien. Dans les deux exercices, Halford se démène avec talent. Citons aussi Death qui suit, lourd morceau heavy angoissant à souhait, ou encore Conquest, son solo infernal et son Halford suprenant. Ce premier disque s'achève, et j'ai envie de mettre le second sans attendre.

Second disque donc, et la magie opère nouvellement, l'agencement des morceaux est excellent, les pistes toutes plus réussies les unes que les autres, un brin plus calme certes. Mais c'est bel et bien le calme avant la tempête.
Car la conclusion est elle dantesque, digne de l'opéra wagnérien, Nostradamus et Future of a Mankind renouent avec la vélocité de Painkiller, Halford s'offre même une poussée d'adrénaline simplement effarante, les riffs de guitares sont infernaux et l'on prend un pied extraordinaire. Tel final ne se pouvait pas? Il se peut, la preuve.

Voyez un peu de mansuétude dans mes propos, car il m'est impossible de taper des deux pieds sur ce bloc imposant. Non par émerveillement aveugle, mais plus par sympathie, par admiration face à un gros taf, non exempt de défauts (longueurs, vocaux parfois justes, creux, trop-plein orchestraux...), mais globalement de haut niveau.
Travailler sur le thème des prophéties de Michel de Notre-Dame était casse-gueule, le groupe s'en sort alors respect avant tout.
Nostradamus n'est pas un four, c'est pas loin d'un chef d'oeuvre, un énorme travail qu'il faut admirer comme tel, car musicalement abouti.
Voire, je l'apprécie encore plus ajourd'hui que deux ans auparavant, preuve dans mon cas que cette bonne cuvée nécessite rester quelques temps en cave avant d'en profiter pleinement.

Si Judas Priest finit sa carrière sur cette note, je ne leur en voudrais pas, car si le risque était grand, le résultat en valait la peine.

Judas Priest, Painkiller, 1990

2010-04-11T00:01:00.005+02:00

"Et toi, à tout prendre tu choisirais quoi comme album ultime, celui à emporter en Enfer dans ton baluchon de pêcheur éternel, un album, pas plus, un qui ferait le lien entre ta vie terrestre maudite à jamais et ta réclusion dans un néant interminable ?

_Oh moi, sans hésiter beaucoup, je prendrais Painkiller..."
What else, comme dirait le beau gosse, quoi d'autre voulez-vous emporter dans le dernier rafiot sur le Styx, quoi d'autre que cette espèce de monument, celui forgé par Odin, et psalmodié par le dieu du métal en personne, en chair et en clou, Rob Halford.

On en a tellement raconté sur ce disque, qu'il ridiculisait tout ce que le heavy avait gerbé depuis deux décennies, qu'Halford n'est pas humain, que Scott Travis tape sa batterie avec des os de Brontosaure loués au British Museum, que Painkiller sera utilisé dans les centres de réanimation en lieu et place de la traditionnelle baffe du médecin-chef.

Tout cela est vrai !

Contons l'histoire d'un dénommé John qui se promène sur Trafalgar Square, écoute son gentil dernier disque de Norah Jones sans penser à mal. Il est heureux John, et lorgne la statue du manchot-unijambiste Amiral Nelson que les pigeons ornent de nouvelles médailles chaque matin.
Soudain, la colonne tremble sur ses fondements et surgit des entrailles de la terre un son affreux, martelage insensé d'un gnome géant sur des peaux de sacrifiés humains, des bretteurs cornus l'entourent et un troll chauve et clouté, non content de tripoter d'obscène manière notre bon amiral lance des cris diaboliques du haut du monument.

John est effrayé, veut se tirer, cherche un taxi, il ne supporte pas ces sons, commence à sentir une envie pressante au niveau du pantalon. Un autre infernal personnage l'en empêche à l'aide d'une grosse basse d'acier, et l'ensère dans ses cordes. Il se dit que c'est la faute de Norah Jones et jette son MP3 ainsi que son portefeuille aux êtres infernaux.

Le chauve, qui semble être le chef se gausse, et après avoir fini de souiller l'amiral, enfourche une énorme Harley Davidson et dévale la colonne non sans contentement.
Et toujours ces cris de goule, ce tapage diurne qui n'en finit plus, notre ami tente de protéger ses oreilles qui saignent, mais ses mains ne lui répondent plus. De longues minutes de cet enfer et les êtres obligent notre pauvre John à les suivre, telle une patrouille de l'Enfer, ils sortent pour ce faire d'énormes flingues, les brandissant sous le nez de leur captif.

Ils pénètrent sous la statue par la brèche qui fume et emplit l'air de soufre, irrespirable, mais la patrouille poursuit ses cris et sa fanfare antéchristique, John a déjà fait deux fois sur lui, et le liquide lui manque désormais, surtout dans cette atmosphère suffocante. Le rebelle de cuir le met en joue maintes fois, par jeu, par provocation, par amusement. Le captif commence à sentir de curieuses sensations en lui, et cela n'a rien à voir avec son caleçon souillé, non. Il commence peu à peu à ressentir autre chose que de la peur, il ressent du plaisir, il sent ses membres se raidir, son palpitant s'accélère, John est excité et amorce d'incontrolables mouvements du cou.

Le métal surchauffé qui s'étale sur les parois tout le long du chemin lui provoque des hallucinations, John perd le sens de la réalité, se délecte de cette puissance dégagée par ses gardiens. La petite troupe chenille dans la nuit artificielle, il se défait de ses vêtements, incommodé par la chaleur, il voit surgir sur sa peau des clous, des chaines lui serrent la taille, son epiderme devient noir et brillant, il crie de terreur, mais cette nouvelle peau le prend totalement, fait corps avec lui.

Se sentant perdu entre le marteau et l'enclume, John s'estime curieusement bien, et redemande de ce traitement infernal, de cette marche sans fin dans des tunnels de feu et de fer.
Comme touché par le démon, John accepte un pacte, essuie des lunettes depuis longtemps disparues et prend la tête de la troupe, brandissant avec force gestes ses oripeaux du Mal, ses gardiens le laissent faire, et poursuivent leur orgie sonore dans cet ailleurs maléfique.
Une bataille hymnique s'opère dans ces souterrains, un dernier coup glorieux avant la remontée.

Puis plus rien.

Il se réveille le lendemain dans son lit, dans sa petite mansion près du musée Tussaud. En sueur, totalement nu, il sort d'un rêve, mauvais rêve certes mais rien de tout cela n'était réel.
Prenant son café décaféiné debout dans sa cuisine, il allume son Ipod afin de s'accompagner durant la pénible séance de transports en commun quotidienne. Des sons horribles sortent de l'appareil, des sons que John connait, tout lui revient, Painkiller ne l'a pas abandonné et le suivra désormais toute sa vie durant. Bref, John est niqué, et il en redemandera, encore et encore.

Metallica, "Black Album", 1991

2010-04-08T00:01:00.004+02:00

Vous aimez dézinguer des mythes ? Moi oui, je me dis que tant qu'à massacrer quelque chose, autant que ce soit le vase Ming de la tante ou les sérigraphies de Picasso du salon. Il faut que ça impressionne non seulement l'entourage afin qu'ils entendent tout votre mal-être et votre besoin maladif de vous faire piger, mais surtout le fait de niquer une oeuvre au prix incalculable vous rassure sur votre propre puissance. Rien ne vous est interdit, tout est possible, même de dire du mal du "Black Album".

Il y a cinq années de cela, je n'aurai certainement pas fait la même diatribe, certainement pas, Dieu me chahute. Non, pour moi comme tant d'autres, ce disque fut une porte d'entrée dans le grand monde bruyant des grosses poum poum, des hiiiii de guitares et des beuglements d'hommes, de vrais, virils et aux grosses boules, bref, des mecs, ouaip.

De fait, j'ai du me choper le "Black Album" avant même d'entendre ne serait-ce qu'un extrait de Ride The Lightning ou encore Master of Puppets. Blasphème ? Soyons francs, les pas encore trentenaires de l'assistance l'avoueront, Metallica, c'était le "Black Album" et... des trucs avant mais on connaissait pas trop.

Depuis, j'ai refait mon éducation merci, je me sens mieux, en paix avec moi-même, et je peux discerner désormais correctement un album de Kyo et un de Killing Joke, ce qui est une belle avancée dans ma rééducation, dixit mon psy en m'arrachant le chèque des mains.

Puis aujourd'hui, jeudi o8 avril 2010, je me remets ce fameux "Black Album", symbole éternel de ma folle jeunesse passée à lutter contre l'acnée et à chasser les filles les moins farouches et, croyez-le ou non, j'ai trouvé ça chiant.

Je sais, ce que je dis est mal, douteux, insensé, blasphématoire etc., mais il n'empêche que je me suis surpris à m'emmerder sévère, aussi bien sur Enter Sandman que sur Sad but True, la tuile, je me sens miteux mais c'est ainsi.

Alors, je poursuis bien entendu, il est IMPOSSIBLE de ne pas aimer, que dis-je, aduler ce disque. Vient The Unforgiven et là, bon, elle me touche toujours autant cette ballade, rassuré le primate, ce ne peut être qu'une fatigue passagère, une chute de tension, le fait que ma femme se soit absentée trois jours, non ce ne peut être qu'un sursaut idiot de l'inconscient, ma ferveur religieuse pour Metallica va revenir, c'est certain.

Mais passée l'accalmie de The Unforgiven, et bien que l'introduction de Wherever I may roam démarre, continue dans ma tête cet étrange ballet de neurones qui se choquent et me font dire que décidement je me lasse et m'agace. Je trouve tout cela effroyablement mou, lent et finalement très quelconque. Pire, je trouve une étrange similitude entre The god That Failed et le court Down Patrol du camarade Mustaine paru un an auparavant, diantre que je suis vil et sournois.
Mais que m'arrive t'il, cela ne peut pas être possible, c'est inconcevable de ne PAS aimer un disque qui fit le bonheur de.... De qui au fait ?

Mais quel public a remeuté le groupe avec ce disque? Des non fans de metal, des jeunes pas vraiment au fait de la technicité d'un solo de guitare, attirés par l'essence easy listening de ce Metallica gentiment méchant, gentiment sulfureux mais suffisamment peu pour effrayer le moins de monde possible.

Attention, cela reste un grand album, ne me jugez pas irrespectueux gratuitement, mais ce qui est le plus réussi là-dessus, ce sont finalement les ballades, The Unforgiven et Nothing Else Matters restent grandioses. Quant au reste... Est-ce vraiment cela le Metallica vindicatif et hargneux que l'on espérait? Pensez que Megadeth sortait un an auparavant Rust In Peace, pur joyau de thrash metal, loin de la facilité un peu niaise que comporte ce "Black Album". Voire, les morceaux les plus bruyants semblent sortir de vieux cartons mal fermés, histoire de se donner une allure, encore un peu...

Peut-être aujourd'hui est-il temps de se décrasser les oreilles, en constatant que non, je n'aime pas vraiment ce "Black Album", trop fade et trop gentillet. Envie de choquer la masse?
Possible, mais je ne le crois pas, un tel disque fait illusion quelques années, l'on se conforte dans l'idée qu'il est parfait car vous lirez 300 chroniques dythirambiques sur lui, mais qu'au fond, et objectivement parlant, il est moyen, tel un bon petit album de heavy soft, rien de plus.

Maintenant, vous pouvez tirer.

Orphaned Land, The Never Ending Way of Orwarrior, 2010

2010-04-05T00:01:00.003+02:00

De façon cyclique, le ouistiti attend un album. Non, pas un album, il patiente assis sur la queue une révélation, un choc auditif qui lui fait oublier une pelletée malheureuse de disques miteux, de vieux groupes déclinants, d’inutiles erstaz en piles de douze. Pour 2010, j’attendais Orphaned Land, la venue de mon messie venu apporter la lumière sur mes étageres. C’est probablement la sortie que je convoitais avec le plus de gourmandise, d’envie, d’attente. Cet amas de sons lointains, d’envoûtements, mes progeux de la Terre Sainte ne m’ont pas déçus.

Et j’en attendais beaucoup je vous l’avoue, après ce que Mabool m’avait fait il y a de cela six années (six putains de longues années). Orphaned Land n’a d’ailleurs pas revu sa copie, il l’a simplement peaufiné, perfectionné, embellit avec une élégance rare. J’aime Orphaned Land pour cette association magique entre ces saveurs désertiques et ce son métallique si abouti. J’aime Orphaned Land pour sa capacité à créer des univers aussi distincts que sensés.
Rien n’est plus décevant de voir un groupe jusqu’ici irréprochable revenir à la case départ par un grave manque d’inspiration. Samael, Paradise Lost dans une moindre mesure sont récemment passés par ces écueils inévitables (voir ici et ici). Les Israéliens ne semblent pas encore tombés dans ces travers, preuve en est de la richesse mélodique étourdissante de leur nouvel enfant.

A l’instar de Mabool, ce nouveau bijou relate une histoire, celle d’un Guerrier de Lumière et retrace sa vie, tant spirituelle que quotidienne. Le guitariste Matti Svatizky l’explique comme suit lors d’une interview au webzine Nightfall In Metal Earth : « Il relate l’histoire d’un combattant de lumière (OR signifie lumière en hébreux). Le récit s’articule autour de la vie de ce guerrier, avec trois parties consistant en trois phases majeures de son existence. La première concerne le guerrier en tant que personne, la seconde s’attache à celui-ci en tant que guerrier en devenir de lumière avec le désir de combattre pour le Bien, et la troisième traite de l’apport par ce guerrier de la parole de lumière au peuple, celle-ci exposant la guerre entre la lumière et l’obscurité.»

D’aucuns ne vont pas aimer, non pas au niveau de l’histoire, ni au niveau de la musique en elle-même, mais bien à propos de la production. Claire, très "européenne", on pourra lui reprocher de trop faire sonner le groupe comme du Opeth ou du Dream Theater, d’autant qu’Orphaned Land est globalement moins costaud que les deux précités.
Rien de grave honnêtement et le son reste propre aux Israéliens, n’empêche que l’amateur de saveurs orientales pourra (un peu) grogner.

Passons et commençons par Sapari, une ode traditionnelle à peine retouchée qui lance ce nouveau conte comme l’étoile du Sud nous guide dans le désert. Loin de vaines joutes progressives, Orphaned Land ne se perd que rarement dans de la masturbation de manche inutile, l’essentiel est toujours atteint, et les virages audibles sont toujours pris dans le bon sens, donnant matière aux titres, ne les desservant jamais.
Les growls dont je vous sais particulièrement friands disparaissent aux profits de voix plus claires ou d’ambiances plus sombres. Orphaned Land tourne peu à peu le dos à ses origines bruitistes, et le métal s’évapore.
La présence discrète de Steven Wilson (Porcupine Tree, No Man, etc.) qui officie d’ailleurs aux claviers sur certains titres semble tirer le groupe vers plus de recherche. Cela s’ajoutant à un univers déjà fort atypique.

D’albums en albums, la progression est constante, et Orphaned Land sait désormais parfaitement doser le metal des origines avec ses traditions et les coutumes qu’ils nous font partager de par leur musique. Relativement long, ce conte du troisième millénaire envoûte mais pas directement. Il faut pénétrer cet univers comme l’on entre en croisade, avec la foi dans le vide-poches et la curiosité qui se mêle au cérumen de vos oreilles.
Les mélodies sont comme souvent particulièrement travaillées et de fait splendides, le dyptique The Path qui avoisine les 16 minutes à lui tout seul est magique. Simplement... magique.

Le but est atteint, le voyage a commencé. Je ne saurai dire si cet album est plus ou moins bon que ses prédécesseurs, il vous faudra accepter la longueur importante de l’ensemble, chose classique chez nos amis, et surtout cette production très léchée qui pourra énerver les partisans de la première heure.
Mais hormis ces quelques détails, Orphaned Land peut faire démentir leurs détracteurs, ils ont tout d’un grand groupe et le démontrent chaque fois plus brillamment. Attention a ce qu'ils conservent toute leur singularité, leur vraie force en somme.

W.A.S.P., The Headless Children, 1989

2010-04-02T00:01:00.005+02:00

Jusqu'ici, W.A.S.P. est sale, bête et méchant, une confrérie de brutaux hideux, adeptes de l'efficacité basique et du tirage de poils de culs pour exciter le passant. Bas de plafond, provocateurs pour faire vendre leurs petits brûlots. Et mine de rien, l'enfant sans tête prend conscience à l'aube des années 90 qu'il a mieux à proposer, que l'avenir de sa bande de dégénérés passe par une mue conséquente. Bien lui en a pris.

Jusqu'ici donc, W.A.S.P. se limite, se restreint dans son personnage de monstre de foire que l'on écoute sans l'admirer toutefois, que l'on regarde comme une bête curieuse échappée d'un quelconque zoo suburbain. Non pas qu'ils soient crétins, mais après un premier album s'apparentant à un uppercut dans le foie du Seigneur tout puissant, les suivants semblaient des pichenettes de sales gosses, enfoncés dans les mêmes rengaines qui à force, lassent.
Ajoutons à cela les sempiternelles accusations et menaces de bûcher sur la place publique, c'en est trop pour notre Blackie Lawless qui opère un virage important.

Le line-up waspien ne brillera jamais par sa stabilité, mais le changement le plus notable sera l'arrivée de Frankie Banali (Quiet Riot) au poste de batteur.
Plus technique, plus puissant aussi, cette recrue va imposer son jeu au reste du groupe et d'une certaine manière faire passer W.A.S.P. dans une autre sphère.

Sans toutefois mettre au placard ce sens du tube immédiat qui fit le succès de la bande, Blackie impose désormais de nouvelles obligations. Arrêt des conneries et de la redite, maintenant les mecs on passe au niveau supérieur, on arrange, on améliore, on fait mieux, on devient bankable et on vous emmerde.

Ce changement de cap, classique somme toute est une vraie surprise, mais le résultat est plus que brillant.
The Heretic est la réponse pleine de fiel et d'élégance de Blackie aux méprisants, l'angoisse suinte, de vagues choeurs fantômatiques se font entendre, puis Banali fait le boulot pour lequel il est payé, assommer le chaland qui doute, W.A.S.P. a changé, W.A.S.P. est plus puissant, plus "classe", plus mélodique, plus fouillé, plus fin.

La reprise des Who, The real me poursuit dans cette revisite du monde waspien, le groupe a des références, le fait savoir, et rend hommage, l'on saura ce qu'il adviendra de cette passion pour Roger Daltrey, Townsend & Co dans les années qui viendront...
Vient d'ailleurs le coup du maitre avec The Headless Children, l'introduction qui vire au mythique, angoissante en diable, parsemée de bruitages sauvages et malsains, la batterie qui tient le rythme, se pose, laissant les claviers entamer la bête et Holmes s'agite sur sa guitare pour lancer ce qui est probablement l'un des plus grands morceaux de heavy de tous les temps.

Blackie Lawless y est prodigieux dans ses vocaux (comme toujours), éternellement vicieux, prodigieux et singulier à la fois, sa performance me touche toujours jusqu'au scrotum tant ce timbre me tourmente et m'émeut.
Les claviers ont pris une grande importance dans la musique du groupe, j'en prends pour preuve l'introduction de Thunderhead qui n'offre pas moins d'une minute de solo de clavier.

Mean Man est le titre le plus proche de l'ancien W.A.S.P., celui de The Last Command. Batterie rapide mais sans finesse, parties vocales typiques du genre, bon comme l'on aime le groupe avec le refrain toujours aussi jouissif et rentre-dedans.
Le superbe Mephisto Waltz, instrumental de près d'une minute et demie est sincèrement touchant, conjuguant les guitares d'Holmes et de Lawless dans une belle complainte, annonçant de fait la power ballade Forever Free, le tube/single du disque.

Loin d'un Sleeping (in the fire), Forever Free apparait comme plus FM que réellement heavy aux premiers abords. Elle n'en est pas moins réussie et Blackie sait parfaitement adapter ses vocalises à cet exercice de style. Typiquement années 80, on pourra y percevoir un peu de ringardise vu de notre glorieux XXIème siecle. Le refrain de fait vous confirmera la date de parution du bouzin, mais attendez 2 minutes 15 et le solo de guitare qui vous prend par derrière sans prévenir, Blackie qui hausse le ton et envoie valdinguer la supposée ringardise de la minute précédente, les soli majestueux, le final acoustique, cette batterie qui revient lancer le refrain et là, oui, W.A.S.P. a changé.

Maneater et Rebel in the FDG achèvent la transformation, rentre-dedans mais bien foutus, ils finalisent la transition de belle manière.

Le groupe change d'époque et Blackie Lawless pense au futur, Chris Holmes s'en ira, trop bourré, trop dingue pour piger que le groupe doit évoluer ou mourir. Mais peu importe, Bruce Kulick viendra, Banali restera et Stet Howland ira apporter sa pierre au grand édifice qui se prépare. The Crimson Idol sera développé grâce au travail effectué sur cet album charnière et démontrera le talent de compositeur déjà ici incontestable de Lawless.

Si vous cherchez l'album qui assure à la perfection le mélange entre la folie des premiers temps et la maturité à venir, c'est The Headless Children qu'il faut aller chercher.

P.S. : Une réédition propose quelques faces B de tout premier ordre, étonnamment bonnes et avec le son propre au Crimson Idol, essayez de vous procurer cette version, les titres qui y figurent, que ce soit For Whom the bell tolls, ou encore Lake of fools sont énormes.

Gorillaz, Plastic Beach, 2010

2010-03-30T00:01:00.004+02:00

J'y ai mis le temps mais je peux aujourd'hui donner mon impression sur ce Plastic Beach. Pas facile car comme à chaque fois, il faut en passer par des doutes sur une éventuelle grosse vague de fumisterie, l'aspect désagréablement pédant et supérieur du gang et surpasser le coté tube en carton que traine Gorillaz depuis ses débuts. Constat? Ce dernier rejeton sent le début de la fin.

Mouais, c'est mon impression, mouais, facile, lassant, ennuyeux et je vous passe le dico des synonymes. Malgré de bonnes idées hélas diluées dans un océan de fadeur, j'ai ramé pour chercher quelques trucs accrocheurs dans un aussi gros paquet.
Le featuring à tous crins devenant marque de fabrique a trouvé ici ses limites, le tourmenté Murdoc ayant la main lourde sur tout ce qui concerne le groupe, on sent d'une part que les guests ne sont que de gentils invités mais qu'il est hors de question qu'ils manipulent la porcelaine et d'autre part que Damon Albarn est de plus en plus vague dans le processus créatif.

Voire, ses interventions sont souvent anecdotiques et, malchance ou cruel constat, elles coincident avec les titres les plus faibles, notamment On Melancholy Hill, dispensable et Broken, vraiment nul. On sent que le monsieur, fort occupé récemment avec son opéra, ses collaborations annexes n'a plus envie. Gorillaz semble pour lui terminé depuis Demon Days et dans un certain sens, on soutient.

Déjà commencer par un instrumental de plus de cinq minutes refroidit grave, certes bien foutu et annonçant une production énorme, plus grandiloquente que sur ses grands frères. Gorillaz annonce que le son a evolué vers plus de complexité et que les bidouillages dans la cave font partie du passé, dommage. Car le coté bricoleur était de fait l'aspect le plus sympathique de ce projet.

La suite est partagée entre du passable et de l'inutile, sauvée par quelques gros morceaux souvent très orientés dance floor. Nul doute que les machines à remixer vont s'éclater dans les prochains mois, quant à nous...
Rhinestone Eyes, l'excellent Stylo (dont le clip profite de la prestation de Bruce Willis Himself), Empire Ants, Glitter Freeze sortent de la masse, mais le reste ne provoque que peu de réactions.

Si les interventions des invités sont souvent justes, et que la présence de gros poissons tels que Paul Simonon et Mick Jones (première collaboration depuis la fin des Clash), mais aussi De La Soul (mal employé dans le secondaire Superjelly Fish), Bobby Womack, Snoop Dog, Lou Reed et j'en passe sont intéressantes, elles ne sauvent pas l'ile de l'isolement.

Gorillaz semble arriver à la fin de son développement, incapable de reproduire les petites perles de jadis, justifiant finalement sa réputation hautaine, il serait temps de stopper la machine. On frise un peu le ridicule, attention de ne pas y tomber carrément.

The Mars Volta, Octahedron, 2009

2010-03-27T00:01:00.002+01:00

The Mars Volta nous l'avait promis, ils allaient se mettre à l'acoustique. Ouais, nos timbrés congénitaux allaient se calmer, remettre les pilules dans la pharmacie de maman et se coller au coin du feu, peaux de bêtes sous les miches à siroter de la thisane. Ils allaient se repasser les plus beaux MTV Unplugged jamais filmés, ceux d'Alice In Chains, ceux de Nirvana, ceux de Shakira tiens ! Au risque de vous décevoir (ou non?), The Mars Volta ne s'est pas débranché. Par contre, ils ont encore changé d'embranchements.

Oubliez Bedlam In Goliath, oubliez même Frances The Mute. Je vous laisse quelques instants pour dégager ces références de vos cerveaux. Bien, maintenant, mettez Octahedron dans vos platines...

AAAAAHHHH, c'est pas The Mars Volta, c'est tout lent c'est tout mou, ils sont où les breaks toutes les secondes et les cris de porc de Cedric Bixler-Zavala? Beh, y'en a pas.
Rien de rien, si The Mars Volta n'a pas suivi à la lettre le principe de l'acoustique (c'eut été surprenant qu'ils suivent une règle une fois dans leur carrière...), ils ont cependant bel et bien ouvert avec cet album une nouvelle porte dans leur gloubiboulga progo-enragé.

Certainement plus sage, faisant plus que de coutume appel à des structures de chansons compréhensible par le plus con des membres du conservatoire, The Mars Volta a nouvellement viré sa cutie le temps de ce disque singulier, appelant plus aux ambiances floydiennes (Porcupine Tree un peu aussi) qu'aux arrachements de doigts sur cordes en acier, il y a une forme d'apaisement salvateur dans cet Octahedron.
Entendez-moi bien, j'ai toujours apprecié ce groupe pour son caractère particulier mais je suis de ceux qui s'emmerdent devant trop de complexité. Une, deux écoutes et l'épuisement me guette, la frustration me tire une balle. Parce que pas adapté à n'importe quel moment de la vie quotidienne, demandant une forme d'entrainement préalable, Je n'en écoute que rarement de leurs trésors loufoques.

Alors comprenez ma joie devant un album soudainement plus adapté à mes oreilles en quête de calme sans perdre de vue un nécessaire besoin de qualité et de curiosité.

Octahedron assimile bien cette volonté, cherchant moins à écraser qu'à s'ouvrir à une candeur qu'on ne leur connaissait que trop peu.
En cela, Since we've been wrong est bien du Mars Volta, mais ralenti, repensé, et finalement réussi.
On peut penser à Opeth et son très bon Damnation, mais cette capacité à modifier son univers sans perdre toute sa particularité est un fait propre à Mars Volta. Teflon est plus mouvementé sans jamais prendre la tengente, le groupe suit cette nouvelle voie et de fait y accomplit une performance.

Après quelques aspects planants et immenséments destressants, Cotopaxi sert d'échappatoire furieuse, guitares qui se la jouent groovy et rythme qui augmente de conséquente manière. Sans se montrer aussi incompréhensible qu'auparavant, ce titre nous présente un Mars Volta curieusement accessible sans jamais verser dans une facilité qui ne leur collerait pas aux poils.
Cotopaxi est la goutte de rage dans une mer d'huile car Desperate Graves ou le très "cool" Copernicus nous remettent immédiatement dans cette torpeur accrocheuse qu'ils manipulent si aisément ici.

Seul le final de Luciform (la huitième et dernière piste, d'où le titre de la galette), prouesse pianistique sous acides semble indiquer qu'Octahedron ne sera jamais qu'une parenthèse dans la discographie du groupe. Une fort belle parenthèse à mon humble avis.

Slash, Slash, 2010

2010-03-24T00:01:00.003+01:00

J'étais fasciné par Slash, son look, son chapeau haut de forme et ses poses de muet jemenfoutiste faisaient de lui une de mes références dans le monde déglingué du hard US. Loin d'Axl Rose que je trouvais d'une laideur remarquable, Slash faisait office de caution esthétique et musicale au sein des Guns N' Roses. La réalité diffère de cette impression mais disons que Slash fut une de mes idoles de jeunesse, plus que le groupe finalement.

Après avoir suivi sans passion les divers projets de notre guitariste à chapeau, je me retrouve aujourd'hui avec cette cuvée 2010, remplie à ras bord de featuring, prompt à déglinguer un Gorillaz pourtant spécialiste de la méthode.

On sait que Slash a des potes dans le milieu musical, mais avant même d'entendre cet album, il faut s'agenouiller devant une telle tripotée de stars. Touchant à peu près tout ce que le rock a engendré de bon dans les trente dernières années (voire plus), la somme de guests assomme le petit auditeur, émerveillé par tant d'étoiles. Il est clair que rameuter le gratin n'évite pas le four (haha...) mais ne cherchez pas plus loin, ce Slash 2010 est énorme.

Il fallait s'attendre à une palette très étendue au vu des voix distinctes présentes, et Slash me gate lorsqu'il permet au grand Ian Astbury (The Cult, Riders on The Storm...) d'entamer les hostilités avec un Ghost qui mêle avec talent l'esprit Cultien (ligne de basse) et l'énergie d'un Aerosmith (guitare vénimeuse, groovy, ah bordel ça commence bien cette affaire les enfants).

Astbury, c'est une voix injustement sous-estimée, allez je vous en causerai de The Cult.

Slash dès le départ adopte la position de l'hôte de bonne compagnie, présent mais laissant une large part de la devanture aux invités.
C'est un constat qui se vérifie au fur et à mesure que les titres passent, Slash s'adapte aux genres de prédilection de ses stars et le résultat s'en ressent, confirmant le talent du personnage et mettant en valeur le Hall Of Fame étoilé 5/5.

Ozzy Osbourne vient lui aussi pousser la chansonnette, avec une très belle power ballade où la voix trafiquée du corbeau touche encore, certes aussi épuisée que ses neurones, mais il est patent que Crucify the Dead ne dénoterait pas sur un album Ozzyen.

Fergie des Black Eyed Peas entre en piste, Slash se la joue Tom Morello avec un incroyable mimétisme, refrain puissant, guitares qui partent dans tous les sens et Fergie qui rockise à tout va est un véritable plaisir pour les oreilles. Du coup, j'ai envie d'écouter le dernier album de Black Eyes Peas, ah les salauds.
Jusqu'ici c'est le carton plein, cet album me botte au-delà de mes espérances les plus folles, et ce n'est pas le blues enragé de Back from Cali avec un Miles Kennedy impérial qui me fera démentir. D'autant que le refrain rappellera au niveau de la voix un certain Rose Axl et ce petit détail donne encore un peu plus de piment au résultat final.

Chris Cornell sur Promise, notre pauvre Cornell qui après ses virées borderline d'avec Timbaland confirme que le timbre est aussi vivace que sa carrière est morte. De fait, Promise est plus mélancolique et plus sombre que les premières pistes, Slash se fond dans le décor en jetant sur la guitare des notes toutes plus magiques les unes que les autres. Promise surprend moins sans être mauvais toutefois, même si il crée une rupture (belle rupture !) dans le tracklisting.

On entre de fait dans un petit ventre mou, soit des titres plus calmes mais des collaborations toujours de premier plan puisque c'est le grand Andrew Stockdale de Wolfmother qui pousse sa voix sur le beau By the sword. Touchant, rock jusqu'au bout des notes, Stockdale est grand sur le refrain qui semble sorti du placard des années 80. Slash en profite pour un petit solo d'une grande finesse sur la fin, et c'est peu dire que le bonhomme sait encore toucher les cordes sensibles.

Gotten débute d'indentique maniere, acoustique et calme, avec Adam Levine qui emplit l'air de sa délicate voix de tête. Ballade sentimentale, Gotten est le point culminant de ces titres plus sages au milieu du disque, il n'en est pas moins intéressant et l'on laisse Levine oeuvrer à sa guise. Cela ne durera pas, la guerre reprend vite.

Lemmy Kilmister se charge de foutre le feu sur le très Rock n' Roll Doctor Alibi, moins métallique que chez Motörhead, plus proche des années 70, ce Lemmy/Slash est bien catchy comme il se doit, et c'est un bonheur de revoir notre vieille outre à Jack Daniels se faire plaisir de cette manière.

Autres vieilles connaissances en la personne de Dave Grohl aux fûts et Duff Mc Kagan à la basse pour un instrumental. Directement, le son fait plus lourd et métallique, Grohl nous offre sa frappe lourde et si particulière alors que Duff et Slash entament une joute de cordes en premier plan. Monstrueux est le terme qui me semble le plus juste, tant la somme de ces trois personnages offre du prodigieux, donnant de fait envie d'en entendre plus. Slash s'offre nouvellement un peu de temps pour s'exprimer et c'est bandant.

Je n'ai pas fini, Kid Rock sur I Hold on, de bonne facture, Nothing to say avec le M. Shadows d'Avenged Sevenfold est un autre titre bien rapide et cru qui fait grandement plaisir, Starlight qui revoit Myles Kennedy en patriarche avec un beau morceau de blues. Nouvelle cure de tranquillité avec l'arrache-larmes Saint is a sinner too feat. Rocco Deluca.
Puis vient un de ces petits cadeaux qui font du bien, en la personne d'Iggy Pop sur le final We're all Gonna die. Après la pluie de pépites précédente, je me surprends à être encore émerveillé par cette prestation, Iggy et Slash, ça fonctionne, Iggy retrouvant ses vertes années au contact de la gratte du chapelier, on aime, on adore, on adule, c'est bon.

Mais vous ais-je parlé des suppléments ? Non? Grave erreur, car l'on retrouve une version dantesque de Paradise City revue et corrigée par Cypress Hill et Fergie, hallucinante revisite qui sans dénaturer l'originale est un vrai feu d'artifice, Fergie y est impeccable, Slash prend un pied extraordinaire, et Cypress Hill donne autant de fiel au morceau que le fit en son temps le coléreux Axl.
A coté de ce superbe bonus, Baby can't drive qui voit Alice Cooper rockiser à tout va accompagné de Nicole Scherzinger ne démérite pas, pas plus que Koshi Inaba sur Sahara, citons le fort mouvementé Chains & Shackles ou le poignant Mother Maria.

Je ne partais pas pour vous faire du track by track, mais le coup fut gros dans les oreilles de votre ouistiti. Sans s'attendre à une bouse immonde, je ne pensais pas trouver autant de tubes intemporels (je n'exagère pas...) sur un même disque pourtant bien rempli, soit 19 titres en comptant les bonus.
Slash y prouve non seulement qu'il a des potes mais bien qu'il est un guitariste capable de s'adapter à tous les styles, collant au plus près aux univers de chacun de ses invités, les faisant briller de par son touché de gratte. Cet album est un festival, un de ces disques qui vont longuement squatter le lecteur de ceux qui s'offriront cette belle surprise de mon guitar héro préféré. Certes, il y a peut-être beaucoup de titres et l'on peut s'y perdre, mais ce serait faire la fine bouche franchement.

Meilleur album de 2010 pour le moment, sans problèmes.

Blind Guardian, Nightfall in Middle Earth, 1998

2010-03-21T00:01:00.005+01:00

Si Blind Guardian a pour bible la bibliographie de J.R.R. Tolkien, les métalleux ont pour bible la discographie de Blind Guardian. J'exagère évidemment, nul doute que nombre d'entre les passionnés de musique épaisse ne peuvent supporter ces Allemands hypersoniques qui font de contes surnaturels leur pain quotidien. N'empêche, je vous invite à poser les oreilles près de Nightfall in Middle Earth, et osez ensuite m'avouer que ça ne vous a pas fait un petit effet là où je pense.

Ca remue ? Into The Storm, où comment transcrire le chaos d'un champ de bataille avec vous dans le rôle du héros chargé de dépecer de l'orque à coups de hachoir, le gardien tout aveugle qu'il est sait parfaitement vous mettre dans l'ambiance.

Pourquoi Nightfall in Metal Earth est-il aussi bien considéré, même 12 ans après sa sortie?

Pas spécialement pour son histoire, qui comme souvent chez Blind Guardian a été inspiré des oeuvres de Tolkien (ici le Silmarillon), moins encore pour le style musical pratiqué qui hérite de l'expérience des cousins germains d'Helloween ou de Gamma Ray.
Ce qui donne à cet album ses lettres de noblesse gravées dans l'éternité, c'est qu'il a tout pour lui. Basique remarque, mais il faut reconnaitre que ce disque a été touché par la grace. Un festival, ripaille gargantuesque de thèmes médiévaux arrangés à la sauce métallique des Allemands, rien qui ne puisse décevoir le fan moyen de ce genre de performances guerrières.

De l'hymne, voilà ce que propose Blind Guardian, et Nightfall en est le parangon suprème, avec ses interludes, son refrain qui fait fureur dans les tavernes.

C'est dans les grands moments de colère que Blind Guardian met à genoux le premier hobbit venu. Un tout fait d'une puissance rythmique qui n'est plus à démontrer et ce troubadour affolant en la personne de Hansi Kursch et de son timbre aussi puissant que singulier. Il est évident que l'on adore ou pas ces performances vocales, votre primate mit quelques temps à s'en accommoder, il en est désormais un fervent admirateur. Sur The Curse of Feanor, sa prestation est proprement inhumaine, hargneux mais mélodique, faisant lutter sa glote contre ses amygdales, il faut l'entendre pour le croire, et mieux encore apprécier en concert tel phénomène.

Blind Guardian est parvenu à offrir un pendant musical très convenable à une oeuvre aussi complexe que le Silmarillon de Tolkien, preuve d'un travail acharné et surtout d'une réelle passion pour l'écrivain et son univers. Entre les titres se voient insérés de courts interludes qui nous font avancer dans le récit. Le livret est suffisamment complet pour que j'en ajoute encore à ce sujet.
Ce qui place ce disque dans la catégorie des incontournables qui déchirent et qui si vous l'écoutez pas z'êtes un con, c'est que le travail qu'il a demandé est surnaturel. Tant de détails, tant d'instruments, tant de surprises au détour des riffs, il faut entendre au hasard Noldor pour le croire tant la richesse des arrangements est grande, tant les compositions explosent de détails sublimes. Ne croyez pas cependant que l'on touche du doigt un Raphsody dans la folie orchestrale. Malgré la profusion, Blind Guardian sait utiliser à bon escient le matériel disponible, toujours au service de la musique, et non de son propre égo de musicien pédant.

Privilégiez derechef l'épique Times stands still, hommage aux Noldors dans leur lutte impossible contre Morgoth, le beau The Eldar et son air de piano d'une mélancolie touchante.

Il faudrait des centaines de lignes pour exprimer sans bien convaincre toute la magnificence de cet album, supérieur encore à un joyau du calibre de Imagination from the other side, pourtant déjà bien fourni niveau qualité.

Mais Nightfall in Metal Earth a ce que les autres n'ont pas, une parfaite association de talent et d'inspiration, d'un concept aussi solide que l'adamantium, d'un groupe simplement composé de génies individuels qui unis produisent des miracles. Sous des dehors complexes, Blind Guardian sait créer des émotions et raconter des histoires aux grands enfants que nous sommes. La Terre du Milieu attend ses héros, en serez-vous ?

"You are now my guest, forever. Hahahahaha !"